‘Luis Arias Manzo: uniendo al mundo a través de
Poetas del Mundo’ 

Queridos amigos planetários!

En esta charla, Luis comparte el origen de su proyecto, nacido en octubre de 2005, y qué lo motivó a emprender este viaje literario tan ambicioso. Nos habla de los objetivos del movimiento, así como de los retos que ha enfrentado en 2024: hackearon su página de Facebook con más de 40.000 seguidores y, hace algunos años, personas sin escrúpulos intentaron hackear el sitio web de Poetas del Mundo.

Gracias a la incansable labor de Arias Manzo, en los últimos meses el movimiento ha renacido con una plataforma a la vanguardia. El pasado 21 de marzo, Día Mundial de la Poesía, se relanzó esta increíble vitrina digital que reúne a poetas contemporáneos de todos los rincones del mundo.

Luis ha sido un viajero incansable gracias a la poesía; por ende, tiene amistades en todas partes. En esta entrevista nos narra una anécdota curiosa que vivió en uno de sus viajes en Medio Oriente. Además, habla de su libro Agualuna, relanzado en 2025 en formato digital tras 25 años de haber sido publicado. 

Poetas del Mundo es una plataforma donde se reúnen poetas contemporáneos de muchos países, que no conoce fronteras. Su compromiso y objetivo principal es promover la paz y la hermandad a nivel global, es un medio que permite compartir desde un clic sin importar la distancia; es esa mesa virtual en la cual, sin importar la hora, puedes deleitarte leyendo buena poesía; es ese medio donde el diálogo está abierto; es ese lugar donde nos olvidamos de que existen fronteras y vivimos en un mundo sin divisiones.

Insto a todos los poetas a sumarse a esta iniciativa, pero también, amigo lector, hay espacio para ti: súmate a esta red planetaria a la cual eres bienvenido. En sí, todos están cordialmente invitados a formar parte de esta familia planetaria, a compartir este proyecto que crece cada día y a los miembros que han confiado en Luis para decorar este legado literario internacional.

Felicito a Luis y a su equipo por mantener viva esta iniciativa por más de 20 años, promoviendo la poesía contemporánea de manera excepcional, formal, profesional y confiable, sin fines lucrativos, a diferencia de otras organizaciones de esta índole.

Luis Arias Manzo fue el prologuista de la antología multilingüe CANTO PLANETARIO (H.C. Editores, 2023). En el cierre de esta charla, él nos comentó lo que significó haber sido el prologuista de estos volúmenes de poesía planetaria. Gracias, querido Luis, por tu complicidad en esta aventura literaria.

Queridos amigos, que disfruten mucho de esta charla con Luis Arias Manzo.

¿Qué te inspiró a crear el Movimiento Poetas del Mundo?

A comienzos del siglo XXI, en un contexto de profundas transformaciones políticas, sociales y tecnológicas, nació una idea que podría parecer simple, pero que era profundamente audaz: reunir a los poetas del mundo en un solo movimiento o gremio, como queramos llamarle.

Esta iniciativa surgió de una reflexión sobre el papel de la poesía en el mundo contemporáneo. La humanidad atravesaba tiempos complejos, marcados por guerras persistentes, crecientes desigualdades sociales y un evidente deterioro del medio ambiente. Frente a ese escenario, surgía una pregunta fundamental: ¿tiene aún la poesía un papel en el destino de la humanidad?

Para algunos, la poesía parecía haber quedado relegada, como una voz débil en medio del ruido del mundo moderno. Sin embargo, para otros —y me incluyo— sigue siendo una de las expresiones más profundas de la conciencia humana. A lo largo de la historia, los poetas no solo han creado belleza, sino que también han sido cronistas de su tiempo, guardianes de la memoria y voces críticas frente a la injusticia.

Esa tradición sigue viva. En todos los rincones del mundo existen poetas que escriben, muchas veces en silencio, desde contextos muy diversos: ciudades, pueblos, comunidades indígenas, espacios académicos o círculos independientes. Son voces dispersas, pero profundamente conectadas por una misma sensibilidad.

Entonces surgió una idea clave: ¿qué pasaría si todas esas voces pudieran encontrarse?

Así comenzó a tomar forma Poetas del Mundo, como una red internacional de poetas unidos por una visión humanista, convencidos de que la palabra puede ser una herramienta real de conciencia, encuentro y transformación.

El Movimiento Poetas del Mundo ya cumplió 20 años. ¿Cómo han sido los resultados en este tiempo?

Cuando Poetas del Mundo nació en Valparaíso en 2005, era más bien una intuición: el deseo de reunir a los poetas del planeta en una comunidad basada en el diálogo, la conciencia y la fraternidad humana.

Permítame un breve contexto. El 14 de octubre de 2005 marcaba para mí el cierre de una etapa significativa. Venía de participar como invitado en el X° Festival de Poesía de Cuenca, Ecuador, organizado por la Asociación Latinoamericana de Poesía (ASOLAPO), donde se me encomendó organizar en Chile la siguiente versión. Durante ese proceso advertí una carencia profunda: muchas organizaciones literarias habían perdido el sentido de un ideal común; cada cual avanzaba de forma individual, priorizando el posicionamiento personal por sobre lo esencial.

Con el paso del tiempo, esa intuición se transformó en una red cultural internacional que ha logrado convocar a miles de poetas en distintos países y continentes. Voces provenientes de diversas lenguas, religiones y tradiciones encontraron en este movimiento un espacio común donde la palabra puede trascender fronteras y tender puentes entre los pueblos.

Durante estos veinte años, Poetas del Mundo ha impulsado encuentros internacionales, recorridos culturales, lecturas públicas y múltiples iniciativas colectivas, llevando la poesía a escuelas, comunidades, universidades y espacios sociales donde muchas veces la palabra poética no estaba presente.

Uno de los aspectos más singulares del movimiento ha sido la creación del Cuerpo Diplomático Poético, integrado por embajadores y cónsules de la poesía, quienes han contribuido activamente a expandir este espíritu en distintos países.

Como todo proceso vivo, también hemos enfrentado desafíos importantes, como la pérdida de nuestra plataforma digital y ataques cibernéticos que pusieron a prueba la continuidad del proyecto. Sin embargo, estas dificultades demostraron que lo esencial no era la tecnología, sino la red humana construida a lo largo de los años.

Hoy, tras dos décadas de existencia, Poetas del Mundo es reconocido como un referente cultural a nivel internacional. Su permanencia en el tiempo —sin depender de subvenciones— y su capacidad de seguir convocando voluntades en torno a la poesía y la conciencia humana, son quizás la mejor evidencia de la solidez y el sentido de este proyecto.

Este movimiento tiene un manifiesto universal. ¿Puedes resumirnos en qué consiste?

El Manifiesto Universal de Poetas del Mundo es, en esencia, la expresión de la visión humanista que da sentido al movimiento. No es un texto académico, sino una declaración de principios que entiende la poesía no solo como un ejercicio literario, sino como una forma de conciencia.

El manifiesto plantea que los poetas no pueden ser indiferentes frente a los grandes desafíos de la humanidad —como la guerra, la desigualdad o la destrucción de la naturaleza—, sino que, desde su libertad creadora, pueden contribuir a generar reflexión y despertar conciencia.

También propone que la poesía debe salir de los espacios cerrados y volver a encontrarse con la sociedad, llegando a comunidades, escuelas y pueblos, recuperando su dimensión viva y colectiva.

En ese sentido, Poetas del Mundo busca unir voces diversas —de distintas culturas, lenguas y tradiciones— en torno a valores universales como la paz, la dignidad humana y la hermandad entre los pueblos.

¿Qué pasó con la página web de Poetas del Mundo, que estuvo varios años inactiva, y con la página de Facebook, que publica contenido que no está relacionado con Poetas del Mundo?

A lo largo de su historia, Poetas del Mundo no solo ha sido un espacio cultural, sino también un movimiento que ha tocado temas sensibles a nivel global. Y eso, inevitablemente, ha tenido consecuencias.

Desde sus primeros años, nuestra plataforma digital comenzó a ser objeto de ataques cibernéticos e intentos de intervención. No fueron hechos aislados, sino episodios reiterados que afectaron el funcionamiento de nuestra página web y, posteriormente, nuestras redes sociales.

Pero más allá de lo tecnológico, hubo situaciones aún más preocupantes. En los primeros años del movimiento, varios poetas miembros —de origen judío— se vieron obligados a renunciar tras haber recibido amenazas. Nunca se logró identificar con certeza a los responsables, pero no tengo dudas de que estas acciones provinieron de sectores interesados en generar división y debilitar un espacio que promovía el diálogo entre culturas.

El episodio más grave ocurrió en 2024, cuando nuestra página oficial de Facebook fue hackeada. Ese espacio, que reunía a más de cuarenta mil seguidores, fue tomado por terceros que comenzaron a publicar contenidos completamente ajenos y contrarios al espíritu de Poetas del Mundo. A pesar de múltiples gestiones, no ha sido posible recuperarla hasta hoy.

Estos hechos no pueden entenderse como simples incidentes técnicos. Reflejan que, incluso un movimiento cultural y poético, cuando promueve la conciencia, la paz y la fraternidad entre los pueblos, puede incomodar intereses y provocar reacciones.

Sin embargo, hay algo que no pudieron ni podrán intervenir: la red humana construida durante años. Poetas de todo el mundo han seguido activos, organizando encuentros, escribiendo y manteniendo vivo el espíritu del movimiento.

Porque la poesía, cuando nace de la conciencia, no puede ser silenciada.

Este pasado 21 de marzo se hizo oficial el relanzamiento de la plataforma de Poetas del Mundo. ¿Qué novedades trae este movimiento en esta nueva etapa?

El relanzamiento de Poetas del Mundo marca, más que una continuidad, un verdadero renacimiento del movimiento.

Después de años difíciles —marcados por ataques cibernéticos, la pérdida de nuestra plataforma digital y la desconexión parcial de nuestra red— asumimos el desafío de reconstruir no solo una página web, sino también la memoria y la proyección del movimiento.

Uno de los hitos más significativos fue la recuperación inesperada de los archivos históricos de la antigua plataforma, que durante mucho tiempo se creían perdidos. Esto nos permitió no solo rescatar parte de nuestra historia, sino también proyectarla hacia el futuro.

La nueva plataforma, lanzada el 21 de marzo de 2026 en el Día Mundial de la Poesía, incorpora herramientas actualizadas que facilitan la publicación de contenidos, la visibilidad de los poetas y la conexión entre miembros a nivel global. Además, introduce nuevas dinámicas que incentivan la participación dentro de la comunidad.

Pero esta nueva etapa no es solo tecnológica. También hemos impulsado una reestructuración organizativa, fortaleciendo la coordinación internacional y abriendo espacio a nuevas generaciones de poetas, sin perder la experiencia acumulada en estos veinte años.

Hoy, Poetas del Mundo vuelve a abrir sus puertas al planeta con más fuerza, más claridad y una convicción renovada: que la poesía sigue siendo una herramienta viva para la conciencia, el encuentro y la transformación humana.

Poetas del Mundo cumplió 20 años, tú estás cumpliendo 70 ¿Cómo percibes el futuro de este movimiento?

Buena pregunta, y te la agradezco profundamente. Yo no he construido este movimiento para mí, ni por ego, ni por ambición personal; lo he impulsado con la convicción de que la poesía debe recuperar el lugar que merece en estos tiempos de caos, fragmentación y profunda crisis de sentido que vive la humanidad.

Creo firmemente que el proyecto humano solo podrá sobrevivir si la inteligencia logra imponerse sobre la bestialidad, si la conciencia colectiva supera la avaricia de quienes hoy concentran poder sin visión humanista. En ese escenario, tanto la filosofía como la poesía están llamadas a desempeñar un papel esencial en las próximas décadas, porque no basta con el desarrollo tecnológico si no existe una evolución ética y espiritual que lo acompañe.

Por eso considero que los poetas no pueden seguir dispersos, como tampoco los pensadores comprometidos con el destino humano. Es tiempo de unificar energías, de construir una conciencia común capaz de aportar reflexión, sensibilidad y sentido frente a los grandes desafíos de nuestra era.

Ahora bien, cuando uno llega a cierta etapa de la vida, comprende con mayor claridad que toda obra verdadera debe trascender a su fundador. Mi mayor preocupación no es mi permanencia personal, sino cómo se articulará y proyectará este proceso que hemos construido con tanto esfuerzo colectivo. Miro hacia las nuevas generaciones con esperanza, pero también con atención, buscando señales de quienes puedan asumir esta responsabilidad no como una plataforma de beneficio individual, sino como una misión profundamente ética.

Porque llegará el momento en que habrá que ceder el lugar. Y cuando eso ocurra, Poetas del Mundo deberá quedar en manos de alguien —o de una generación— que haya comprendido que este movimiento no pertenece a una persona, sino a una visión: la de poner la poesía al servicio de la vida, del planeta y de la humanidad.

Si algo deseo para el futuro, es que Poetas del Mundo siga creciendo más allá de nombres y tiempos, como una fuerza de conciencia planetaria, capaz de reunir voces diversas en defensa de lo esencial.

Porque mientras exista un ser humano dispuesto a transformar el mundo desde la palabra, este movimiento tendrá futuro. Y quizás entonces, más que un movimiento, Poetas del Mundo llegará a ser parte de una nueva conciencia para la humanidad.

¿En cuántos países tiene presencia el Movimiento Poetas del Mundo?

Hoy, Poetas del Mundo tiene presencia en 143 países, extendiendo su voz a través de continentes, culturas y lenguas diversas. Es una red viva que late en distintos rincones del planeta, uniendo sensibilidades que, aunque distantes geográficamente, comparten una misma conciencia humana.

Pero más que una cifra, esto representa un proceso en movimiento. Nuestro horizonte no tiene fronteras: aspiramos a llegar a todos los territorios donde exista un ser humano dispuesto a transformar la realidad a través de la palabra.

El verdadero destino de Poetas del Mundo no está solo en su expansión geográfica, sino en la fuerza de las nuevas generaciones, que emergen en un tiempo de crisis global, pero también de despertar.

Son ellas las que darán continuidad a este movimiento, haciendo de la poesía no solo un arte, sino una herramienta de conciencia, de encuentro y de transformación para la humanidad.

Porque mientras exista un poeta en cualquier lugar del mundo, Poetas del Mundo seguirá creciendo.

¿Puedes compartir los principales detalles de la convocatoria global para poemas en videos?

Vivimos en una paradoja: las principales plataformas de difusión —como Facebook o YouTube— están en manos de grandes corporaciones que muchas veces influyen en la forma en que circula la información a nivel global. Sin embargo, hoy por hoy, también son las herramientas más eficaces para difundir el arte y llegar a públicos amplios.

Desde Poetas del Mundo creemos que, más que rechazarlas, debemos utilizarlas de manera consciente y estratégica, poniendo estos espacios al servicio de la poesía y de los valores humanos que promovemos.

En ese contexto, hemos lanzado una convocatoria global para la creación de poemas en formato video, buscando adaptarnos a los nuevos lenguajes digitales y ampliar el alcance de la palabra poética.

Invitamos a poetas de todo el mundo a enviar videos breves, en formato vertical, de entre 10 y 30 segundos, grabados preferentemente con dispositivos móviles en plano fijo, para facilitar su visualización.

Los contenidos deben abordar temáticas como la paz, la humanidad, la conciencia global, el sufrimiento de los pueblos, la infancia en contextos de guerra y el despertar de la conciencia colectiva.

Todos los videos serán editados y difundidos a través de nuestros canales oficiales, siempre con el debido crédito a sus autores.

Las postulaciones pueden enviarse vía WhatsApp o correo electrónico, como una forma directa y accesible de participación global.

Esta iniciativa busca no solo difundir la poesía, sino también construir un lenguaje contemporáneo capaz de dialogar con las nuevas generaciones, sin perder la profundidad ni el compromiso que caracteriza a nuestro movimiento.

Has recorrido incontables países. ¿Qué anécdota curiosa que hayas vivido nos puedes compartir?

Imaginarás que, después de tantos años recorriendo el mundo, participando en encuentros con poetas, reuniéndome con dirigentes sociales, parlamentarios e incluso presidentes, las anécdotas son innumerables. Muchas de ellas, por respeto, deben quedar en la intimidad: experiencias vividas en contextos complejos, como en Colombia antes del proceso de paz, en territorios de Chiapas o en encuentros con poetas palestinos en Jordania, donde la poesía se entrelaza inevitablemente con la realidad política.

Porque cuando la paz es uno de los pilares de nuestro movimiento, uno no puede evitar situarse en medio de esas tensiones.

Pero si debo compartir una anécdota curiosa, hay una que siempre regresa a mi memoria.

Me encontraba en Rabat, reunido con poetas árabes y amaziges, cuando llegó la poeta marroquí Fatima Bouhraka, quien había viajado desde Fez para invitarme a conocer su ciudad. Acepté, y viví allí tres días inolvidables. Luego debía continuar mi viaje hacia una ciudad cercana a Melilla, en un trayecto de catorce horas en bus, en condiciones bastante precarias.

Fatima me acompañó hasta el terminal y se aseguró de dejarme instalado en el bus. Aunque insistí en que se marchara tranquila, esperó hasta el último momento. Finalmente se fue, y yo pensé que todo estaba en orden.

Pero poco después, subió un hombre al bus y comenzó a hablar en árabe. No entendía absolutamente nada. De pronto, aproximadamente la mitad de los pasajeros se levantó y bajó apresuradamente para abordar otro bus. La otra mitad permaneció inmóvil. Yo, sin comprender la situación, solo repetía el nombre de mi destino esperando alguna señal.

Pasaron unos minutos hasta que alguien, con un gesto amable, me indicó que debía cambiar de bus. Me dirigí hacia el otro vehículo: estaba completamente lleno, con personas de pie, cargadas de bultos y paquetes.

Subí como pude. Y entonces ocurrió algo que hasta hoy no logro explicar: en la primera fila había un asiento vacío. Entre señas y sonrisas, me hicieron entender que ese lugar estaba reservado para mí.

Nunca supe por qué.

Pero en medio del caos, del idioma desconocido y de la incertidumbre, alguien —sin palabras— había decidido hacerme un espacio.

Y quizás esa es también una forma de la poesía.

Háblanos de tu libro que has publicado recientemente.

Hablar de Agualuna es, en cierto modo, hablar de un momento de ruptura en mi propia vida. Aunque fue publicado hace veinticinco años, hoy renace en su primera edición digital, como si el tiempo —lejos de cerrarlo— lo hubiese estado preparando para este nuevo encuentro con los lectores.

Agualuna no es simplemente un libro; es una experiencia. Es el testimonio de un instante en que la vida irrumpe con fuerza y desordena todas nuestras certezas. Yo venía de una formación profundamente racional, estructurada, incluso materialista, y de pronto me veo enfrentado a un acontecimiento que no podía explicar desde esa lógica. 

Lo que allí ocurre es, en esencia, un tránsito: el paso desde una comprensión del mundo basada en la razón hacia otra donde el misterio, la intuición y lo invisible comienzan a tener un lugar. Y ese tránsito no es cómodo. Es doloroso, contradictorio, profundamente humano.

Agualuna —más que un personaje— es un símbolo. Es la irrupción de lo inexplicable en la vida cotidiana. Es esa fuerza que llega sin pedir permiso, que transforma, que desarma, y que muchas veces se va sin ofrecer respuestas. Y, sin embargo, deja una huella irreversible.

El libro está construido como un diálogo entre la prosa y la poesía, porque hay experiencias que no pueden ser contenidas solo en el lenguaje racional. La poesía aparece allí como una necesidad, como una forma de decir lo que no se puede explicar, de tocar aquello que escapa a la lógica.

En el fondo, Agualuna plantea una pregunta que sigue vigente: ¿qué es lo que verdaderamente nos transforma? ¿Es la razón, o es el amor? ¿Es la certeza, o es el misterio?

Hoy, al verlo circular en formato digital, siento que el libro encuentra un nuevo tiempo. Porque quizás la humanidad está comenzando a hacerse esas mismas preguntas con mayor urgencia.

Y tal vez, solo tal vez, la verdadera revolución —como lo intuía entonces y lo sigo creyendo ahora— no está en las estructuras externas, sino en el despertar del corazón.

¿Que representó para ti haber sido el prologuista de CANTO PLANETARIO?

Representó, ante todo, un honor profundo, pero también una responsabilidad que, en un primer momento, sentí casi imposible de asumir. Prologar una obra como Canto Planetario, en la que convergen poetas de prácticamente todo el mundo —en decenas de lenguas, si no recuerdo mal, alrededor de 77 idiomas—, es enfrentarse a una expresión colectiva de la humanidad que trasciende lo literario para convertirse en un verdadero testimonio de nuestro tiempo.

Al inicio, debo confesar que no comprendía por qué me otorgabas ese lugar. No soy un académico ni un especialista formado en las aulas de la literatura; soy, más bien, un autodidacta que ha aprendido desde la experiencia, desde la vida y desde la poesía misma. Así te lo manifesté en su momento.

Sin embargo, tu insistencia no apuntaba a los títulos ni a las credenciales, sino a algo más esencial: a la vivencia, al compromiso y a la visión de la poesía como un lenguaje universal capaz de reunir a los pueblos.

Con el paso del proceso, comprendí que ese prólogo no debía ser un análisis técnico ni una lectura crítica convencional, sino una apertura de conciencia. Una invitación a entender que estábamos frente a una obra única: un canto múltiple, diverso, profundamente humano, donde cada voz, desde su geografía y su cultura, aporta a una sola respiración planetaria.

Ser prologuista de Canto Planetario fue, en definitiva, asumir el desafío de poner palabras al espíritu de una obra que, en sí misma, ya las trasciende.

En el siguiente enlace, Luis Arias, habla del Movimiento Poetas del Mundo: https://youtu.be/a-zrDL_-zc8?si=mNO920DQRknKxuBZ

Carlos Javier Jarquín

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“No somos políticos, somos poetas”: El manifiesto literario de Gabriel Moreno y Rafael Peñas Cruz

“No somos políticos, somos poetas”. Con esta declaración de intenciones arranca la charla que tuve el placer de realizar a Gabriel Moreno y Rafael Peñas Cruz. Una charla sobre la memoria, identidad y esa “igualdad en la diferencia” que solo la poesía sabe explicar. 

Gabriel — músico, poeta y filósofo gibraltareño, con una formación que abarca desde Hull hasta Chile — regresa a sus raíces con su nuevo poemario titulado “Gibraltar”. Y lo hace tras un hito excepcional: haber puesto música y voz a “Never Loved Before”, una letra inédita del poeta y cantautor canadiense Leonard Cohen, escrita en los años 90. Este contenido, recuperado del patrimonio de la cantautora americana y pianista Anjani Thomas por el artista Robert Montgomery fue otorgado a Gabriel mediante una serie de vínculos artísticos y una comisión específica para su musicalización, además de su habilidad para capturar la esencia del bardo canadiense. 

Este poemario escrito en tres lenguas, inglés, español y llanito, editado por Peñas Cruz bajo el sello Goat Star Books, quien a la vez es el autor del prólogo; marca un punto de inflexión: eleva el llanito a la dignidad del soneto shakespeariano y rompe los clichés del conflicto para hablar de lo que realmente importa: la memoria de una infancia en Varyl Begg, la familia, su entorno y el orgullo de clase.

En la actualidad, ambos están llevando a cabo una gira exitosa por España e Inglaterra, liberando a la Roca de prejuicios con el fin de restituirle su verdad literaria.

TM: Gabriel, ¿cuándo pasa Gibraltar de ser paisaje a ser literatura?

GM: Hubo momentos donde yo renegaba un poco de Gibraltar. Lo veía como un sitio que limitaba mis aspiraciones de conocer más mundo, a más personas.

Pero llega un punto donde te das cuenta de que es algo único, tan singular, tan extraño, que podría ser un referente como un paradigma esta unión de culturas, de lenguajes. 

TM: Este libro abraza tres lenguas. ¿Buscabas un territorio donde tus versos conviviesen en libertad sin sentirse extranjeros?

GM: Exactamente, es un refugio para que todas las partes de la identidad llanita se puedan compenetrar y crear algo nuevo e interesante;  un espacio para que esta fusión de culturas y lenguas pueda integrarse y existir sin tener que pedir permiso. 

Este libro no es solo un proyecto para Gibraltar, sino para cualquier persona de cualquier parte del mundo. 

Cuando volví a Londres después de vivir en Barcelona, escribí mucho en castellano, y me di cuenta de que me expresaba más auténticamente si fusionaba la métrica española con el lenguaje inglés y el acento español con la lengua inglesa. En esa mezcla empecé a concebir el Gibraltar literario de este libro.

TM: Al elevar el llanito a poesía, ¿es este libro un acto de rescate para que las futuras generaciones en Gibraltar no pierdan su voz?

GM: En principio, no lo hice por una razón externa, sino por algo casi egoísta: rescatar mis raíces y mi historia. Sin embargo, sí, este libro busca también que los jóvenes vean el llanito como una lengua válida para el arte. Es un acto de amor y de rescate; si no se escribe, la gente piensa que es una lengua inferior que solo sirve para la calle. Al ponerlo en un libro junto a influencias de Lorca, Keats o Cohen, le das la dignidad necesaria para que no muera. 

TM: Rafael, ¿qué imagen de este “Gibraltar literario” te resultó más compleja de traducir sin romper su magia original?

RP: Al leer el manuscrito, lo vi de inmediato en castellano. Por mi trayectoria en el Reino Unido, y ser nativo de España, no hubo barreras lingüísticas, salvo términos específicos en llanito que consulté con Gabriel. El mayor reto fue el léxico, como “The Reclamation”, que traduje como “terreno ganado al mar”. Esta imagen me resultó muy familiar: de niño en Barcelona viví algo similar con el soterramiento del tren. Me identifiqué con su vivencia y encontré esos puntos de contacto. Al final, lo difícil fue ajustar el léxico para no romper la música del poema. 

TM: ¿Cómo trabajaste la métrica para que el lector español sintiera la misma vibración que en inglés?

RP: Decidí eliminar la métrica y la rima para concentrarme en la música y el ritmo; la poesía moderna trata más sobre la música interna. En los sonetos de Gabriel, la rima funciona porque son poemas subversivos: usar el llanito en una estructura shakespeariana evita que suene pesado.

A veces la rima queda un poco encorsetada y va en contra de cómo fluye la poesía hoy. Hacer una décima al estilo del Siglo de Oro es un buen ejercicio, pero no resulta natural; se percibe algo artificial y eso se nota en la manera en que la gente recibe el poema. Mi prioridad fue que el lector sintiera esa vibración interna. 

TM:¿Cómo ha sido el diálogo y la complicidad entre ambos durante este proceso?

RP: La complicidad venía de fabrica no hubo que descubrirla. La experiencia de Gabriel con el Reclamation —ese niño jugando en mundos nuevos ganados al mar—la viví de forma muy similar. 

Somos hermanos espirituales, literarios y alcohólicos. Esa unión hace que la traducción fluya y que, al leer juntos, la gente note cómo nos compenetramos. Todas las traducciones son especiales, pero esta lo es más por tener a este hermano; más que humano. Vemos la vida desde un lugar similar y traducir solo ha reforzado algo que ya existía. 

TM: Gabriel, recibir un texto inédito de Cohen es un hito. ¿Cómo fue ese primer instante a solas con sus palabras?

GM: Fue un momento impresionante. Cuando recibí la letra estaba acojonado; era el texto de un genio y sentía la responsabilidad de no estropearlo. Y ese primer momento fue de miedo; después asombro. Pero ocurrió algo asombroso: los acordes salieron solos, con una naturalidad casi mística. 

Para mí fue un acto de amor múltiple. Fue un regalo del pintor Robert Montgomery a su esposa, pero también los sentí como un regalo del cosmos y de mi padre. Él y yo no teníamos una buena relación; si embargo, Leonard Cohen era lo único que nos unía; lo sentí como un mensaje suyo desde la muerte. 

Recibir este encargo me obligó a confiar en mi propia música y a caminar con la cabeza alta, porque a veces uno se vuelve un poco inseguro pensando en las grandes estrellas de la música y piensa: ¿qué pinto en toda esta película?

TM:¿Cómo lograste hacer tuya una letra tan icónica, respetando el alma de quien la escribió?

GM: Siento que esta letra vino a reforzar una idea que yo ya tenía: a veces no hemos sabido amar. En el texto, Cohen menciona sus obsesiones con la música, el rock and roll o los lugares donde vivió, pero confiesa que nunca supo amar. Al leerlo, me pregunté si nos pasa lo mismo a nosotros; si nos obsesionamos tanto con la fama o con el éxito del libro que se nos sube a la cabeza.

Sentí que necesitaba esta letra en mi vida, y si me servía a mí, le serviría a otros. Mi intención fue hacerla mía desde esa vulnerabilidad. Al final mi sueño era “quitarme de en medio” para que la esencia de Leonard siguiera adelante. Ver que la gente la recibe con tanta emoción y lágrimas me confirma que esa conexión está funcionando. 

Esta canción tendrá su lanzamiento posiblemente en junio. 

TM: La gira es todo un éxito, ¿qué supone mostrar ese Gibraltar íntimo que va más allá de la política?

GM: Hemos creado nuestro sueño: distanciarnos de la política, de las divisiones, y de las fronteras para usar este libro como un puente entre pueblos. En esta gira hemos encontrado un respeto y una apertura inmensa hacia la diferencia gibraltareña, incluso en sitios donde pensaba que no habría interés. 

RP: Ese “ tic” del “Gibraltar español” no representa la realidad de la calle. En Andalucía hemos sentido un orgullo compartido; ven a Gibraltar como un lugar donde se habla como en Cádiz, pero con identidad propia. No hallamos animadversión, solo curiosidad. Al ir con respeto, la gente responde igual. Hemos logrado situar la relación en la normalidad, quitando esa “espina clavada”. Gibraltar hoy es parte de una visión compresiva que respeta la diferencia; un entendimiento vital ahora que se ha firmado un acuerdo entre Gibraltar y España. 

TM: ¿Y cómo ha recibido el pueblo llanito esta obra literaria?

GM: No me hago ilusiones con la poesía; es algo marginal y la gente la mira todavía con cautela. Pero nos han recibido magníficamente. Vendimos muchos libros e incluso convencimos del poder de los versos a personas que no suelen leer poesía. Recibimos una beca del Gibraltar Cultural Services, y el apoyo de Davina Bárbara fue clave. Mi intención es llevar la poesía a quien normalmente no la lee; mostrar que es una necesidad de expresión, como la música, para resistir la atrocidad del mundo actual. 

RP: Como editor, estoy convencido de que este libro marca un hito en Gibraltar. Ha logrado que la poesía se respete como la música, porque el llanito siente que esta obra habla de su realidad, del contrabando o de la frontera y no de abstracciones. Al vernos en el escenario, la gente se reconoce; entienden que la poesía es un puente hacia lo cotidiano. Ver a Gabriel, que viene de las viviendas municipales de Varyl Begg, elevar el llanito a estructura literaria, ha despertado un orgullo muy profundo. 

TM: ¿Qué poema os ha regalado la reacción más profunda e inesperada del público?

GM: Sin duda, “Carta a Wilfred”. Es un poema que escribí a mi hijo comparando su inocencia con el horror de la guerra, basado en la obra de Wilfred Owen. Pensé que sería demasiado largo para los recitales, y es el que más resonancia ha tenido. He visto cómo la gente se emocionaba al escuchar ese sentimiento de culpa de un padre que siente que no puede proteger a su hijo de lo que sucede en el mundo. Esa unión con el poema de Lord Byron, que es un canto a la libertad, crea un momento muy potente. 

RP: A mí me ha sorprendido Pablo. Nos daba miedo leerlo entero por ser largo y filosófico, pero el impacto ha sido impresionante. Habla de la pulsión y la esencia del poeta. Es curioso: solemos creer que quien no lee poesía solo conecta con lo ligero, pero esta pieza, la más “extraña” y profunda, es la que más le llega. Equilibramos el show entre sonetos cotidianos y estas piezas de calado, pero la respuesta demuestra que la gente tiene hambre de contenido real. 

TM:¿Cuál es el mayor puente emocional que habéis logrado tender entre culturas?

RP: El mayor puente ha sido la normalización. Hemos logrado que en España se hable de Gibraltar sin la acritud o el resquemor de antaño. Que en las presentaciones nadie haya sacado el discurso del conflicto es un éxito enorme; sustituimos la disputa por el entendimiento. Ese es el puente: lograr que se acepte la diferencia gibraltareña con naturalidad y respeto.

GM: Este puente demuestra que la gente desea conectar a través de la cultura. Si vas con respeto y positividad, el público responde igual. Hemos logrado que el libro no se vea como una provocación, sino como un acto de amor que une a pueblos divididos por la política, pero no por la realidad. 

TM: ¿Qué verdad sobre la identidad habéis descubierto en este libro que no cabe en un pasaporte ni en un discurso político?

GM: Al final, “We are not such a different kind”. Como dice mi soneto, a nivel humano no somos especies distintas. La política se empeña en ponernos etiquetas, pero hemos descubierto la identidad de la igualdad en la diferencia. El respeto nace de entender que, por encima de los pasaportes, nuestras raíces y sentimientos son los mismos. Esa es la cicatriz que la poesía sí ayuda a cerrar. 

RP: La frontera mental es mucho más fuerte que la real, y la hemos roto. Nuestra unión como llanito y español, prueba que esa barrera humana puede diluirse. La verdad que no cabe en un pasaporte es la conexión espiritual que nos permite vernos como iguales. Hemos logrado que mucha gente rompa esas fronteras mentales para mirar a Gibraltar de otra manera. 

TM: Y para finalizar, ¿Qué otros proyectos hay para un futuro próximo?

GM: Seguimos en campaña; este proyecto acaba de empezar y sentimos que la gente lo necesita. Queremos crear encuentros de “Poesía sin fronteras” con Juanjo Téllez y Alejandro Luque, uniendo poetas de Gibraltar, La Línea y Algeciras. La cultura es el territorio donde mejor nos entendemos. Queremos que se conozca Gibraltar por su propia voz y su dignidad literaria, rompiendo de una vez con los clichés de siempre. 

RP: El plan inmediato es seguir dando vida al libro; queda mucho por hacer en España e Inglaterra. Como editor, mi gran reto es que el Reino Unido nos oiga. Allí ignoran la realidad cultural de Gibraltar: les hablan de nacionalismo, pero desconocen cómo se sienten los llanitos. Me encantaría que los grandes periódicos nos dieran voz para poder poner la identidad llanita en el mapa. 

Porque donde termina una frontera, comienza la poesía. Y ahí, por fin somos libres. Muchísimas gracias, Gabriel y Rafael, por concederme esta entrevista.

Gibraltar  -Gabriel Moreno-

Teresa Mascarenhas

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Carlos Javier Jarquín

‘De Kenia al mundo: diálogo con la poeta
Jerusha Kananu Marete’

Queridos amigos planetarios:

Hoy tengo el grato placer de presentarles a una gran poeta, promotora y gestora cultural, y por supuesto, profesora: Jerusha Kananu Marete. Nació en 1984 en Athwana, en la circunscripción de Tigania Oeste, condado de Meru, al este de Kenia (actualmente reside en Columbus, Ohio, Estados Unidos). Habla tres idiomas: kimeru, suajili e inglés. Es una mujer profundamente comprometida con el arte, su cultura y su lengua materna, el kimeru. 

Estudió Educación en la Universidad de Nairobi, lo que despertó su pasión por la escritura, y obtuvo una maestría en Literatura en la Universidad de Kenyatta, donde practicó el oficio poético bajo la guía de profesores como John Mugubi. Además, ha tomado cursos de escritura en Mystery Publishers Academy y de edición en el Global Editorial Center Kenya.

Jerusha ha publicado varios libros y ha colaborado en 15 antologías, con traducciones de sus obras al español y otros idiomas. Nuestra querida invitada es la representante de Kenia y del idioma kimeru en CANTO PLANETARIO (H.C. EDITORES, Costa Rica, 2023). Kananu es una artista destacada en teatro de foro, entusiasta del drama y el cine, y ha producido poemas en formato fílmico junto a colaboradores como Simiyu Barasa. 

Sus libros están disponibles en la plataforma de Amazon. Como autora independiente, en 2022 recibió el Premio al Libro Indie Afrika Redefined por su excelente obra literaria. Desde 2026, Jerusha es la Secretaria Nacional del Movimiento Poetas del Mundo en Kenia, movimiento fundado por el poeta chileno Luis Arias Manzo.

En esta charla que les presentamos, exploramos diversos temas. A través de sus respuestas, conocemos más sobre su visión del mundo. Ella nos revela que sus temas principales son la identidad, la mujeridad, la migración, la memoria cultural, la justicia social, la dignidad africana y la sanación generacional.

Espero que disfruten mucho este contenido. El cierre de la charla incluye recomendaciones de lugares diversos para visitar en Kenia, ideales para quienes no hemos tenido el privilegio de conocer ese maravilloso país del África Oriental.

¿Cómo te describirías en general, Jerusha Kananu Marete?

Me describo como una mujer africana profundamente arraigada, una madre y un puente cultural. Soy una testigo poética de mi tiempo. Estoy moldeada por la herencia Ameru, fortalecida por la migración y refinada por la experiencia. Soy a la vez suave y radical, suave en el espíritu y radical en la verdad. Mi vida está guiada por la fe, la resiliencia y una creencia inquebrantable en el poder de la narración.

Soy una poeta keniana, diplomática cultural, practicante de teatro y voz de la conciencia literaria africana. Arraigada en la herencia Ameru y moldeada por la experiencia de migración global, mi obra se sitúa en la intersección de la poesía, la narración comunitaria, la reflexión feminista y la transformación social.

Sirvo como Secretaria Nacional de Movimiento Poetasdel Mundo en Kenia, representando la expresión poética keniana en la promoción de la fraternidad universal, la paz, la justicia, la igualdad, la libertad y la preservación ambiental.

 ¿Qué es la poesía para usted?

La poesía es aliento, memoria y resistencia. La poesía me permite decir lo que la sociedad a veces silencia. Es donde mis ancestros se encuentran con mi realidad presente. Para mí, la poesía es liberación más que decoración. La literatura es un lugar sagrado de encuentro entre la memoria y la posibilidad. La poesía es la conciencia hablando suavemente pero con persistencia a la humanidad. África lleva un espíritu que no puede ser borrado. Vive en el lenguaje, la música, la historia y los niños.

Mi esperanza es que mi obra contribuya de manera silenciosa pero significativa al eterno canto africano.

¿Podría contarnos sobre su formación académica y cómo influye en su labor de apoyo comunitario?

Tengo una Licenciatura en Educación (Artes) y una Maestría en Literatura con especialización en Teatro Foro. Mi trayectoria académica no se trató solo de adquirir credenciales; se trató de entender cómo el lenguaje, la narrativa y la actuación influyen en el comportamiento humano y las estructuras sociales.

Estudiar literatura agudizó mi compromiso crítico con textos africanos, el discurso feminista y la identidad poscolonial. Me entrenó para interrogar sistemas de poder y narrativas culturales.

Mi especialización en Teatro Foro —inspirada en la filosofía de Augusto Boal— me equipó con herramientas participativas para el apoyo comunitario. El Teatro Foro transforma audiencias pasivas en participantes activos que ensayan soluciones a opresiones reales.

Esta formación ha sido instrumental en mi  labor contra la violencia de género. Permite a las comunidades dramatizar patrones dañinos, interrumpirlos e imaginar alternativas en un entorno seguro y reflexivo.

Actualmente, estoy aplicando estas herramientas a la concienciación sobre alfabetización financiera, particularmente entre mujeres y comunidades marginadas en América, en colaboración con World Financial Group. El empoderamiento financiero está profundamente conectado con la dignidad y la libertad, y el teatro proporciona una forma accesible de elevar la conciencia sobre la agencia económica.

La educación me dio el fundamento teórico. El teatro me da la herramienta práctica. La poesía me da la voz moral.

¿Podría describir en qué consiste su rol como representante de Kenia en poesía?

Mi representación de Kenia es dentro de Poetas del Mundo, donde sirvo como Secretaria Nacional de PPDM en Kenia.

En esta capacidad, soy responsable de promover la filosofía del movimiento de fraternidad poética universal. Mi rol incluye fomentar la colaboración literaria, integrar nuevos miembros, apoyar el nombramiento de cónsules diplomáticos poéticos y avanzar actividades poéticas a nivel nacional e internacional.

La misión es humanista más que política. La poesía se usa como voz para la paz, la justicia, la igualdad, la libertad, los derechos humanos y la preservación ambiental.

A través de esta representación, llevo la herencia poética keniana al diálogo literario global mientras fortalezco comunidades poéticas locales.

¿Qué autores africanos han influido en su poesía?

Mi voz poética ha sido moldeada por una constelación de gigantes literarios africanos cuya obra encarna profundidad cultural, coraje intelectual y honestidad emocional. He sido influida por la audacia de Ngũgĩ wa Thiong’o, el coraje revolucionario de Chinua Achebe y el poder lírico de Warsan Shire. Me inspira la resistencia cultural y la narración lírica de Okot p’Bitek, y el fuego intelectual feminista de Micere Githae Mugo, cuya obra se nutre fuertemente de tradiciones panafricanas y feministas. También resueno profundamente con la sabiduría emocional de Mariama Bâ, autora de So Long a Letter, una obra que continúa informando mi comprensión de la memoria, la mujeridad y la negociación cultural.

También he sido profundamente influida por Austin Bukenya, cuya poesía, obras de teatro y narración llevan los ritmos, tradiciones orales y profundidad filosófica de la cultura de África Oriental. La obra de Bukenya —arraigada en su profundo compromiso con la herencia lingüística y la actuación— me enseñó la importancia del sonido, la narrativa folclórica y la encarnación cultural en la expresión poética, especialmente en la tejeduría de identidad local con temas universales. Su larga carrera como profesor y artista creativo en África Oriental ha mostrado cómo la poesía puede ser a la vez erudita y profundamente conectada con la vida cotidiana.

También le debo una profunda deuda al Profesor John Mugubi, un mentor académico cuya enseñanza en escritura creativa abrió una nueva dimensión en mi propio oficio. Bajo su guía, escribí por primera vez poesía para actuación y aprendí a prestar atención a la elección estilística, la fuerza narrativa y cómo la forma puede enriquecer el contenido en obras emocionalmente complejas. Su influencia me introdujo en la disciplina de la técnica literaria y alentó mi experimentación literaria, particularmente en poesía orientada a la actuación.

Juntos, estos autores y eruditos han ayudado a formar en mí una filosofía poética que valora la tradición e innovación, la memoria y la agencia, la comunidad y la voz individual, todo lo cual se une en los textos que escribo y publico, disponibles para lectores en todo el mundo, incluyendo plataformas como Amazon.

¿Qué temas están presentes en su obra literaria?

Mi obra literaria está profundamente arraigada en la identidad africana y la experiencia humana.

Los temas centrales incluyen la formación de identidad, la mujeridad, la migración, la memoria cultural, la justicia social, la dignidad africana y la sanación generacional.

A través de la poesía, exploro las realidades vividas de las mujeres en África Oriental, usando simbolismo, sátira y narración emocional para examinar expectativas sociales, estructuras maritales y tradiciones culturales.

Mi obra a menudo habla de la intersección entre tradición y modernidad, destacando la fuerza, resiliencia y agencia de las mujeres africanas mientras fomenta el diálogo reflexivo dentro de las comunidades.

Mis libros están disponibles para lectores en todo el mundo, incluyendo plataformas en línea como Amazon, donde audiencias internacionales pueden acceder a mis colecciones poéticas

¿Qué inspiró Marry Me a Co-wife and Other Poems Segunda Edición?

Marry Me a Co-wife and Other Poems es una colección poética que usa sátira, estilo poético folclórico y comentario social contemporáneo para abordar temas que afectan a las mujeres en África Oriental.

La obra examina dinámicas matrimoniales, expectativas de género, tradiciones de dote y estructuras sociales patriarcales a través de imágenes vívidas, simbolismo y múltiples voces narrativas femeninas.

Aunque el tono a veces lleva humor y entretenimiento, el mensaje subyacente es reflexivo y educativo, invitando a los lectores a reconsiderar prácticas culturales y normas sociales que afectan los derechos y dignidad de las mujeres.

Los lectores interesados en poesía social africana, crítica cultural y discurso de género pueden encontrar este libro en principales plataformas de libros en línea, incluyendo Amazon.

¿En qué consiste su proyecto de Teatro Foro?

Mi proyecto de Teatro Foro está inspirado en la obra de Augusto Boal, fundador del Teatro del Oprimido.

El Teatro Foro transforma a los espectadores en “espect-actores”. La audiencia es invitada a interrumpir la actuación, entrar en las escenas y proponer acciones alternativas para desafiar la injusticia.

Mi enfoque actual es usar el Teatro Foro para la concienciación sobre alfabetización financiera, especialmente para mujeres y comunidades marginadas en América, a través de una asociación con World Financial Group.

¿Qué significó para usted que su poema «Salaam, mi patria, África» fuera la nota destacada del evento anual mundial «mil poetas por el cambio»?

Tener mi poema destacado en 100 Thousand Poets for Change fue tanto un honor como un momento de responsabilidad continental. 1000 Thousand Poets for Change es una plataforma global que une a escritores que abogan por la paz, la justicia, la sostenibilidad y la dignidad humana. Que “Salaam My Motherland Africa” fuera incluido en tal movimiento significó que mi voz participaba en un llamado mundial a la transformación. “Salaam My Motherland Africa” es más que una carta de amor al continente. Es un llamado a la conciencia. El poema urge a las naciones africanas a mirar hacia adentro, fortalecer la unidad, comerciar entre sí, construir economías internas y valorar el progreso colectivo sobre la división.

También habla contra conflictos internos que debilitan el continente, especialmente aquellos que a menudo son influenciados o intensificados por intereses externos. El poema llama a la sabiduría, la solidaridad y la autodeterminación estratégica.

Para mí, su reconocimiento afirmó que el futuro de África no es solo una conversación política, sino cultural y moral. La poesía puede recordarnos suavemente pero con firmeza que la unidad es poder, que la cooperación económica es liberación y que la paz interna fortalece la soberanía. Ser destacada en ese movimiento global significó que el llamado a la unidad africana fue escuchado más allá de África misma. Y eso es poderoso.

¿Qué representó para usted ser parte de CANTO PLANETARIO?

Ser parte de CANTO PLANETARIO fue una experiencia cultural y espiritual profundamente significativa. Esta obra reúne a poetas de todo el mundo para celebrar el lenguaje, la identidad y la conciencia planetaria. Representar a Kenia dentro de tal encuentro global fue tanto un honor como una responsabilidad.

Lo que hizo la experiencia particularmente significativa para mí fue la oportunidad de representar no solo mi país, sino el idioma Kimeru. Los idiomas indígenas no son meras herramientas de comunicación. Son archivos vivos de filosofía, cosmovisión, ritmo y memoria ancestral. Cuando un idioma indígena se habla en un espacio internacional, resiste el borrado. Afirma que el conocimiento local pertenece a plataformas globales.

Participar en Canto Planetario me recordó que la poesía es sin fronteras, pero profundamente arraigada. Me permitió llevar el cadencia del suelo Meru a un diálogo mundial, probando que incluso idiomas hablados por comunidades más pequeñas tienen resonancia universal. Para mí, no fue simplemente una actuación. Fue preservación. Fue presencia. Fue diplomacia poética.

¿Cómo fue su experiencia trabajando en su audiolibro Echoes of Military Souls con los artistas Mawira M’tuamwari y Kamanu M’tuamwari?

Trabajar en Echoes of Military Souls no fue solo una colaboración creativa, fue una convergencia espiritual de cultura, voz y propósito.

La colección en sí explora el terreno emocional de soldados y sus familias, especialmente la fuerza silenciosa de las mujeres que navegan amor, separación, sacrificio y pérdida. Llevarla a forma de audio requirió más que producción técnica. Requirió custodios de cultura y emoción.

Colaborar con Kamanu M’tuamwari añadió profundidad ancestral al proyecto. Kamanu es ampliamente celebrado por preservar la herencia Ameru a través de fusión folclórica, mezclando lirismo Kimeru con influencias de Afrobeat y jazz. Su filosofía artística, arraigada en el movimiento cultural TWINE CIETŨ, lleva el ritmo del Monte Kenia y la memoria histórica del pueblo Ameru. Su presencia aseguró que el audiolibro no solo fuera leído, sino sentido.

Trabajar junto a Mawira M’Tuamwari fue igualmente poderoso. Maestro, periodista, narrador y defensor cultural, Mawira trae lo que describo como una “resonancia de un millón de dólares” a cada actuación. Su voz no solo narra; interpreta. Honra el silencio, el aliento y las pausas emocionales entre líneas. Su experiencia como orador público y personalidad mediática dio al audiolibro un tono pulido pero profundamente humano.

La producción fue manejada expertamente por Mystery Publishers Limited, una casa editorial independiente panafricana conocida por apoyar voces africanas a través de plataformas impresas, digitales y de audio. Su profesionalismo y compromiso con la narración africana permitieron que el proyecto alcanzara una audiencia más amplia más allá de la página impresa.

Para mí, la experiencia afirmó que la poesía vive de manera diferente en el sonido. Se vuelve íntima. Entra en hogares, auriculares y corazones. Esta colaboración transformó Echoes of Military Souls de un testimonio escrito en un archivo audible de memoria, sacrificio y resiliencia.

Fue artística. Fue cultural. Fue sanadora.

¿Qué significó para usted haber recibido el Premio al Libro Indie Afrika Redefined 2022?

Recibir el Premio sobre Libro Indie Afrika Redefined 2022 fue una afirmación extraordinaria de mi obra como autora africana independiente.

El Premio al Libro Indie Afrika Redefined es un galardón anual que reconoce la excelencia en libros publicados independientemente en diversos géneros —incluyendo poesía, ficción y no ficción creativa. Destaca obras autoeditadas que cuentan historias poderosas y relevantes sobre el presente y futuro de África, reflejando temas como la afro-moneda, el afro-futurismo y la transformación social. Bookprize. www.mysterypublisherslimited.com 

Ganar este premio coloca Echoes of Military Souls entre un grupo selecto de libros reconocidos por su calidad literaria, profundidad temática y relevancia cultural. Significa que las verdades emocionales y humanas en las experiencias de soldados y sus familias —historias que a menudo permanecen en los márgenes— han sido reconocidas y celebradas en una plataforma prestigiosa.

El premio es gestionado por Mystery Publishers Limited, un editor independiente panafricano dedicado a nutrir voces africanas y elevar la literatura autoeditada a altos estándares profesionales.

Lo que hace este reconocimiento especialmente significativo es cómo refuerza el valor de los autores independientes en la formación del paisaje literario africano. Muestra que historias impactantes no tienen que provenir solo de rutas de publicación tradicionales y que voces autoeditadas pueden contribuir poderosamente al discurso cultural.

Además, Mystery Publishers Limited está abierta a asociaciones globales con individuos y organizaciones que compartan su visión de empoderar autores y promover la literatura africana. Colaboradores interesados, autores y partidarios pueden aprender más y conectarse a través del sitio web de Mystery Publishers Limited: https://mysterypublisherslimited.com

Mystery Publishers Limited. Este premio honra no solo un libro o una autora, sino el movimiento colectivo de independencia literaria africana y excelencia creativa —y estoy profundamente agradecida de ser parte de él.

Como madre y poeta, ¿cómo se siente respecto a los logros de su hijo?

Es profundamente conmovedor ver a Emmanuel Kimathi florecer tanto académica como creativamente.

El año pasado, cuando lo vi lanzar su antología poética Dawn to Dust a los 14 años, me emocioné tanto; agradezco a Mystery Publishers Limited por acompañarlo en ese viaje.

Verlo desarrollar un interés en la poesía a tan temprana edad se siente como un legado en movimiento. Hago un esfuerzo consciente por compartir oportunidades con él porque creo que la exposición forma confianza. Lo que más me conmueve es su ojo agudo para el detalle. Me desafía, incluso como su madre, a refinar mi propio pensamiento y sacar lo mejor de mí misma.

Estoy particularmente orgullosa de cómo maneja sus proyectos poéticos junto a una agenda académica exigente y su participación en competencias de oratoria Rotary, donde ha destacado. Su disciplina y enfoque a tan joven edad son notables.

Sobre todo, estoy agradecida a Dios por su crecimiento y carácter. Rezo para que continúe caminando en los principios godlies que le he enseñado, porque creo que la fe es el verdadero fundamento de todas las cosas buenas.

Verlo crecer me recuerda que la influencia no es solo pública. Comienza en casa.

¿Qué cambios radicales ocurrieron en su vida después de llegar a Estados Unidos?

La migración a Estados Unidos no fue mera reubicación geográfica. Fue expansión intelectual y reinvención profesional.

Me obligó a reexaminar la identidad más allá de la nacionalidad y a verme no solo como educadora y erudita literaria keniana, sino como ciudadana global con conocimiento transferible y propósito adaptable.

Aunque valoraba profundamente mi trabajo en el aula, la exposición a nuevos sistemas económicos, modelos de emprendimiento y estructuras de planificación financiera abrió mi mente a otra dimensión de empoderamiento. Comencé a entender que la educación debe extenderse más allá de instituciones académicas hacia la alfabetización financiera, la conciencia de riqueza y la agencia económica.

En Estados Unidos, observé cómo los sistemas financieros moldean oportunidades y cómo la falta de conocimiento financiero puede perpetuar silenciosamente la desigualdad. Esa realización inspiró mi transición del aula tradicional al apoyo en seguros y alfabetización financiera. Mi objetivo se aclaró: educar a la comunidad más amplia, particularmente mujeres y grupos marginados, sobre protección financiera, planificación a largo plazo e independencia económica.

Este cambio no fue una partida de la educación. Fue una expansión de ella.

La migración también expandió mi visión creativa. Fue en este período que surgió el concepto de The Hair Advocate Magazine. Observar la intersección de identidad, belleza, cultura y emprendimiento dentro de la diáspora reveló la necesidad de una plataforma que aborde tanto estética como empoderamiento económico en la industria de la belleza.

Estados Unidos me desafió a pensar estructuralmente sobre sistemas, propiedad, escalabilidad e impacto. Si Kenia nutrió mis raíces, América expandió mis ramas.

La migración no diluyó mi identidad. La refinó, la amplió y la redirigió hacia una transformación comunitaria más amplia.

¿Cómo ha influido la migración en su poesía?

La migración continúa transformando mi poesía de mera observación a introspección más profunda.Vivir entre culturas agudiza mi conciencia de pertenencia y no pertenencia. Constantemente me invita a examinar la identidad de maneras que no habría confrontado en un solo espacio geográfico y cultural.

Mi escritura cada vez explora más las negociaciones silenciosas de la identidad dual. Los sutiles ajustes de acento, memoria, expectativa cultural y adaptación. La fuerza requerida para llevar la patria internamente mientras se navega un entorno externo nuevo.

La migración también agudiza mi sensibilidad al silencio. Hay una invisibilidad matizada que los inmigrantes a veces experimentan, no siempre abierta, pero profundamente sentida. La poesía se convierte en el espacio donde proceso esas sutilezas y les doy lenguaje.

Al mismo tiempo, la migración ha fortalecido mi resiliencia. La distancia del hogar profundiza mi aprecio por el idioma indígena y la preservación cultural. Hace la identidad intencional más que asumida.

Mi poesía ahora sostiene dos paisajes a la vez. El suelo que me formó y el terreno que ahora piso. Habla de pertenencia no como destino fijo, sino como conciencia en evolución.

La migración no ha fragmentado mi voz. La ha expandido.

Tu trabajo en literatura, teatro y activismo trasciende continentes y comunidades. ¿Quiénes son algunos de los mentores, colaboradores e instituciones que han moldeado tu trayectoria, incluyendo la edición y la producción de audiolibros?

Ningún viaje significativo se recorre jamás en solitario. Mi trabajo en teatro, literatura y activismo social ha sido moldeado por una constelación de mentores, académicos, editores y colaboradores creativos cuya generosidad sigue guiándome.

Durante mi maestría, fui profundamente mentorizado por mis supervisores Emmanuel Shikuku y el fallecido Oluoch Obura, quienes consolidaron mi comprensión del teatro foro como una herramienta poderosa para el diálogo comunitario y la transformación. Y el Dr. Justus Siboe Makokha.

Mi trayectoria literaria también ha sido nutrida por Mystery Publishers Limited, bajo el liderazgo del CEO Vincent de Paul, cuya mentoría como editor y respetado escritor ayudó a forjar mi disciplina y confianza como autora.

Las colaboraciones artísticas internacionales han sido igualmente enriquecedoras.

He tenido el privilegio de interactuar con Gameli Tordzro de la Universidad de Glasgow, cuyo trabajo en investigación artística y performance intercultural sigue inspirando mi pensamiento sobre el teatro y la narración.

También estoy agradecido por el aliento y el intercambio intelectual con Michael Dickel de Israel y Bob Aron, cuyo compromiso con la poesía y el diálogo literario global fortalece las comunidades creativas que compartimos.

En Estados Unidos, Landrea Miriti, profesora en Bluegrass Community and Technical College en Kentucky, ha sido fundamental para conectarme con redes de poesía y círculos de liderazgo femenino, abriendo puertas para intercambios y colaboraciones significativas.

También estoy agradecido a los artistas creativos Mawira M’tuamwari y Kamanu M’tuamwari, quienes aportaron música y trabajo de voz a mi audiolibro Echoes of Military Souls, ayudando a dar vida al paisaje emocional de la obra de manera poderosa y conmovedora.

En última instancia, mi trayectoria refleja la fuerza de la comunidad: mentores que guían, colaboradores que crean a nuestro lado y defensores que aseguran que las historias lleguen al mundo. Mi lista podría ser interminable.

¿Qué destinos turísticos recomendaría a alguien que visita Kenia?

Comenzaría con el Parque Nacional de Meru, un santuario impresionante que lleva tanto riqueza ecológica como significado personal para mí. Ofrece una experiencia de safari serena pero poderosa donde la vida silvestre y el paisaje se sienten profundamente conectados al ritmo de la tierra.

Dentro de la región mayor de Meru, también recomendaría visitar la Conservación de Vida Silvestre Lewa. Lewa es internacionalmente respetada por sus esfuerzos de conservación, particularmente en la protección de especies en peligro como rinocerontes negros y blancos. Más allá de la vida silvestre, representa conservación sostenible, empoderamiento comunitario y turismo responsable.

Los visitantes también pueden explorar la belleza escénica alrededor del Monte Kenia, especialmente los accesos orientales que ofrecen bosques, ríos y paisajes de herencia cultural.

Más allá de la región de Meru, Kenia ofrece destinos mundialmente renombrados como la Reserva Nacional Maasai Mara, famosa por la Gran Migración y la observación de vida silvestre en sabanas expansivas.

Para turismo costero e histórico, recomiendo Lamu Old Town, conocida por su rica herencia cultural swahili y arquitectura.

Para turismo de playa, Diani Beach ofrece playas de arena blanca pristina a lo largo del Océano Índico.

Kenia no es solo un destino, sino un paisaje vivo de ritmo, resiliencia, vida silvestre y herencia cultural. Ya sea que se busquen montañas, sabanas, costa o inmersión cultural, Kenia ofrece un encuentro profundo con la naturaleza y la humanidad entrelazadas.

Querida y admirable Jerusha Kananu, gracias por brindar tu tiempo y espacio para compartir con los lectores de este distinguido medio. Felicitaciones por tu destacada y polifacética trayectoria.

En el siguiente enlace podrán disfrutar de un vídeo que nos ha compartido en inglés la poeta Jerusha Kananu Marete, en el cual lee un poema de su último libro publicado: https://youtu.be/I0BdRPv9rEA?si=iVJbED40VBsYyfxO

• Nota: la presente entrevista ha sido traducida del inglés al español mediante Perplexity AI.

Carlos Javier Jarquín

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Carlos Javier Jarquín

Franklin Calvo, apasionado de las artes visuales y la docencia

El arte, la cultura y las letras me han brindado el privilegio de conocer a personas increíbles, dignas de admirar. Es un honor coincidir con ellas, ya sea presencialmente o virtualmente. Hoy les presento, a través de esta entrevista, a Franklin Calvo Calvo mejor conocido como FranD’klin, nació en San José, Costa Rica. Es un destacado artista plástico cuyo trabajo ha viajado por numerosos países; además, es docente, escritor y gestor cultural. Actualmente labora en el Ministerio de Educación Pública (MEP), donde imparte clases de pintura y español. La Asociación Nacional de Educadores (ANDE) ha premiado su obra artística en dos ocasiones: con una mención de honor y un primer lugar en pintura a nivel nacional.

Conozco a Franklin desde hace muchos años y, con el paso del tiempo, nuestra amistad se ha fortalecido. Siempre le estaré agradecido: durante 2018 y 2019, él impulsó mi invitación como jurado en el Festival Estudiantil de las Artes (FEA) de la Escuela Rincón Grande, en Pavas, San José, donde es docente. Fue un honor compartir con esos niños talentosos; guardo gratos e inolvidables recuerdos. También extiendo desde aquí mi sincero agradecimiento porque él y sus alumnos han leído y estudiado algunos de mis poemas y artículos. Este noble gesto es, para mí, el regalo más hermoso que he recibido.

Conozcamos más sobre este talentoso artista costarricense. FranD’klin cuenta con una formación académica internacional y diversa: estudió Pedagogía en la Universidad del Valle, donde se tituló como profesor para los ciclos I y II. Además, se graduó en la Paramount Academy de Estados Unidos, especializándose en pintura oriental, acuarela, acrílico y óleo. Su pasión por el arte asiático lo llevó a ser discípulo de reconocidos maestros orientales, con quienes perfeccionó la técnica del Sumi-e (pintura a tinta) y la acuarela oriental. Complementó sus estudios en Oriente y Occidente una experiencia que califica como fundamental para comprender el “artista interior” y el respeto por el ser humano.

Aprovecho esta ocasión para felicitar a Franklin por el gran trabajo que ha realizado, realiza y seguirá haciendo por el arte, la cultura, la educación y la difusión del conocimiento. En esta entrevista, abordamos temas como su creatividad, los motivos que inspiran sus pinturas, su escritura, su labor educativa y su participación como coautor en la antología poética CANTO PLANETARIO. Estoy seguro de que disfrutarán esta charla con este excelente artista. Los invito a conocer más sobre su obra artística y literaria

Entrevista

1. ¿A qué edad tuvo su primer contacto con las artes plásticas? 

Desde muy niño, fue el todo como un modelador experimental, pero, considero que el artista nace y evoluciona con el arte.

2. De pequeño, ¿quiénes lo inspiraron para que se enamorara de la pintura? 

El mismo contorno en el que fui creado, ya que, vivía rodeado de naturaleza; pero, siempre me impulsó mi madre y abuela materna, también le quiero agradecer a la gran dama la señora Olga Espinach que dio seguimiento a mi arte desde muy joven. 

3. ¿Dónde inició sus estudios de arte? 

Inicié mis estudios desde la primaria y secundaria, cuando era adolescente mi alma máter fue la Casa del Artista -ahora pertenece al Ministerio de Cultura-, luego pasé a la Paramount Academy con sede en Costa Rica, posteriormente, fui alumno del famoso pintor Kan Yu Chien quien fue el que me instruyó durante 7 años en la técnica del Sumi-E y la pintura china, estudié artes plásticas para I y II ciclo en la UNED y continué con algunos talleres en USA. 

4. ¿En qué consiste la técnica del Sumi-e? 

Consiste en comenzar a aprender la técnica de los 4 caballeros referidos con: 

• la orquídea dando la belleza, 
• el bambú dando la fuerza, 
• el ciruelo expresando alguna de las estaciones del año y 
• el crisantemo dando el movimiento en la técnica; 

Esta técnica es milenaria y toca el alma y espíritu del artista, cuando sea capaz de mirar a través del monocromo, los mil colores que tiene la vida. 

5. ¿Cuáles son los principales temas que aborda en sus pinturas y escritos? 

Mis pinturas abordan la naturaleza en todas sus manifestaciones y mis escritos contemplan la caridad y humanidad para por medio de estos llegar a lo eterno. 

6. En sus primeros años de juventud, mostró gran interés en los estudios religiosos, pero declinó continuar con esa carrera. ¿Qué lo motivó a dedicarse más a la docencia y las artes plásticas? 

Me inclinó un apostolado vivo entre las masas del contorno para poder aportar mi grano de arena de mis conocimientos.

7. ¿De qué manera cree que la Inteligencia Artificial (IA) puede afectar o beneficiar a los artistas? 

Creo que todo lo que conduzca a lo bueno no tiene ninguna afectación a la humanidad y considero que la IA es un buen instrumento si lo sabemos direccionar. 

8. Con su gran experiencia en las artes plásticas, ¿cómo define su arte de pintar? 

Soy yo mismo con puertas abiertas a la interpretación que donen al ser humano paz y tranquilidad al contemplar mis obras, ese es mi mayor sueño a través de mi arte. 

9. ¿En qué países ha vendido más sus obras artísticas? 

Mis obras artísticas están en varios países de Centroamérica y Estados Unidos, pero,nal en dónde más he vendido es en mi propio país y USA. 

10. ¿Cómo ha sido su experiencia como docente en las áreas de pintura y español con sus alumnos? 

El sistema pedagógico nos invita a ser creativos, a utilizar ejes trasversales y a través de la pintura y el contorno con mis alumnos he podido implantar mis enseñanzas como docente y con mi poesía embellecer la materia del español. 

11. ¿Qué opinión le merece la frase del físico teórico Michio Kaku: “Todos los niños nacen genios, pero son aplastados por la sociedad y la educación”? 

Todo difiere, la sociedad te pone las oportunidades, la educación las retroalimenta, nada aplasta, si vemos la vida con esperanza sabiendo que el respeto a lo que otros escriben es primordial y solo se contempla.

12. ¿Qué representó para usted ser parte de Canto Planetario: Hermandad en la Tierra (H.C. Editores, 2023)? 

Representó unirme a un todo, a través del Canto Planetario y a contemplar en diferentes poemas de iguales la belleza de la vida e inspirarme en la mente creativa de quién convocó al Canto Planetario.

13. ¿Qué mensaje les compartiría a las autoridades costarricenses para que apoyen a los artistas e inviertan en una educación de calidad?

El mensaje que considero más correcto sería, no saquen nunca el arte de los parámetros pedagógicos, el arte es una sala de descanso en el correr de la vida, aportando un avance dentro de un perfil diferente a la educación costarricense. 

Carlos Javier Jarquín

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Presentación de la obra musical Suite Guitarra Social de la cantautora Natalia Esquivel Benítez

La tarde de este 28 de enero tuve el privilegio de asistir a la presentación del álbum musical Suite Guitarra Social de la cantautora, poeta y académica costarricense Natalia Esquivel Benítez. El evento se realizó en la Benemérita Biblioteca Nacional de Costa Rica y fue organizado por el Ministerio de Cultura y Juventud, a través de la Benemérita Biblioteca Nacional (parte del SINABI), el Área de Formación Humanística de la UTN, el colectivo cultural Trébol Carmesí y Natalia Esquivel.

La actividad inició a las 4:00 p.m. Tras la bienvenida de la Directora de la Biblioteca Nacional Miguel  Obregón Lizano, la Sra. Laura Rodríguez Amador, la moderadora Nayuribes Ramírez Jiménez realizó una presentación excelente y le cedió la palabra a la artista. En su discurso, Natalia explicó:

• “Suite Guitarra Social es una colección de 17 piezas originales para guitarra solista, compuestas durante una residencia artística en España en el año 2024 en Cáceres, España, y bajo la tutoría de la maestra Marta Lozano Molano. Cada pieza está inspirada en un ODS (Objetivo de Desarrollo Sostenible) de las Naciones Unidas, y busca generar conciencia ecológica, solidaridad y reflexión ética a través de la música. La obra fue apoyada por el programa Ibermúsicas y la Universidad Técnica Nacional de Costa Rica, y galardonada con el aval de declaratoria de interés cultural del Ministerio de Cultura 2024. Ha sido interpretada en recitales educativos y conciertos interdisciplinarios, y difundida a través de medios culturales como la Revista Latina y la Revista Arjeé de la UTN. Está dirigida a jóvenes intérpretes y educadores musicales, quienes encontrarán en esta Suite un repertorio accesible técnicamente y en el que se pretende entrelazar la poética sonora con el compromiso social y ecológico”.

También destacó que “Suite Guitarra Social no es solo un conjunto de piezas para concierto; es una herramienta de diálogo, una invitación a construir comunidad desde la música y un ejemplo de cómo el arte puede tener un propósito pedagógico y transformador, cumpliendo su papel en el área humanística. En tiempos que claman por una nueva ética del cuidado y la cooperación, esta obra ha sido compuesta como un faro creativo para iluminar el cruce entre el arte, la ecopedagogía y la ciudadanía global”.

Los invitados como comentaristas destacaron por sus valiosos aportes durante la presentación: el profesor de música Mario Solera y el filósofo y académico Osvaldo Matamoros Zamora. Ambos coincidieron en resaltar la relevancia de la Suite Guitarra Social en estos tiempos actuales, especialmente para niños, adolescentes, maestros y todos aquellos que desean emprender en el arte de la música, y en particular en la guitarra.

Durante el evento, también se reprodujo un video enviado desde España por la maestra Marta Lozano Molano, quien dijo: “Natalia Esquivel es una compositora excelente y estoy segura de que les va a inspirar tanto como a mí el trabajo que ha realizado. En esta Suite Guitarra Social tuve la suerte de presenciar su creación durante la residencia de composición en España con Ibermúsica. Fue una experiencia preciosa: a lo largo de la semana que estuvo aquí, tuvimos la oportunidad de conocer mejor la música social, cómo funciona, sus objetivos de desarrollo sostenible, y el trabajo musical en España, particularmente en la zona donde me encuentro”.

Disfrutamos de momentos poéticos con la cantautora Alba C. Molina, quien recitó un poema dedicado a la guitarra, de la autoría de Nayuribes Ramírez. Ligia Calderón interpretó un poema de su propia autoría, dedicado a Natalia Esquivel, y Nayuribes Ramírez nos deleitó con la lectura de uno de sus hermosos poemas.

El cierre fue sensacional: Natalia Esquivel y el maestro Mario Solera musicalizaron las 17 piezas que conforman este álbum de Suite Guitarra Social, deleitando tanto a los asistentes presenciales como a los conectados virtualmente a través de la página de Facebook de la Biblioteca Nacional.

Desde este espacio, extiendo mis más sinceras felicitaciones a Natalia por este gran trabajo, y a todas las personas involucradas, como Ibermúsica por abrir las puertas a esta distinguida compositora latinoamericana; a la compositora Marta Lozano Molano, cómplice y mentora en esta obra prominente, que ya se perfila como una verdadera referencia musical desde esta esquina del planeta llamada América Latina hacia el mundo. 

En palabras de su autora: “Suite Guitarra Social es una obra y propuesta pedagógica para guitarra que conecta la música con la reflexión y los valores sociales, ideal para guitarristas, docentes de música y artistas interesados en la creación con sentido”. Edición digital y descarga inmediata tras la compra. Adquiérela aquí: https://n9.cl/907r0

Para conocer un poco más de esta obra disponible en plataformas digitales como Spotify y Youtube, te invito a leer la entrevista que le realicé a Natalia, donde profundizamos en esta joya musical por su contenido fresco, reflexivo y vigente a nivel global.

Entrevista 

¿Cuáles son los temas centrales que aborda en Suite Guitarra Social? 

Suite Guitarra Social aborda temas vinculados a la educación en valores, la conciencia social, la relación del ser humano con la naturaleza y la construcción de una cultura de paz. Cada pieza dialoga con los Objetivos de Desarrollo Sostenible, entendiendo la música como un lenguaje sensible capaz de provocar reflexión, empatía y transformación social. 

¿Cuáles son las principales características armónicas de esta obra? 

La obra se caracteriza por una armonía accesible pero expresiva, que combina tonalidad expandida, modos y recursos contemporáneos sin perder claridad melódica. La guitarra se utiliza de forma narrativa, privilegiando el color, el timbre y el gesto musical como elementos expresivos más allá del virtuosismo técnico. 

¿Cuál es la influencia cultural que refleja o integra Suite Guitarra Social en su composición? 

La suite integra influencias de la música latinoamericana, la tradición guitarrística iberoamericana y una mirada contemporánea comprometida con lo social y lo educativo. También dialoga con saberes ancestrales, la ecopedagogía y una visión intercultural que reconoce la música como patrimonio vivo y herramienta de identidad. 

Háblanos de la pieza número 15, titulada “Iyök amì tsé”. 

“Iyök amì tsé” es una pieza profundamente simbólica que rinde homenaje a los pueblos originarios y a su cosmovisión. Su título, proveniente de una lengua indígena, evoca la conexión sagrada con la tierra y el equilibrio entre los seres vivos. Musicalmente, la obra busca un carácter contemplativo, casi ritual, donde el silencio y la resonancia tienen un papel protagónico. 

¿Cuáles son los objetivos de haber convertido este álbum musical en formato libro? 

El formato libro permite ampliar la experiencia artística hacia un ámbito pedagógico y reflexivo. No solo contiene la música, sino también contextos, orientaciones y posibilidades de uso educativo. El objetivo es que intérpretes, docentes y mediadores culturales puedan utilizar la obra como recurso formativo y no únicamente como material de concierto. 

¿Cómo describe su experiencia al trabajar con la compositora española Marta Lozano Molano? 

Ha sido una experiencia de diálogo creativo muy enriquecedora, basada en el respeto mutuo y la sensibilidad artística compartida. Marta aportó una mirada rigurosa y a la vez abierta, que fortaleció el proceso creativo y reafirmó el valor del trabajo colaborativo entre mujeres creadoras en el ámbito musical. 

¿Qué retos enfrentó al emprender esta iniciativa? 

Uno de los principales retos fue integrar de manera coherente la creación artística, la dimensión educativa y la gestión cultural. También implicó sostener el proyecto desde la autogestión, creyendo en el valor social de la música en un contexto donde estos proyectos requieren mucha constancia y convicción. 

¿Qué significa para usted haber presentado esta obra en la Benemérita Biblioteca Nacional de Costa Rica? 

Presentar Suite Guitarra Social en la Benemérita Biblioteca Nacional de Costa Rica representa un reconocimiento simbólico muy importante. Es un espacio que resguarda la memoria cultural del país, y llevar allí una obra que une música, educación y compromiso social fue un acto profundamente significativo y emotivo. Fue, asimismo, un recordatorio del valioso apoyo que, afortunadamente, he recibido a lo largo de mi camino artístico y educativo; un gesto de amistad compartida con la familia de la Biblioteca, con mis cómplices en el arte y con el público en general.

¿Puedes hablarnos de algún proyecto literario o musical en el que estés trabajando actualmente? 

Actualmente trabajo en proyectos que integran poesía, música y educación, así como en nuevas obras musicales pensadas para intérpretes y contextos formativos. También desarrollo iniciativas vinculadas a la animación a la lectura y la formación musical con enfoque humanista y social, continuando la línea de trabajo que dio origen a Suite Guitarra Social. 

Carlos Jávier Járquin

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Nas Entrevistas ROLianas, José Antonio Neves da Silva, ou, simplesmente, Tom Neves, ou, ainda, apenas Tonneves, o Mestre da Cultura de Imperatriz

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Gabriela Lopes: Tom, você nasceu em Pedreiras, no interior do Maranhão, e construiu uma trajetória artística que ultrapassou fronteiras. Como foi o início desse caminho nas artes plásticas e o que mais marcou sua formação como artista?

Tonneves: Minha jornada nas artes plásticas começou em Imperatriz, no Maranhão, onde cresci cercado pela rica cultura popular e pela exuberante natureza da região. Desde cedo, eu me fascinava com as cores, formas e texturas que me rodeavam, o que despertou meu interesse pelas artes visuais.

A arte popular maranhense, com suas cores vibrantes e padrões únicos, foi uma grande influência para mim, assim como a natureza exuberante do Maranhão, com suas paisagens diversas, que também desempenhou um papel fundamental na minha formação artística.

O início da minha trajetória foi marcado por uma exploração intensa das possibilidades das artes plásticas. Experimentei diferentes técnicas e materiais, sempre buscando encontrar minha própria linguagem artística. Minha formação foi, em grande parte, autodidata, embora eu tenha contado com alguns professores e mentores que me guiaram ao longo do caminho.

A fusão entre a arte popular e a arte contemporânea foi um dos aspectos mais marcantes da minha formação. Além disso, minha conexão com a cultura e a natureza do Maranhão foi essencial para o desenvolvimento da minha identidade artística.

Minha trajetória nas artes plásticas tem sido um processo contínuo de descoberta, profundamente influenciado pela minha origem e pelas minhas experiências. Acredito que a arte deve ser uma expressão autêntica do artista e de sua relação com o mundo ao seu redor.

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Gabriela Lopes: Seu trabalho é fortemente marcado pelas cores, pelos frutos do Cerrado e pela identidade do povo maranhense. De que forma sua vivência no Maranhão influencia diretamente sua criação artística?

Tonneves: Minha vivência no Maranhão tem um impacto profundo na minha criação artística. Crescer em um estado com uma rica diversidade cultural e natural proporciona uma fonte inesgotável de inspiração. As cores vibrantes do Cerrado, os sabores e as texturas dos frutos locais, assim como a expressividade do povo maranhense, são elementos que se entrelaçam na minha arte.

A identidade cultural do Maranhão, com suas tradições e histórias, é uma presença constante nas minhas obras, influenciando não apenas as cores e as formas, mas também a essência e a narrativa por trás de cada peça. A conexão com a terra e com as pessoas me permite criar trabalhos autênticos e cheios de significado, refletindo a beleza e a complexidade da minha terra natal.

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Gabriela Lopes: Ao longo da sua carreira, você atuou como artista, gestor cultural, conselheiro e educador. Como essas diferentes experiências dialogam entre si e fortalecem o seu fazer artístico?

Tonneves: Minhas diferentes experiências ao longo da carreira têm sido fundamentais para o meu crescimento como artista. Ao atuar como gestor cultural, pude compreender melhor a dinâmica do setor cultural e a forma como as diversas expressões artísticas podem ser apoiadas e promovidas.

Como conselheiro, desenvolvi habilidades para analisar e avaliar projetos e iniciativas, o que contribuiu para refinar meu próprio trabalho artístico. Além disso, minha experiência como educador me permitiu compartilhar meu conhecimento e minha paixão pela arte com outras pessoas, o que, por sua vez, enriqueceu minha prática artística.

Essas diferentes experiências dialogam entre si e se fortalecem mutuamente, permitindo que eu aborde meu fazer artístico de maneira mais informada, consciente e criativa.

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Gabriela Lopes: Suas obras já circularam por países como Japão, Itália, Vaticano e Estados Unidos. O que muda — ou o que permanece — quando a arte maranhense encontra o olhar internacional?

Tonneves: Quando minhas obras são vistas internacionalmente, acredito que o que permanece é a essência da cultura maranhense, que é rica e única. No entanto, o olhar internacional traz novas interpretações e perspectivas, o que enriquece ainda mais a arte.

A arte maranhense possui uma identidade forte, reconhecida e valorizada em outros países. Ao mesmo tempo, sua internacionalização permite que ela seja observada sob diferentes ângulos, o que pode gerar novas descobertas, leituras e formas de apreciação.

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Gabriela Lopes: Recentemente, você recebeu o Prêmio de Mestre da Cultura Maranhense, um reconhecimento de enorme relevância. O que esse título representa para você, pessoal e simbolicamente?

Tonneves: Receber o Prêmio de Mestre da Cultura Maranhense é uma grande honraria e um reconhecimento significativo do meu trabalho e da minha dedicação à cultura do Maranhão. Esse título representa um marco importante na minha carreira, simbolizando o apreço e a valorização da minha contribuição para a preservação e a promoção da rica herança cultural do estado.

Pessoalmente, esse reconhecimento me enche de orgulho e me motiva a continuar trabalhando para manter vivas as tradições e expressões culturais maranhenses. Simbolicamente, ele reforça a importância da cultura como elemento unificador e de identidade para a comunidade, inspirando-me a seguir contribuindo para o enriquecimento cultural do Maranhão.

Sou profundamente grato por essa distinção e sigo comprometido em continuar trabalhando em prol da cultura do Maranhão.

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Gabriela Lopes: Na sua visão, qual é o papel do Mestre da Cultura na preservação, transmissão e renovação dos saberes culturais do Maranhão?

Tonneves: O Mestre da Cultura desempenha um papel fundamental na preservação, transmissão e renovação dos saberes culturais do Maranhão. Eles são guardiões das tradições e dos conhecimentos ancestrais, atuando como pontes entre o passado e o presente.

Ao transmitir esses saberes às novas gerações, os Mestres da Cultura garantem a continuidade das práticas culturais que definem a identidade maranhense. Além disso, promovem a renovação desses conhecimentos, adaptando-os às novas realidades e contextos, o que é essencial para manter a cultura viva, dinâmica e relevante.

Dessa forma, os Mestres da Cultura são fundamentais para o fortalecimento da diversidade cultural do Maranhão e para a valorização de sua identidade.

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Gabriela Lopes: Você também atua como professor, compartilhando seu conhecimento com novas gerações. O que mais te emociona nesse processo de ensinar arte?

Tonneves: Ensinar arte vai muito além de transmitir técnicas ou teorias. Trata-se de inspirar os alunos a enxergarem o mundo de maneira diferente, a encontrarem sua própria voz e forma de expressão.

O que mais me emociona é acompanhar o desenvolvimento deles, não apenas como artistas, mas como indivíduos que passam a observar e interagir com o mundo de forma mais crítica, sensível e criativa. Cada descoberta, cada nova perspectiva que surge, é um lembrete do impacto que podemos ter nas próximas gerações. É um privilégio fazer parte desse processo e contribuir para que deixem sua marca no mundo.

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Gabriela Lopes: Para finalizar, que mensagem você deixaria para jovens artistas maranhenses que sonham em viver da arte e manter viva a cultura do nosso estado?

Tonneves: Aos jovens artistas maranhenses, eu diria que a arte é uma jornada incrível e desafiadora, mas profundamente gratificante. Nunca deixem de sonhar e de acreditar no poder da criatividade para transformar a realidade ao seu redor.

A cultura do Maranhão é rica e diversa, e vocês têm o privilégio de serem herdeiros dessa herança. Busquem inspiração nas raízes do nosso estado, mas não tenham medo de inovar e de levar nossa arte por novos caminhos. Perseverança, dedicação e paixão serão seus maiores aliados.

Mantenham viva a cultura do Maranhão, não apenas preservando suas tradições, mas também contribuindo para sua evolução. Acreditem em si mesmos e no impacto que podem gerar por meio da arte.

Gabriela Lopes

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“A minha frustração é não conseguir ler todos os livros. Os livros funcionam como um veneno, mas também como antídoto para alma.” (Jessemusse Cacinda)

Mano Jessemusse, as minhas entrevistas não são um arquivo bibliográfico. Se por acaso jorrar entre os meus lábios uma questão sobre quem tu és, acredita, trata-se de um puro e inocente acidente. Por esta razão, começo este nosso diálogo perguntando:

Bruno Areno — Quem é para ti o grande escritor moçambicano da actualidade?

Jessemusse Cacinda — Esta é uma pergunta muito difícil. A literatura moçambicana da actualidade é marcada pela coabitação entre a chamada geração charrua e as gerações posteriores, por isso tenho dificuldades a identificar um autor que eu chamaria de o grande da actualidade. Acho que o poeta Álvaro Taruma tem assumido um consenso interessante entre a nova geração e eu concordo.

Tenho particularmente muito orgulho pelo que o Mélio Tinga se tornou, estive a ler o seu livro ‘Arder no Gelo’ e conversei com o Professor Francisco Noa a respeito. Mélio Tinga é daqueles autores que se a Ethale tivesse condições de monopolizar o seu passe no mercado, faríamos um contracto para termos os direitos de toda sua obra. Entre os autores, tenho particular admiração pelo Ungulani Baka Khossa.

BA — A humanidade é feita de mentiras. Dizem-nos que a leitura faz bem para a alma, mas tu, Jessemusse, sabes muito bem que após uma leitura vem sempre a indagação, o questionamento, o desassossego. Nenhum académico ou leitor sob a face da Terra vive feliz, alegre, satisfeito. Felizes são os analfabetos, esses seres que desconhecem a hora da sua morte e que, mesmo depois de mortos, cantam como se os vivos continuassem a ouvi-los. Tudo isto apenas para saber o título do livro que te está a roubar a paz nestes dias. O que gostarias de ler e não estás a ler?

JC— A minha frustração é não conseguir ler todos os livros. Os livros funcionam como um veneno, mas também como antídoto para alma. Gostaria de ler mais livros da África do Norte, o chamado Magreb e da Ásia. Iniciei uma incursão por aquele mundo e estou profundamente surpreendido com a frescura com que os autores olham para a realidade.

BA — Diz-me algo: qual foi o grande autor que descobriste?

JC — Nunca descobri ninguém, apenas conheci grandes autores. Os meus autores favoritos continuam Albert Camus, Jean Paul Sartre e Alain Mabanckou. Este último que faz livros como se fossem álbuns de música congolesa. Voltei a ler Toni Morison, Jazz por conta de um novo projecto que ando a experimentar.

BA — E qual ainda não descobriste?

JC — Quando for a descobrir, terei resposta, por agora, não consigo desvendar o que me parece oculto.

BA — Queres falar da nova antologia poética organizada pelo Eduardo Quive e por ti?

JC — É um projecto que funciona como montra. Iremos apresentar em Portugal (Lisboa, Coimbra e Porto) e em Moçambique (em várias cidades onde temos autores). A ideia é fornecer um quadro da diversidade da literatura que se está a produzir no país.

BA — Numa conversa telefónica que tive com o grande Jordão Domingos, ele questionou: “Por que não houve uma chamada pública? É apenas para ‘escritores grandes?'” Transfiro essa questão a ti.

JC — Usamos o critério da acessibilidade, ou seja, juntamos os autores que conhecíamos e que de certa forma tínhamos acesso. Convidamos muitos autores que se mostraram indisponíveis e a antologia é o resultado que tivemos. Sobre chamada pública, a Ethale não tem sido bem-sucedida com isso. fizemos duas chamadas públicas desde a nossa fundação há 9 anos e não tivemos sucesso. Agora iremos celebrar 10 anos e pretendemos voltar a fazer chamadas públicas para a identificação de interessados.

BA — Tu entras em angústia? Para mim, os seres humanos são seres angustiados.

JC — Claro. Acho que viver é aprender a lidar com a angústia.

BA — Existe escrita sem dor?

JC — Provavelmente exista, mas a minha é de dor. No Kwashala Blues há dor nas várias mortes as quais somos condenados por viver em Nampula e a meio disso, procuramos o verso de um poema ou o ritmo de uma boa música. Assim, surgiu a minha proposta estética de um livro de estreia que superou as minhas expetativas.

BA — Do que não te arrependes de não ter feito?

JC — Ter editado livros num país de oralidade e que pouco valor dá a cultura.

BA — Ainda há possibilidade?

JC — Nada. Terei sempre orgulho disso.

BA — E do que fizeste e te arrependes?

JC — Não ter perdoado aos que me magoaram.

BA — Jessemusse fez coisas que jamais revelaria a ninguém?

JC — Claro. Temos sempre segredos que nos ajudam a construir uma mítica do que somos.

BA — Cometeste grandes gafes na vida?

JC — Claramente. E foram muitas.

BA — E imprudências?

JC— Também.

BA — Não queres contar uma?

JC — São várias, mas uma que me marcou foi por eu ter entregue a minha biscicleta a um ladrão em Cuamba.

BA — Sentes uma admiração especial por algum personagem da história?

JC — Várias.

BA — Onde gostarias de ter vivido?

JC — Interessante. Quando eu era miúdo sonhava em ser um peregrino e viver em vários lugares do mundo. Agora, sigo a onda. Vou para onde a vida me leva.

BA — Choras?

JC — Sim.

BA — Quando choras, choras por quê?

JC — Por nada. Geralmente para mim mesmo. Não peço apoios porque tive de aprender a me virar sozinho muito cedo.

BA — O amor é horrível e chato?

JC — Não. O amor é uma das melhores coisas. Entretanto, como toda viagem, há acidentes. No Kwashala Blues, a Amália diz que a vida é uma viagem longa, e eu acrescentaria que é preciso não se arrepender por ter amado.

BA — A morte é terrível?

JC — E inevitável. É uma condição existencial. Por causa da morte, podemos ter limites enquanto humanos.

BA — Como gostarias de morrer?

JC — Ainda não pensei nisso.

BA — Como estás em matéria de amores?

JC — Muito bem resolvido.

BA — Para terminar, mano. Diz-me como está a Saúde mental dos moçambicanos, uma merda?

JC — Acho que um Doutor em Medicina, especialidade de Psiquiatria ou Doutor em Psicologia Clínica poderia melhor dizer isso. Agora, enquanto um entusiasta das discussões filosóficas, concordo com Byang Chun-Han sobre o excesso de narcisismo que provoca depressão. Todos querem ser vencedores e ninguém quer ser perdedor. Mesmo quando perdemos, acusamos os outros para a nossa derrota. E Jean Paul Satre muito disse, o inferno são os outros, e hoje, usamos essa máxima para justificar nossas loucuras.

Bruno Marquê Areno

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