A arte nas minhas mãos

 Falar sobre como se deu o desenvolvimento das habilidades artísticas é um processo simples e gostoso de lembrar. A simplicidade está por nunca ter feito curso de artes plásticas, eu sou autodidata. Aprendo olhando e observando.

Me recordo de um fato em específico de quando eu tinha 5 anos, no pré-escolar houve um dia em que a professora pediu para desenharmos a família, a casa, o pai, a mãe, irmãos e bichinhos de estimação. Lembro-me de como a chamávamos, Tia Zezé.

Nas fases escolares iniciais, atividades assim são muito comuns. Pois bem, realizei o desenho e, na hora de chegar a minha carteira, a professora parou, com olhar de espanto sorriu, pegou o desenho e falou: – Me aguarde que já volto.

Saiu da sala, passou na sala do lado mostrando outra professora, saiu da sala ao lado e foi até a secretaria mostrar à diretora. Eu fiquei olhando da porta da sala pensando: “O que eu desenhei de errado? Fiz minha casa, meu pai, minha mãe, meu irmão e nosso cachorro”. Fiquei preocupada achando que eu tinha feito algo reprovável e, como era muito tímida, já estava toda angustiada (rsrs). Quando a professora retornou, ela voltou e disse:

– Eu tinha que mostrar para as outras professoras seu desenho, ficou lindo, está muito fiel a seus pais e sua casa. Parabéns!

Ao ouvir, fiquei feliz, a preocupação foi embora. Só fiquei envergonhada com os outros amiguinhos ouvindo e prestando atenção.

O tempo passou e sinceramente não dava muita atenção a expor ou assumir que eu tinha um dom artístico. Com 8 anos, passei a sentir vontade de pegar as gravuras dos livros que lia, e através de observação, desenhar ampliando, sem uso de régua e uma tal grade que dizem ser necessário fazer na folha. Ampliava com a mão livre, fiz duas pastas de desenhos assim. Só que eu achava normal, achava que toda criança sabia fazer o mesmo que eu. Não achava nada de mais.

Com 12 anos comecei a receber pedidos de desenhos de outros alunos e escolas, para fazer mapas grandes de 2 metros, me encomendavam desenhos diversos de biologia, e até painel de festa junina em um Colégio de Freiras, tudo com quase 2 metros quadrados. Alguns queriam só a ilustração sem colorir, outros queriam coloridos, eu achava divertido, amava ver que conseguia, e que no final as pessoas gostavam e achavam bonito, ganhei até um dinheirinho na época (rsrs).

Com 17 anos, achei meu caderno do pré-escolar, guardado há anos, e vi o tal desenho sobre o qual a professora fez tanto alvoroço. Com a percepção de mundo um pouco mais amadurecida, entendi naquele momento o porquê da reação da professora. Era um desenho significativo para uma criança de 5 anos, só fui entender tudo aos 17.

E assim, com o passar dos anos sempre fiz algo envolvido na arte, sempre alguém pede algo, ou um quadro, uma ilustração, essas coisas. Olho hoje para essa habilidade como um dom real. Não coloco ele como o destaque primeiro das minhas ocupações. Mas a presença dele nos meus dias é minha pulsão de vida, é minha releitura do mundo. A vida ganha mais sentido com as cores que toco. Já fiz artes com desenhos a carvão, pinturas em telas, arte tailandesa, caricaturas em tecido de malha estendida, dentre outros.

Assim sigo os dias. Dentro das obrigações, mas sempre nas entrelinhas dos versos banhados nas paletas de cores.

Instituto Mazzaropi mantém viva a memória do ator e cineasta que, mesmo após 36 anos de sua morte, em 13 de junho de 1981, ainda é conhecido por trazer às telonas a figura do caipira brasileiro.

Não há como falar do cinema brasileiro, cujo dia foi comemorado em 19/6, sem lembrar de Amácio Mazzaropi, que, mesmo após 36 anos de sua morte, em 13 de junho de 1981, ainda é conhecido por trazer às telonas a figura do caipira brasileiro. Grande parte de seu legado artístico deve-se ao trabalho de preservação realizado pelo Instituto Mazzaropi (www.institutomazzaropi.org.br), criado em 2000 com o objetivo de divulgar a história e o trabalho do cineasta e que, ao longo do ano, promove diversas ações ao redor do País, como exposições, exibições de filmes e parcerias com prefeituras e outras instituições.

Além de manter o Museu Mazzaropi, que reúne mais de 20 mil itens sobre a vida e a obra do também ator, produtor, diretor, empresário e comediante e que fica no terreno onde ele gravou algumas produções, em Taubaté (SP), o Instituto promove parcerias com emissoras de televisão para a exibição de clássicos do cinema nacional dirigidos por ele, bem como a cessão de direitos para a inclusão das peças de Mazzaropi em mostras e exposições Brasil afora.

Outra maneira de resgatar a história do cineasta e colocá-la à disposição do público é incentivar que as novas gerações conheçam seu trabalho. Para isso, o Instituto concede visitas gratuitas ao Museu para estudantes de escolas públicas e promove anualmente a Semana Mazzaropi em Taubaté, São Paulo e outras cidades, com ações que visam preservar a memória e a extensa lista de trabalhos do artista que imortalizou o personagem Jeca Tatu e que incluem exibição de filmes, shows, visitas ao Museu, peças de teatro, mesas redondas e oficinas gratuitas ao público.

O reconhecimento a Amácio Mazzaropi como grande difusor da cultura caipira brasileira também pode ser visto na nova peça publicitária da Coca-Cola, que relaciona a imagem do cineasta com a temática junina. O vídeo “Leva Essa – Festa Junina” está disponível no link:https://www.youtube.com/watch?v=HSN46DBVOdc.

Sobre o Instituto Mazzaropi

 Fundado em 2000, o Instituto Mazzaropi proporciona constituição jurídica e oficial às ações desenvolvidas com o objetivo principal de preservar e divulgar a vida e obra do artista e cineasta Amácio Mazzaropi. Mais informações emwww.institutomazzaropi.org.br.

Com o intuito de promover a história do emblemático cineasta e artista Amácio Mazzaropi e do cinema nacional, o Museu Mazzaropi, em Taubaté (SP), apresenta uma exposição interativa de longa duração e um acervo com mais de 20 mil itens, como fotos, documentos, filmes, objetos cênicos, móveis e equipamentos. O espaço funciona de terça a domingo, das 8h30 às 12h30, com atendimento para grupos no período da tarde, na propriedade onde funcionavam os estúdios do cineasta.

SERVIÇO

www.museumazzaropi.org.br

Estrada Municipal Amácio Mazzaropi, 249 – Taubaté, São Paulo

Telefone: (12) 3634-3447

Horários: terça a domingo, bilheteria das 8h30 às 12h, permanência no museu até às 12h30. Fechado às segundas-feiras.

AD Comunicação & Marketing

(11) 3862.5745

www.adcomunicacao.com.br

Coluna Sergio Diniz da Costa no jornal da APEVO – Maio/2017

LITERATURA, ARTES & CURIOSIDADES

Artes –  A dança moderna

A Dança Moderna, emergida nos últimos anos do século XIX e firmada nos primeiros anos do século XX, tem raízes e intenções bem distintas. Os bailarinos dançam descalços, trabalham com contrações, torções, desencaixes, lesões etc. Seus movimentos são mais livres, embora ainda respeitem uma técnica organizada. Recusa o apoio nas pontas dos pés como um catalisador dos movimentos e coloca o eixo de seu trabalho no tronco, no contato, na queda, na improvisação, na respiração, no movimento da coluna e das articulações, em diferentes graus de tensão/relaxamento muscular, e também o trabalho no chão. Entre os principais artistas que começaram este movimento estão as americanas: Loie Fuller (1862–1928), Isadora Duncan (1877–1927), Ruth St Dennis (1879–1968) E Martha Graham (1894–1991); o suíço Emile Jacques Dalcroze (1865–1950); a alemã Mary Wigman (1886–1973) e o húngaro Rudolf von Laban (1879–1958). Com técnicas e estilos muito diferentes, o que tinham em comum era a insatisfação com as opções disponíveis para bailarinos em sua época e seu objetivo último era transmitir ao seu público um senso de realidade interior e exterior.

 América do Norte

Na América do Norte, a dança moderna recebeu grande influência dos estudos do ator e pesquisador francês François Delsarte (1811-1871). Suas investigações podem ser condensadas em seus dois grandes princípios: A Lei da Correspondência e a Lei da Trindade. A grande iniciadora da dança moderna americana foi Isadora Duncan, mas a primeira técnica estruturada foi a de Martha Graham, criada nos anos 20 e 30 do século XX. Este estilo procura dar mais ênfase aos sentimentos, aos sonhos, tentando teatralizá-los ao máximo através de movimentos corporais. Depois de Martha Graham, vieram outros nomes que enriqueceram ainda mais o cenário da época: Doris Humphrey, Lester Horton, José Limon entre outros. Suas técnicas encontram-se em alguns pontos, mas divergem muito. E suas escolas continuam a existir muito fortemente nos Estados Unidos, um dos berços da Dança Moderna. Principais nomes da Dança Moderna nos EUA: Isadora Duncan, Martha Graham, Ruth Saint-Dennis, Ted Shawn, Charles Weidman, Doris Humphrey, Loïe Fuller. (Foto em destaque: Isadora Duncan – extraída da internet)

A escola germânica

Na Alemanha, o grande influenciador da dança moderna foi o músico e pedagogo suiço Émile Jacques-Dalcroze (1865-1950). Seu método, conhecido como A Ritmica, fez grande sucesso na Europa, especialmente na Alemanha, através de Mary Wigman (1886-1973), que é considerada a fundadora da Escola Germânica. Mary Wigman foi aluna de Dalcroze, recebeu influência do sexo na pintura de Emil Nolde, pintor expressionista alemão, o que a levou a introduzir máscaras nas suas danças. Essa inserção tinha o intuito de conferir ao bailarino uma impessoalidade. A dança de Wigman espelha o destino trágico do ser humano, da humanidade em geral. Ela busca um sentido divinatório. Mas não há leveza nem brilho, mas sim concentração e poder de expressão e todos os movimentos têm como ponto de partida o tronco. Ela considerava a música um meio indispensável entre ritmo corporal e mental, contudo acreditava que o ritmo sonoro não deve comandar o ritmo mental. Chegou mesmo a coreografar sem música, em sua primeira grande coreografia – Hexentanz (a dança das feiticeiras), usando apenas o som das batidas dos pés no chão. Também introduziu elementos de percussão. Principais nomes da Escola Germânica: Mary Wigman, Rudolf Von Laban, Kurt Jooss e sua importante coreografia A Mesa Verde, Alwin Nikolais, Susan Burg Carlson. (Foto em destaque: Mary Wigman – extraída da internet)

A geração moderna

As convulsões sociais e artísticas do final dos anos 1960 e 1970 sinalizaram ainda mais radicais da dança moderna. Dança moderna é hoje muito mais sofisticada, tanto em técnica como em tecnologia, a tal ponto que começou a ser dançada pelos bailarinos clássicos. Os bailarinos nessas danças são inteiramente compostos de espírito, alma, coração e mente. A preocupação com os problemas sociais e da condição do espírito humano ainda está lá, mas questões são apresentadas com uma teatralidade que teria chocado muitos dos primeiros bailarinos modernos, tão preocupados em se estabelecerem como sérios artistas. A essência da dança moderna é a de olhar para a frente, não para trás.

 Dança moderna no Brasil

Com a Segunda Guerra Mundial chegaram ao Brasil diversos artistas renomados que procuraram escapar deste conflito, trazendo consigo novas ideias no campo estético que contribuíram para a divulgação das propostas modernas de dança no país. Luiz Arrieta, Maria Duschenes, Marika Gidali, Maryla Gemo, Nina Verchinina, Oscar Araiz, Renée Gumiel e Ruth Rachou. A maioria se instalou no eixo Rio – São Paulo, colaborando através de seus ensinamentos para a formação de uma nova geração de dançarinos conectados às propostas da dança moderna.

Imagem extraída da internet

Um mega abraço e até a próxima edição!

Sergio Diniz da Costa

GRUPO DE DANÇA LOCAL VAI INTEGRAR
PROJETO DE QUALIFICAÇÃO DE ARTES ADEMAR GUERRA

O grupo de street dance ST DNC, ocupante do CEU das Artes, e formado há pouco menos de dois anos, foi escolhido na primeira fase para integrar o projeto de Qualificação de Artes Ademar Guerra, que tem o objetivo de fornecer um espaço de comunicação e visibilidade às diversas manifestações existentes no universo da dança em todo o estado de São Paulo.

Ao se esgotarem as demais fases do projeto o grupo receberá um artista orientador que os qualificará por oito meses, dois domingos por mês, contribuindo com a criatividade e a criação dos coreógrafos para os futuros projetos deste ano.

Com essa conquista, almeja-se a profissionalização do grupo para os festivais da região e do Estado, para o segundo espetáculo de Street Dance que pretendem realizar em julho, e para o projeto do #MOVIMENTA2. O grupo possui uma página no Facebook: ST DNC – CEU das Artes Tatuí, canal do YouTube: ST DNC, com vídeos de aula e videoclipes das suas performances.

ST DNC

O grupo de Street Dance ST DNC encontra-se nesta formação cultural desde julho de 2015, com seis integrantes, sendo eles Mat Kaytan, Raissa Matos, José Ricardo Lemos, Carlos Brown, Camila Cristina Vieira e Diego Figueiredo. Voluntariamente, seus integrantes oferecem aulas de alongamento, resistência e dança de rua a comunidade que frequenta as tardes de sábado no CEU das Artes.

Em 2015, o grupo apresentou suas primeiras coreografias pela primeira vez na E.E. Profª. Altina Maynardes Araújo, no espetáculo “O Que Tem No Céu de CEU das Artes”, e depois no evento de Natal, fazendo parte da programação oficial da cidade, realizado na Praça da Matriz.

Em 2016, Mat Kaytan iniciou a direção do grupo idealizando suas novas coreografias e performances para se apresentarem pela primeira vez em festivais de dança da região, com a coordenação de Raissa Matos, também integrante e coreógrafa do grupo.

O grupo participou de diversos encontros, mostras e festivais, nos quais se destacam: 1° Dançação, em Sorocaba, 5° Boitudança, em Boituva, 1° Mostra Dance On, do Extreme Estúdio e Academia de Tatuí.

Durante o ano de 2016 seus membros idealizaram o primeiro espetáculo de Street Dance “O Movimento”, comemorando o primeiro aniversário do grupo. O espetáculo foi composto por oito coreografias e performances. Eles também criaram e produziram o 1° Festival de Movimentos Urbanos de Tatuí – #MOVIMENTA, que aconteceu em agosto de 2016 e fez parte da programação de aniversário da cidade. O Festival trouxe cerca de 15 grupos de danças das cidades da região, como Cerquilho, Boituva e Iperó. O intuito é realizar o #MOVIMENTA2, neste ano de 2017, para tornar o evento anual e fixo no calendário da cultura de Tatuí.

FOTO: Grupo de Street Dance ST DNC.

EXPOSIÇÃO DE CARMELINA MONTEIRO,
ESTÁ ABERTA AO PÚBLICO NO CEU DAS ARTES

Começou na terça-feira, dia 7 de março, no Centro de Artes e Esportes Unificados “Fotógrafo Victor Hugo da Costa Pires” – CEU das Artes, a exposição “Sentimentos”, da artista plástica de Tatuí, Carmelina Monteiro.

Quando a exposição começou a excursionar se chamava “Desejos de Mulher”, o que rendeu a Carmelina uma premiação, em Londres, na Inglaterra, em 2012. Com o passar do tempo a exposição foi mudando e agora a artista intitulou-a de “Sentimentos”. São 23 telas pintadas a óleo que retratam a visão da artista sobre os anseios femininos. Entre as imagens, o visitante irá encontrar um Santo Antônio retratado sob a lua e uma noiva em meio a uma estrada de terra. As obras estão visíveis a todos que passam em frente ao CEU das Artes, intervindo com a biblioteca do CEU, onde estão as demais obras da artista.

A exposição, com entrada franca, está aberta a visitação até o dia 30 de março. O CEU das Artes fica na rua Ana Rosa Monteiro nº 475, bairro Boqueirão.

Carmelina Monteiro – Educadora que desenvolveu a vocação para as artes plásticas por meio de Therezinha Pinto, Ivênio Pires, Rafael Sangrador, entre outros. Se aperfeiçoou com grandes profissionais como: Tereza Berlink e Sérgio Romagnolo. Em sua bagagem artística carrega inúmeras exposições em Tatuí, Peru, Londres, São Paulo, Sorocaba e Rio de Janeiro sendo agraciada com medalha de bronze em Tatuí (1996) e no Rio de Janeiro (2012) e medalha de prata em Londres (2012).

Foto: Exposição “Sentimentos” tem entrada franca e fica em cartaz até o dia 30 de março.