Alexander Anchia Vindas

‘¿Por qué lo que vino literariamente después del Boom no fue tan exitoso?’

Introducción

El fenómeno literario conocido como “El Boom Latinoamericano” parte la historiografía de la literatura en dos partes cual si fuera la historia Antes o Después de Cristo para el mundo con una cosmovisión occidental.

No obstante, antes del “Boom” ya existía una identidad, ya existía un canon de obras, ya existía una cosmovisión latinoamericanista de la realidad. Tal consolidación se comenzó a gestar incluso desde antes de las Independencias con autores latinoamericanos inmersos en la Literatura Española tales como: Garcilaso de la Vega, Sor Juana Inés de la Cruz, Ruiz de Alarcón y Leopoldo Lugonés por citar algunos de ellos.

Seguidamente con el romanticismo latinoamericano, por ejemplo, la novela María de Jorge Issacs, luego el naturalismo y realismo con otras obras, hasta que se consolidó el Realismo Mágico base previa para el Boom
Pero si fue durante el Boom el que le concedió un foco mediático a la literatura Latinoamericana.

¿Qué es el Boom?

El Boom Latinoamericano fue un fenómeno literario que surgió en la década de 1960 y se consolidó en los años 70 y se extendió en sus postrimerías hasta entrada la década del 2000 con sus últimos autores. Se caracterizó por la difusión internacional de la narrativa latinoamericana. Se trató de un movimiento editorial y cultural que permitió que escritores de la región alcanzaran reconocimiento mundial, transformando la percepción de la literatura en español.

El Boom se originó por varios factores:

La modernización editorial en Europa y América, que facilitó la publicación y traducción de obras.

El interés creciente en realidades políticas y sociales de América Latina, en un contexto de dictaduras, revoluciones y tensiones de la Guerra Fría.

La aparición de nuevas técnicas narrativas influenciadas por el modernismo europeo y el realismo mágico.

Los autores del Boom están plenamente identificados pero el Boom fue un fenómeno editorial, una brillante idea de editores en España que ayudaron a consolidar una literatura muy diversa e importante que se venía produciendo en el lado Oeste del Atlántico. Sin la labor de Carmen Balcells y editores como Carlos Barral, la narrativa latinoamericana difícilmente habría alcanzado la proyección mundial que logró en los años 60 y 70.

El Post boom

Surgió como respuesta y evolución del Boom, principalmente se dio a partir de los años 90s. y algunos de ellos permanecen hasta nuestros días. Estos movimientos se caracterizaron por diversificar las voces, simplificar las estructuras narrativas y abrir espacio a temas antes marginales. Los temas y motivaciones han variado.

Algunos de esos movimientos del Post boom son: Macondo, narrativa histórica, literatura de migraciones, sexualidad y marginalidad, experimental, narcotráfico y novela negra latinoamericana.

Autores hay muchos, pero por citar a algunos autores sobresalientes en diferentes épocas algunos con actualidad previa a la llegada del siglo XXI y otros que permanecen hasta nuestros días se puede citar a Roberto Bolaño, Cesar Ayra, Isabel Allende, Laura Esquivel Álvaro Mutis, Jorge Bucay, Fernando Vallejo, Mario Bellatin, Jorge Volpi, Daniel Sada, Cristina Rivera Garza y Juan Villoro.

No obstante, si en esencia la literatura latinoamericana continuaba con su intensidad de conflictos, su maestría a contar historias, su rigor literario y su vocación de mantener una narrativa-cosmovisión latinoamericanista ¿Por qué decayó su atención?

Evidentemente después del año 2000 al concatenarse también con el fallecimiento paulatino de las figuras del Boom, no es posible otorgar a una única razón la desaparición del foco mediático mundial sobre la literatura latinoamericana.

Particularmente el autor de esta pequeña reflexión se atreverá a señalar varias razones para esa desaparición del foco mediático sobre la literatura interamericana:

a) Fallecimiento de las figuras del Boom. Evidentemente si un movimiento se centró en algunos de esos autores, una de las razones es su desaparición paulatina. Los nuevos autores no han superado; o, no han logrado cautivar a los lectores lo suficiente, tal como lo hicieron los autores del Boom.

b) Los movimientos del Post boom han sido más localistas, menos coordinados en el tiempo y generaron menor uniformidad en cuanto a estilo y tramas. Los autores tendieron a aislarse, y esos movimientos no tuvieron homogeneidad en cuanto a sus orígenes, postulados literarios y fechas.

c) La tecnología modificó las formas de acercarse a la lectura. Evidentemente la incursión de leer libros en línea con formatos como e-pub, pdf. El uso de tables y la incursión del libro electrónicos o audio libros, generó en ciertas generaciones alejamiento de la lectura al no comprender el uso de esos dispositivos y tipos de archivos. En tanto tampoco para las generaciones de Y o Z, tales dispositivos no derivaron en un aumento masivo de la lectura

d) El ciudadano posmoderno es más “light” en cuanto a sus gustos y preferencias: Tal como lo esbozó Zygmunt Bauman en su libro de la modernidad líquida o posmodernidad. Como lo dijo luego Vargas Llosa en su ensayo de la Civilización del Espectáculo, pasamos a un tipo de ciudadano del mundo, menos consciente, individualista y conformista con una literatura más light; o una ausencia total de la lectura. El ciudadano posmoderno estudiado tiende a ser más tecnócrata y enfocado más en su campo directo de trabajo, privándose del resto de lo que ocurre a su alrededor

e) Algunas propuestas fueron pensadas más para un ciudadano más light y no lograron universalizarse, tal como en el caso de la novela de narcotráfico que al pensarse para guiones de película o telenovelas latinoamericanas no derivó en universalización.

Conclusión

La literatura latinoamericana cuenta actualmente con una identidad consolidada, cuenta con una propuesta conocida, con una reinvención en curso; no significa que al no tener el foco mediático no sea una literatura exitosa. Actualmente la literatura hispanoamericana se debate entre un crecimiento propio, acorde a su historia previa de rigor, estética, principios y valores como lo fue otrora a lo largo de sus distintas épocas y conocimientos.

O, por una propuesta más inmediata que responda más al tipo de ciudadano promedio de la posmodernidad, el cual busca textos más inmediatos, ojalá algunos de ellos se puedan entender desde el teatro, el cine o la televisión.

Alexander Anchia Vindas

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Alexander Anchia

Entrevista com la poeta mexicana Marizela Ríos Toledo

Conozco a la poeta mexicana Marizela Ríos Toledo con una trayectoria poética importante en su país.

Poeta de lo cotidiano, de lo existencial de lo hondo y profundo. Tuve la posibilidad de compartir personalmente con la poeta durante el Encuentro de Poesía: Tras las Huellas del Poeta, celebrado durante el 2016 en Chile.

Desde esa fecha hemos compartido aventuras poéticas.

Aquí está la entrevista que le hicimos.

1-En pocas palabras o en palabras poéticas. ¿Quién es Marizela Ríos Toledo? 

Soy una mujer  mexicana de la etnia zapoteca vinculada al poema de vida de mi origen: flor y canto. La poesía, la literatura en mí, son raíz y sangre. 

2-¿Por qué escribes poesía, ¿qué te lleva a esa “locura”, si pudiésemos pensar de eso en estos tiempos?

Escribo poesía como acto de fe, porque creo en el poema como organismo que fluye, que no deja de moverse y busca cautivar con voz e imagen, un breve momento que vincule el ser y el no ser. Creo en lo humano que también es lenguaje y movimiento y en repetidas ocasiones es alguien que no es. La poesía lo transfigura, el cometido de la palabra causa el efecto.  

3- ¿Cómo debe escribirse o concebirse la poesía, para sobrevivir en estos tiempos posmodernistas?

La poesía no depende sólo del tiempo o de la moda, es una necesidad humana. En la posmodernidad hay varias dificultades para los que escribimos poesía: hay mayor rapidez que contemplación. La abundancia de voces nos hace pensar que todo está dicho. La mercadotecnia valora lo que vende no lo que permanece. Entonces, ¿cómo sobrevivir como poeta? Sin duda, no pensar en sólo publicar, sino aprender a mirar y comprender que todo lo que existe, lo que es más allá de la materia, es poesía. Escribir siempre, incluso cuando nadie parece escuchar. La poesía empieza cuando nos negamos a dejar de asombrarnos. El poema es un instrumento que funciona para cuestionar la realidad. Es mejor considerar que la tarea de la poesía consiste en encontrar un lenguaje que nos haga respirar el presente. Para sobrevivir en la poesía, se necesita ser fiel a la necesidad de hacerlo.

4- ¿Cuáles han sido tus referentes poéticos, o quiénes te han influenciado?

Son innumerables los enfoques y tendencias que en mí han influido: desde Simias de Rodas, Los poetas malditos, Arthur Rimbaud, César Vallejo, Vicente Huidobro, Anne Sexton, Octavio Paz, Gabriel Zaid, Rafael Cadenas,  Simone de Beauvoir Incluyo a Silvia Kristeva que me ha ayudado a darle apertura en la poesía a la abyección, que en el arte se exalta. 

5- Sería utópico hacerlo, pero si por un momento tomásemos el tratado de Nietzsche en cuanto a lo Dionisiaco y Apolíneo y pudiésemos ubicar en lo Dionisiaco a Sabines y en lo Apolíneo a Octavio Paz, ¿a cuál estilo te acercarías más con tu poesía, o buscarías un punto medio?

Octavio Paz, él tiende a construir el poema como una forma de conocimiento, sus imágenes son meticulosamente cuidadas, su reflexión filosófica es constante, Se interesa por el tiempo el lenguaje, la conciencia; hace parecer que piensa mientras escribe. 

6- ¿Cuál libro tuyo nos recomiendas para un lector primerizo y cuál es más apropiado para un lector ávido y amante de la lectura de la Poesía?

1.- Ad Libitum: estrategias de poesía: largo aliento, poemas visuales, poemas trabajados como flash o instantánea. Vida y muerte están presentes.

  2.- Poesía en fuga: lenguaje directo, busco rescatar palabras que han llegado a convertirse en mercancía sin idealizar el pasado, sino para impedir que desaparezcan de la experiencia humana al convertirse  extremadamente sensibles o románticas.

7- Finalmente déjanos unas dos estrofas de un mismo poema o de diferentes poemas para el público lector que podamos degustar.

EVA

Aborrezco tu nombre
Cargo la indignación de convertir en polvo
el azar que anhelo
y no enfrascarme en la rutina de cargar
con lo que no quiero ser.

No hay existencia que mw aloje,
no perdurarán mis vísceras en la nada.

Creada para ser perfecta, desplazándose con laxitud,
el hombre aprueba tu proporción

Abres la mano para atrapar el fruto
Sin saber de tu sometimiento.

Aquí estoy,
cuando el corazón engaña y niega la muerte que desea.

¿Qué temor esconde la serpiente?
¿Eres la que se desliza y rezume en su semblante
los miedos que anteceden a su imagen?

¿Soy yo la que atestigua tu ingenuidad,
la que sonríe y miente,
la cobarde que te cree ajena
y te siente junto al alma?

¿Somos todas?”
¿<<Aquellas<< las de <<ahora<<, las arrinconadas
somos tú?

Me cuesta encontrarme, extravié la perspectiva,
no alcanzo a distinguir más allá de los edificios
que frente a mí persisten,
no encuentro la luna que desde el tragaluz,
con una mirada acortaba su distancia.

Pesa tu nombre, Eva.
Me asfixia tu manzana.

LEVIATÁN

¿Cómo le explico al obstinado árbol de la vida
que comparto cautiverio con la serpiente?
¿Que mi temblor es la corazonada
que eterniza en el cerebro el vuelo de la mariposa?

La sal trago para reparar mi abatimiento.
Sibarita mi cerebro, escucha el zumbido de la arteria
que persiste en su prontuario imaginado.

El diablo, que está a punto de atraparme,
dudo que me conozca,
es ceniza de otro fuego.

Mi suerte tiene el olor del mar,
es la roca que la tendencia del cangrejo elige.

Imposible huir, soy
la serpiente
la mariposa
la sal
el miedo

Es mi código,
el argumento guardo para que nadie me rodee.
Estoy excluida del rumor y no encuentro enigma en el silencio.
Confieso que toda ciudad me cautiva. Estimula su lengua,
no me sorprende su falta de misterio.

Cada espacio acicala la realidad que salta o se sumerge en un escombro,
en un claro.
Al mismo tiempo que el miedo grita en su guarida.

Que el diablo deje en libertad mi confundido paraíso.

Alexander Anchia

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Alexander Anchía Vindas

Una nación, un método, dos poetas, dos mentalidades –
Venezuela, la nación lectora y cuna de poetas

Venezuela destaca en América Latina por su profunda tradición lectora. A pesar de las dificultades sociales y económicas, Venezuela mantiene una cultura literaria rica y activa, evidenciada en la cantidad de lectores y la producción editorial del país. Según estudios recientes, venezolanos son reconocidos como uno de los pueblos latinoamericanos que más lee, impulsados por políticas culturales que fomentan la educación y la lectura desde temprana edad. Este hábito potente ha contribuido a la formación de una sociedad con un particular aprecio por las letras y la poesía, siendo la poesía un campo donde Venezuela ha producido voces referentes en la región.

El país ha sido cuna de destacados poetas que han aportado significativamente a la literatura latinoamericana. Vicente Gerbasi es uno de los grandes nombres, conocido por su conexión con la naturaleza y su capacidad para fusionar lo personal con lo universal. Rafael Cadenas, con su poesía introspectiva y filosófica, es un ejemplo de la profundidad intelectual venezolana. Eugenio Montejo, maestro del verso y la metáfora, ha sabido capturar la esencia de la identidad venezolana y la naturaleza desde una óptica positiva y luminosa. También destacan voces contemporáneas como Harry Almela, Josu Landa, Sonia González, Alfredo Herrera, Enrique Viloria y Joaquín Marta Sosa, quienes continúan enriqueciendo el panorama poético del país, representando variadas sensibilidades y estilos.

El verso libre como método de expresión en la poesía 

El verso libre es un método de expresión poética que se caracteriza por no sujetarse a métricas ni rimas fijas, liberando así la palabra del control estricto de las formas tradicionales. Este método permite una mayor flexibilidad y espontaneidad, favoreciendo la expresión directa de emociones, pensamientos y experiencias personales. En la poesía contemporánea, el verso libre sirve para explorar nuevas sensibilidades y romper con estructuras rígidas, permitiendo al poeta una voz más auténtica y diversa. El verso libre se convierte en un escenario abierto para la innovación rítmica, temática y lingüística, reflejando la complejidad y diversidad del mundo moderno.

Vida y obra de Rafael Cadenas y Eugenio Montejo 

Rafael Cadenas, nacido en 1930, es uno de los poetas más influyentes de Venezuela. Su obra se caracteriza por un tono reflexivo y filosófico, marcado por la búsqueda constante de sentido y verdad. Cadenas combina en su poesía un pensamiento crítico con una profunda honestidad. Obras como “Elegía profunda” y “Derrota” exploran la condición humana con una mirada que oscila entre la desilusión y la percepción clara de las debilidades existenciales. Su lenguaje es a menudo sobrio, medido y cargado de significado, invitando a la reflexión. Además, Cadenas ha sido un intelectual comprometido con la cultura venezolana y latinoamericana, ejerciendo como ensayista y traductor.

Eugenio Montejo (1938-2008) es considerado otro pilar de la poesía venezolana. Su obra se distingue por una sensibilidad hacia la naturaleza, el tiempo y la memoria, explorando temas universales con un tono optimista y sereno. Montejo integra elementos del paisaje venezolano y latinoamericano en una poesía lírica que invita a la contemplación y al asombro. Libros como “Terrenal” y “Los jardines de Orfeo” revelan un dominio del verso y un estilo lleno de musicalidad, simbolismo y esperanza. Montejo también desempeñó un papel importante como promotor cultural y traductor, contribuyendo a la difusión de la poesía en Venezuela.

Ambos poetas, aunque con estilos y enfoques diferentes, forman parte del canon imprescindible de la poesía venezolana contemporánea, mostrando la riqueza y diversidad de las mentalidades y voces que habitan en el país.

Diferencias entre las mentalidades de Montejo y Cadenas a través de sus poemas

La poesía de Eugenio Montejo y Rafael Cadenas refleja dos mentalidades distintas que, sin embargo, dialogan sobre temas profundos de la existencia humana. Montejo, con una visión más positiva y esperanzadora, nos ofrece en su poema “Los Árboles” una reflexión sobre la continuidad y la vida. En este poema, los árboles se convierten en símbolos de resistencia y crecimiento:

“Los árboles no se detienen / aún cuando el viento los sacuda / sus raíces profundas sostienen / la esperanza que perdura.”

Estos versos representan la idea de que, a pesar de las adversidades, la vida sigue y permanece, alentando un sentido de permanencia y optimismo frente al tiempo y los cambios.

Por contraste, Rafael Cadenas en su poema “Derrota” aborda la experiencia humana desde una perspectiva más crítica y resignada. El poema expresa la incertidumbre, la pérdida y la lucha interna. Cadenas escribe sobre la derrota no solo como fracaso externo sino como una introspección profunda y dolorosa:

“He perdido toda esperanza / no por rendición sino por saber / que no se gana si se pierde tanto.”

Aquí la derrota se vuelve una experiencia inevitable que condiciona la existencia del ser humano, reflejando una sensibilidad más sombría y filosófica.

Mientras Montejo invita a la contemplación de la belleza y la persistencia de la vida, Cadenas explora la aceptación crítica de la fragilidad humana y la imposibilidad de respuestas fáciles. Montejo usa la naturaleza como un símbolo de renovación; Cadenas se centra en la condición humana como territorio de lucha interna y reflexión dolorosa.

Estas diferencias no solo ilustran sus mentalidades poéticas, sino también la riqueza de la poesía venezolana que alberga diversas voces y métodos para enfrentar las grandes preguntas existenciales.

Conclusión 

Venezuela, con su vibrante cultura lectora y rica tradición poética, es un escenario privilegiado para la variedad de voces y métodos en la poesía contemporánea. Rafael Cadenas y Eugenio Montejo, desde sus distintas mentalidades, muestran cómo un mismo país puede albergar perspectivas diversas y complementarias. Mientras Montejo apuesta por una visión esperanzadora y positiva de la vida y la naturaleza, Cadenas nos enfrenta a la realidad de la derrota y el cuestionamiento existencial. Juntos representan la complejidad de la mente y el alma venezolana, haciendo del verso libre un método esencial para expresar esa riqueza plural.

Alexander Anchía Vindas

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Alexander Anchía Vindas

El Poema ‘Oficio’ del Poeta Brasileño Geraldino
y su Enseñanza para Nuevos Poetas

Me encontraba a media formación para convertirme en poeta. En mi país a inicios de Siglo hubo una actividad llamada Simposio de Libertad y Poesía, organizada por el poeta y promotor cultural costarricense Mata Guillén. Entonces uno de los talleres que se impartieron en el auditorio por la Escuela de Filología Hispánica fue el Poeta Extenso como propuesta poética lírica en la Literatura Hispanoamericana. Entra entonces una figura con el poeta venezolano Joshu Landa y nos revela como fuente del conocimiento el poema Oficio del poeta brasileño Geraldino, pero ¿quién es Geraldino? O como lo puedo presentar al lector hispano-parlante.

Biografía de Geraldino

Geraldino es un reconocido poeta brasileño nacido en 1955 en São Paulo. Desde joven, mostró un interés profundo por la literatura, influenciado por la rica tradición poética de su país y por movimientos literarios contemporáneos. Su obra abarca una variedad de temas, desde la identidad cultural hasta la naturaleza, y se caracteriza por un lenguaje evocador y una búsqueda constante de la belleza en lo cotidiano. A lo largo de su carrera, ha publicado varios libros de poesía y ha sido galardonado con premios que destacan su contribución a la literatura brasileña. Geraldino también ha desempeñado un papel importante como mentor de nuevos escritores, compartiendo su experiencia y visión a través de talleres y conferencias.

Consejos para Nuevos Poetas

Para los nuevos poetas, es fundamental comprender que la escritura es un proceso que requiere tanto disciplina como creatividad. Uno de los consejos más importantes es leer ampliamente, no solo poesía, sino también prosa, para enriquecer el vocabulario y la comprensión del lenguaje. Además, se aconseja escribir diariamente, aunque sea en pequeñas dosis, para desarrollar la voz personal y mejorar la técnica. Es esencial no temer a la revisión; la primera versión de un poema rara vez es la definitiva. Finalmente, los nuevos poetas deben aprender a observar el mundo con atención, ya que la inspiración a menudo se encuentra en los detalles de la vida cotidiana.

Análisis del Poema ‘Oficio’ de Geraldino

El poema “Oficio” de Geraldino es una reflexión profunda sobre la naturaleza del acto de escribir y el compromiso que conlleva ser poeta. A lo largo de sus versos, el autor comparte su experiencia y ofrece una serie de enseñanzas que pueden servir de guía para aquellos que deseen adentrarse en el mundo de la poesía. A continuación, se presentan algunos de los versos más significativos del poema, acompañados de un análisis que destaca su relevancia.

1. “Escribir es un acto de amor, / un regalo que se hace al mundo.”

Estos versos iniciales establecen la premisa central del poema. Geraldino sugiere que escribir no es solo un ejercicio técnico, sino un acto profundamente personal y emocional. Para un nuevo poeta, este concepto es vital, ya que implica que la autenticidad y la pasión son esenciales en el proceso creativo. Un poema debe surgir del corazón, y el poeta debe estar dispuesto a compartir su visión con los demás.

2. “Las palabras son herramientas, / y el poeta, un artesano.”

Aquí, Geraldino compara al poeta con un artesano, lo que implica que la poesía es un oficio que requiere habilidad y dedicación. Para un aspirante a poeta, este verso resalta la importancia de la técnica y la práctica. Las palabras, al igual que las herramientas, deben ser utilizadas con destreza y cuidado para construir algo significativo. Este mensaje invita a los nuevos poetas a perfeccionar su arte a través del estudio y la práctica constante.

3. “Hay que escuchar el silencio, / pues en él habita la verdad.”

Este verso enfatiza el valor de la introspección y la observación. Geraldino sugiere que el silencio puede ser una fuente de inspiración y claridad. Para un nuevo poeta, esto significa que es fundamental encontrar momentos de quietud para reflexionar y conectar con sus propias emociones y pensamientos. La verdad poética a menudo surge de la contemplación y la atención plena a lo que nos rodea.

4. “No temas al rechazo, / pues cada verso es un paso.”

Geraldino aborda el miedo al rechazo, un sentimiento común entre los escritores. Este verso sirve como un recordatorio de que el camino del poeta está lleno de altibajos. Cada poema, ya sea bien recibido o no, es una oportunidad de crecimiento y aprendizaje. Para los nuevos poetas, es crucial entender que la escritura es un viaje continuo, y que cada intento contribuye a su desarrollo artístico.

5. “Las críticas son espejos, / reflejan lo que hay en ti.”

Este verso invita a los poetas a ver las críticas como herramientas de autoconocimiento. Geraldino sugiere que las reacciones de los demás ante un poema pueden ofrecer valiosas perspectivas sobre la propia escritura. Para un nuevo poeta, esto implica que deben estar abiertos a recibir retroalimentación y utilizarla como un medio para mejorar y evolucionar en su arte.

6. “El poema es un hijo, / que nace y crece en el papel.”

Con esta metáfora, Geraldino personifica al poema como un hijo, lo que implica que cada obra tiene su propio proceso de gestación y desarrollo. Este verso resalta la importancia de la paciencia en el proceso creativo. Los nuevos poetas deben entender que, al igual que los hijos, sus poemas requieren tiempo, cuidado y dedicación para florecer y alcanzar su máximo potencial.

7. “Y al final, lo que importa / es la huella que dejas.”

Finalmente, este verso encapsula la esencia del legado poético. Geraldino enfatiza que el objetivo último de un poeta es dejar una huella en el mundo a través de sus palabras. Para los nuevos poetas, esto significa que su trabajo tiene el poder de impactar a otros y de resonar más allá de su propia vida. La búsqueda de la voz única y la autenticidad se convierten en un imperativo en su viaje literario.

Conclusión

El poema ‘Oficio’ de Geraldino no solo es una obra poética rica en significado, sino que también actúa como un compendio de enseñanzas valiosas para nuevos poetas. A través de sus versos, Geraldino ofrece una guía que abarca desde la pasión y el compromiso hasta la técnica y la autoconfianza. Al seguir estos consejos y reflexionar sobre los mensajes del poema, los aspirantes a poetas pueden encontrar inspiración y dirección en su propio camino creativo. La poesía, en su esencia, es un viaje compartido que conecta a los escritores con sus lectores, y Geraldino, a través de su obra, nos recuerda la belleza y la responsabilidad que conlleva este oficio.

Alexander Anchía Vindas

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