Entrevista com o mestre romeno Ioan Tugearu

“Danço desde que me lembro e espero poder continuar a criar dança enquanto viver.” (Ioan Tugearu)

Queridos amigos, tenho o grande prazer e a honra de abrir a minha série de entrevistas no maravilhoso Jornal Cultural ROL com trechos da minha conversa com o célebre bailarino, coreógrafo e encenador da Ópera Nacional de Bucareste (Romênia), Ioan Tugearu.

A entrevista foi publicada no meu quarto livro de entrevistas, ROMENOS DO SÉCULO XXI. Entrevistas-documento com personalidades romenas (editora Pro Universitaria, 2013). O volume contém 32 entrevistas com 29 personalidades (culturais e sociopolíticas) da Romênia contemporânea, nas quais analiso diversos aspetos da vida política, socioeconómica e cultural da Roménia, bem como as formas pelas quais estas foram afetadas pela ideologia comunista e pela transição para a democracia após 1989.

Os temas de discussão destas entrevistas abordam a ideia da nação romena, o destino do povo romeno nos planos cultural, social, histórico e político, analisando o processo do comunismo na Romênia, o período de transição pós-comunista e a fase da monarquia constitucional da Romênia.

Nascido em 19 de novembro de 1937, o mestre Ioan Tugearu é um artista apaixonado pela sua profissão que, ao dançar, gera e transmite frequentemente emoções profundas de elevada vibração artística, através da sua presença, dos movimentos do corpo, da expressividade das mãos e da força dramática. Um artista completo que, no plano artístico e humano, fascina, seduz e reinventa continuamente a poesia do corpo, dos olhares e das ideias.

Unanimemente apreciado pelo seu talento e imaginação, Ioan Tugearu dedicou durante anos a sua vida à arte coreográfica, sendo os seus espetáculos sempre aguardados com grande expectativa pelo público.

Na qualidade de bailarino, coreógrafo e professor, encenou numerosos espetáculos na Ópera Romena de Bucareste, Iași e Timișoara (principais centros culturais da Romênia), no Teatro Lírico de Constanța (outra cidade cultural da Romênia), na Televisão Romena, no Teatro Nacional de Bucareste (a capital da Romênia), colaborando igualmente com a Ópera de Oslo, Noruega, o Teatro Lírico ‘Arenas de Verona’, Itália, e a ‘Boara danse contemporaine’, Bari, Itália.

Realizou numerosas digressões pela Europa, América e África, com o Balé da Ópera de Bucareste, com o Teatro de Dança Clássica e Contemporânea de Constanța, bem como com as companhias de balé ‘Jeunesse Musicale de France’ e ‘Grand Ballet Classiques de France’. Teve, também, compromissos como primeiro bailarino em Munique, onde interpretou os papéis principais em ‘Pulcinella’ de Stravinsky, ‘Bolero’ de Ravel e ‘Atress’ de Xenakis; em Bordéus, onde interpretou o papel principal em ‘Sebastian’ de Manotti, e em Bari, onde dançou em ‘Pigmalion e Galatea’.

Tive a honra de conversar com o mestre Ioan Tugearu no ano 2000 e fiquei profundamente impressionada tanto pela elevação e profundidade das suas ideias, expostas na análise extremamente complexa da nossa entrevista, quanto pela sua generosidade humana e modéstia, pelo seu caráter íntegro.

A força excecional da sua criação reflete-se não apenas no palco, mas também na forma como encara e vive a própria existência: o artista possui uma grande capacidade de adaptação e o desejo de elogiar os seus colegas e de se aproximar da jovem geração.

Não é por acaso que muitos dos que hoje são grandes nomes do balé romeno contemporâneo conseguiram afirmar-se graças ao apoio incondicional do mestre. Ioan Tugearu, artista com uma vasta experiência coreográfica no país e no estrangeiro, ofereceu-me a lição da excelência, da modéstia e da alegria de realizar a vida, de um ‘voo’ verdadeiramente internacional.

No âmbito da entrevista publicada no meu livro, discutimos a moda dos espetáculos de balé soviéticos dos anos 70, o significado do repertório da Ópera Romena, o valor da dança no plano europeu, o sucesso de um espetáculo de dança numa sociedade totalitária e/ou democrática, bem como a situação profissional do bailarino romeno. Selecionei deste fascinante entrevista alguns excertos, aqueles ligados a temas culturais.

Rhea Cristina: Antes de dezembro de 1989, o termo bailarino tinha o mesmo significado que dançarino? E depois de 1989?

Ioan Tugearu: No que diz respeito ao significado dos termos bailarino de balé e dançarino, este foi sempre o mesmo, tanto antes como depois de 1989, uma vez que não tem conotação política, mas sim estritamente profissional.

Na língua romena, o termo dança e, respetivamente, dançarino, cobre uma área vasta, abrangendo todos os gêneros do domínio: desde a dança clássica até à dança moderna, contemporânea, folclórica, de revista, de musical, dança desportiva, etc. O termo balé e, respetivamente, bailarino de balé, refere-se apenas ao domínio da dança clássica. Ele define a dança teatral com uma forma artística estilizada, que se aprende na escola e possui um vocabulário preestabelecido. O termo é de origem italiana, balletto, diminutivo de ballo, que significa dança.

Na língua francesa utiliza-se para este gênero de dança tanto a palavra ballet como danse classique, tal como se consagraram também os termos na língua romena: balet ou dança clássica. Em contrapartida, para os intérpretes, em francês existem os termos danseur, danseuse, danseur/ danseuse étoile, enquanto na língua romena se utilizam os termos balerin, balerină, prim/ă balerin/ă. Este facto leva à ideia de que, após a fundação das Óperas de Bucareste e de Cluj, em 1921, e a criação de companhias de balé junto destas instituições, foram adotados diretamente os termos italianos para designar os profissionais da área do balé.

Aproveito esta oportunidade para esclarecer mais dois termos que são frequentemente confundidos por aqueles que estão fora da profissão: mestre de balé e coreógrafo. O coreógrafo é o autor de uma coreografia, aquele que cria os movimentos, os passos e o desenho de conjunto de uma dança ou de um espetáculo inteiro. No caso em que ele próprio escolhe o tema e concebe o seu desenvolvimento, sobre uma música também escolhida por ele, Maurice Béjart chama-lhe coautor. O mestre de balé é a pessoa que ensaia o balé criado pelo coreógrafo, mantendo a qualidade da sua execução e treinando os bailarinos para os papéis que têm de interpretar.

Rhea Cristina: O que significava a dança no plano europeu em 1989? E em 1999? Neste contexto, onde se situa o bailarino romeno? É um ‘bastardo’ da Europa? Faz parte da elite da coreografia europeia?

Ioan Tugearu: A dança é a arte que simplesmente explodiu neste século que se aproxima do fim. Não por acaso Maurice Béjart disse: “A dança é a arte do século XX”.

Se mencionarmos apenas alguns nomes que entraram na história da dança mundial, percebemos implicitamente a grande diversidade estilística do século XX e os numerosos novos caminhos que se abriram para a dança neste século: da dança livre de Isadora Duncan, inspirada na Antiguidade grega, à dança dos véus de Loïe Fuller, pertencente ao estilo Art Nouveau; do neoclassicismo apolíneo de George Balanchine ou Serge Lifar, aos grandes balés com temas míticos de Martha Graham, linha que seria levada ao paroxismo pela Escola expressionista alemã, representada por Mary Wigman ou Kurt Jooss.

Passando por muitas outras escolas e correntes, mencionarei o fenómeno representado por Maurice Béjart, coreógrafo que trouxe para o primeiro plano os problemas do homem contemporâneo e, ao criar a escola Mudra (hoje transformada na escola Rudra) — na qual os bailarinos recebem uma formação complexa, em todos os géneros de dança, mas também em música e teatro —, lançou as bases do que, no final do século XX, se configurou como o género de teatro-dança, que ganha cada vez mais terreno. 

Ao mesmo tempo, neste mesmo século, os diferentes gêneros de dança interpenetraram-se. Nos EUA existe uma corrente principal na qual a dança clássica e a dança moderna se fundiram de tal forma que, ao lado do vocabulário clássico, se encontram empréstimos do estilo de Martha Graham, da dança de cowboys ou do jazz, como acontece nas criações de Jerome Robbins, o único coreógrafo que recebeu um prêmio Óscar pelo espetáculo West Side Story.

Mas, na América, existe também uma corrente de dança pura, abstrata, cujo tema é o próprio movimento. O seu representante, Merce Cunningham, ao chegar a França após 1970, influenciou a formação da escola de dança contemporânea francesa, que estendeu a sua influência a vários países europeus, incluindo a Romênia após 1990.

Na Europa, coreógrafos de referência como Christopher Bruce (Inglaterra), Mats Ek (Suécia), Jiří Kylián (Países Baixos), John Neumeier (Alemanha), Boris Eifman (Rússia) ou William Forsythe (França) — tendo mencionado o país onde trabalham principalmente, e não o país de origem — fundiram, tal como os seus colegas americanos, várias correntes de dança, criando aquilo que se poderia chamar de dança neoclássico-moderna.

Dentro deste estilo podem surgir elementos de dança clássica, rotações ou saltos, valorizados com uma total liberdade dos braços e combinados com formas de dança moderna, mas também com movimentos imaginados pelos próprios coreógrafos, que assim imprimem uma marca inconfundível às suas obras.

Neste contexto mundial, perguntam-me se o bailarino romeno é um bastardo ou se faz parte da elite europeia? O bailarino romeno é um filho legítimo, talentoso, mas insuficientemente apoiado dentro do próprio país, sendo a sua obra quase não divulgada.

No nosso país, destacaram-se sobretudo aqueles que deixaram o país!

O primeiro bailarino da Itália durante muitos anos foi Gheorghe Iancu, parceiro de Carla Fracci, hoje coreógrafo. Gigi Căciuleanu é considerado um dos coreógrafos de valor da dança moderna francesa. Marin Boieru, depois de ganhar prémios internacionais nos concursos de Varna e Moscovo, foi durante algum tempo contratado pela companhia de Maurice Béjart e depois partiu para a América. Marinel Ștefănescu, juntamente com Liliana Cosi, têm uma escola e uma companhia de balé em Itália, em Reggio Emilia, e Pavel Rotaru também possui uma escola e uma companhia de balé nos Estados Unidos.

Alma Munteanu, Judith Turoș e Simona Noja são primeiras bailarinas em grandes companhias de balé na Alemanha, enquanto Alexandru Schneider é coreógrafo no mesmo país. Gelu Barbu tem uma escola e uma companhia nas ilhas Canárias. Rodica Simion, Gabriel Popescu e Cristina Hamei são professores muito apreciados em academias de dança na Alemanha, e no Canadá gozam de grande prestígio os professores Magdalena Popa e Sergiu Ștefanski. Mihaela Atanasiu foi tão apreciada como pedagoga que uma praça na cidade italiana de Ginosa, onde lecionou nos últimos anos de vida, recebeu o seu nome.

E penso que devo parar aqui, embora esteja longe de esgotar os nomes de todos os bailarinos, coreógrafos e professores romenos estabelecidos no estrangeiro e muito bem cotados. Mas quero chamar a atenção para o facto de que eles pertencem a várias gerações sucessivas e que, portanto, a escola romena de balé tem dado continuamente artistas de grande valor.

Mas qual foi e qual é a situação daqueles que permaneceram no país? Nos anos 60–70, o Balé da Ópera de Bucareste fazia digressões quase todos os anos, sendo considerado a quarta companhia da Europa em termos de dimensão e valor. Por motivos propagandísticos ou não, alguém se ocupava de nós e levava-nos ao estrangeiro. Assim, por exemplo, em 1965, participei no Festival Internacional de Dança de Paris, quando o Prémio de Ouro de interpretação foi atribuído a Magdalena Popa.

Hoje ninguém mais nos impulsiona. Depois da queda da Cortina de Ferro, vieram até nós empresários estrangeiros que, no entanto, nos compram como se fôssemos a mercadoria artística mais barata, pagando uma quantia mínima apenas aos bailarinos, mas não ao coreógrafo que criou o espetáculo. Nestas condições estive em digressão na Áustria e na Alemanha, em 1993, com a minha obra A Megera Domada, e em 1998, também na Alemanha, com Anna Karenina, e nas mesmas condições irei no ano 2000 a França com o último espetáculo de balé montado por mim na Ópera, Notre Dame de Paris. Nenhuma legislação romena protege os nossos direitos de autor, nem no país nem no estrangeiro, nós, os coreógrafos.

Nos anos 60–70, a dança ocupava um lugar importante nos programas culturais da Televisão. Nos anos 80, todos sabemos como se degradaram os programas desta instituição. Mas, depois de 1990, no que diz respeito à dança, não ocorreu qualquer reviravolta. O único programa de dança, realizado por Silvia Ciurescu no canal 2, é transmitido uma vez de poucas em poucas semanas, quase às 24h, perto da meia-noite.

No Ministério dos Negócios Estrangeiros de França existe um departamento, A.F.A.A. (Association Française d’Action Artistique), que se ocupa da promoção da cultura francesa no mundo, estando a dança entre as primeiras áreas prioritárias.

Graças a este facto, depois de 1990, mais de uma dúzia de coreógrafos franceses apresentaram espetáculos e conduziram estágios de dança na Roménia, entre os quais Christine Bastin, Karine Saporta, Josef Nadj, Angelin Preljocaj, Georges Appaix e muitos outros nomes de prestígio da dança contemporânea francesa.

No nosso país, nem sequer existe no Ministério da Cultura um conselheiro para questões de dança. Esse cargo existiu apenas durante o mandato do ministro Andrei Pleșu e sobreviveu ainda algum tempo depois, sendo posteriormente suprimido. Somos filhos de ninguém e desenrascamo-nos como podemos, numa sociedade ainda desorientada, ainda privada de muitas leis e regulamentações de que precisaríamos.

Rhea Cristina: O que significava, para o coreógrafo romeno, participar num concurso internacional de balé nas condições do marasmo totalitário comunista antes de 1989? E hoje? Quais são as frustrações, motivações e a força criativa da sua arte?

Ioan Tugearu: Antes de 1989, qualquer participação num concurso internacional de balé representava, tal como qualquer digressão, antes de mais nada, uma lufada de ar fresco. Mas, tanto antes como agora, uma participação desse tipo permite ver o que e como se cria no mundo e como cada um se posiciona num contexto internacional. Recentemente tive a possibilidade de dar uma nova resposta a estas questões, em outubro de 1999, quando participei com a minha obra O Jogo de Shakespeare, um one-man show interpretado por Răzvan Mazilu, no Festival Internacional de Monodramas, organizado pelo Centro Nacional do I.T.I. (Instituto Internacional do Teatro) – Secção Russa, um evento cultural que teve lugar em Moscovo.

Quanto às nossas frustrações, elas ainda são bastante numerosas, como já referi anteriormente, mas a motivação e a força criativa que delas decorrem, para qualquer bailarino ou coreógrafo, são sempre as mesmas, sob qualquer regime: a necessidade imperiosa de dançar ou de criar espetáculos de dança. Não consigo imaginar como teria sido a minha vida sem a dança, pois é algo extraordinário poder modelar, esculpir neste material maravilhoso que é o corpo humano. Tal como diz Caroline Carlson: “A coreografia é o símbolo do poder. Ela dirige e molda os corpos e, por vezes, até mesmo as almas.”

Rhea Cristina: Depois de 1989, podemos falar de um fracasso da coreografia romena ou de uma explosão de novos talentos? O valor na Romênia é apreciado ou desencorajado?

Ioan Tugearu: A situação é diferente de gênero para gênero.

A dança folclórica entrou numa zona de sombra, talvez porque durante décadas foi explorada até à saturação. Todos os grandes ensembles (grupos, conjuntos) desapareceram e já não existem senão grupos de amadores.

A dança de ópera continuou a beneficiar das criações de coreógrafos e intérpretes já afirmados anteriormente. Mas, embora entretanto tenham surgido muitos jovens intérpretes talentosos, a Ópera continua à espera do aparecimento de novos coreógrafos. O Teatro de Ballet Oleg Danovski de Constanța continuou as suas digressões anuais ao estrangeiro, e também as outras companhias de Ópera de Bucareste, Cluj e Iași começaram novamente a viajar para o estrangeiro.

A dança moderna entrou na legalidade em 1990, quando, sob o ministério de Andrei Pleșu, surgiram as duas primeiras companhias apoiadas pelo Estado: Orion — da qual fui diretor e coreógrafo, tendo Miriam Răducanu e Raluca Ianegic montado espetáculos comigo (e, posteriormente, a direção tendo sido assumida por Sergiu Anghel, quando eu fui chamado de volta à Ópera) — e a companhia Contemp, dirigida por Adina Cezar, com quem também colabora Liliana Iorgulescu.

A grande explosão, no entanto, deu-se no domínio da dança contemporânea. Um número importante de jovens que beneficiaram do programa cultural La danse en voyage dedicou-se a este género.

Para além de abordarem a dança de outra forma, com um olhar fresco, próprio da sua geração (o que é muito importante não apenas para eles, mas também para a arte da dança em geral), é de salientar que criaram eles próprios as estruturas de que necessitam: pequenas companhias privadas ou fundações, como Marginalii ou Proiect DCM (Dança, Cultura, Gestão) e um Centro Internacional para a Dança Contemporânea, no âmbito do ARCUB, que estabelece ligações e intercâmbios contínuos entre coreógrafos romenos e estrangeiros de dança contemporânea, organiza espetáculos e digressões, publica uma pequena revista INFODANS e realizou, em 1998–1999, a primeira temporada de dança contemporânea no Teatro Lucia Sturdza Bulandra.

Vado agli spettacoli loro con grande affetto: alcuni mi incantano, in altri mi sembra che stiano ancora cercando la propria strada, ma l’esistenza di giovani come Florin Fieroiu, Cosmin Manolescu, Mihai Mihalcea, Răzvan Mazilu, Maria Baroncea, Daniel Szallasy o Eduard Gabia è rassicurante e, allo stesso tempo, una garanzia per il futuro di questo genere di danza.

Voglio aggiungere che quasi tutti questi giovani sono diplomati della prima forma di istruzione superiore per la danza nata nel nostro paese, la Sezione di Coreografia, all’interno dell’Università di Teatro e Film, per la cui creazione mi sono impegnata anch’io nel 1990. Naturalmente, questa facoltà non crea coreografi, così come la Facoltà di Filologia non forma scrittori, ma offre a tutti un’ampia apertura culturale.

Quanto à pergunta se “o valor é encorajado ou não, atualmente, na Romênia”, uma resposta curta seria: não! Devo acrescentar, no entanto, que toda a sociedade romena ainda está desorientada, que nos libertamos das antigas mentalidades de forma extremamente difícil e que, aqui e ali, se fazem coisas boas e bonitas, mas elas quase não se veem no marasmo geral.

Rhea Cristina: A dança está em relação direta de dependência com a evolução da sociedade civil romena? Tem uma ação catártica? O diálogo com o público acontece de forma definidora e substancial na Romênia?

Ioan Tugearu: Existe, por acaso, algum domínio da arte que não esteja em relação direta de dependência com a evolução da sociedade civil, aqui ou em qualquer outro lugar? Para quem criamos? Quem forma o grande público: não são aqueles que compõem a sociedade civil? Como não dependeríamos, então, do nível da sua evolução em todos os planos?

A catarse produz-se, segundo o testemunho de alguns espectadores, mas não para toda a sala, e sim sempre de forma individual, enquanto o diálogo com o público depende tanto do valor do espetáculo como do nível do público. No caso da dança contemporânea, por exemplo, ainda temos um público pouco preparado.

Rhea Cristina: O que espera o público romeno dos coreógrafos romenos? Que tipo de público de balé existe na Romênia, em comparação com a Europa e os EUA?

Ioan Tugearu: O público, em geral, espera espetáculos bem concebidos, encenados e interpretados, independentemente do género.

O público romeno está, no entanto, dividido por gêneros de dança: alguns apreciam mais a dança de ópera, outros a dança contemporânea. Mas tive a surpresa de descobrir que o mesmo acontece também em França e nos Estados Unidos.

O público romeno é ainda um pouco esnobe, enchendo sempre as salas quando vêm companhias estrangeiras de dança contemporânea, mas não acorrendo com a mesma intensidade aos espetáculos romenos.

Rhea Cristina: O que representam para si a Romênia, a língua romena e o povo romeno? Qual é a sua motivação para continuar a viver e a criar balé na Romênia, para os romenos? Alguma vez foi tentado pela ideia de se estabelecer definitivamente no Ocidente?

Ioan Tugearu: Não gosto destas perguntas, têm algo de embaraçoso. Parecem de uma época de nacional-comunismo. Quando, há uma vida inteira, danço e crio aqui no país, mesmo tendo tido muitas digressões e contratos no estrangeiro, este tipo de interrogações já não faz sentido.

No que diz respeito à tentação de ficar no estrangeiro, nunca a tive. Gosto muito de viajar, mas preciso sempre poder regressar a casa.

Rhea Cristina: Quais são os seus maiores arrependimentos e as suas maiores realizações?

Ioan Tugearu: Lamento não ter podido dedicar-me à criação coreográfica mais cedo. Lamento não ter podido frequentar uma faculdade, porque na época em que me formei não existia no nosso país ensino superior de dança e, após o ensino secundário, enriquecei a minha cultura por conta própria. Lamento não saber tocar piano. Lamento não sermos divulgados à altura do nosso valor. Frequentemente vejo o canal de TV Muzik e constato que muitos dos espetáculos de dança transmitidos nesse canal estão abaixo do nível das produções artísticas romenas.

A maior realização da minha vida é que Deus me deu a alegria de dançar e de criar. Danço desde que me lembro e espero poder continuar a criar dança enquanto viver.

NOTAS FINAIS

Ion Tugearu é considerado uma das figuras de referência do ballet romeno, um artista que deixou a sua marca na cena nacional desde os anos 60. Foi primeiro bailarino da Ópera Nacional de Bucareste e, ao longo da sua carreira, atuou também como coreógrafo e encenador de espetáculos de dança, contribuindo para a formação de várias gerações de bailarinos. No seu período de maior esplendor, entre os anos 60 e 80, era apelidado de ‘Príncipe do ballet romeno’, graças à sua elegância, força expressiva e notável presença cénica.

Em 2017, ao completar 80 anos, Ioan Tugearu já era visto como uma verdadeira lenda viva da dança romena. Foi homenageado com uma gala especial na Ópera Nacional de Bucareste, um evento dedicado a toda a sua carreira. O espetáculo comemorativo incluiu excertos das suas criações e momentos coreográficos emblemáticos como Ricardo III e Anna Karenina, bem como aparições em que o artista subiu ao palco e dançou de forma simbólica, emocionando o público.

Essa gala não foi um espetáculo clássico, mas antes uma celebração de um destino artístico. Embora já não tenha interpretado papéis completos de grande exigência física, Tugearu regressou ao palco através de breves momentos carregados de significado, transformando o evento numa profunda homenagem. Mesmo nessa idade, a sua presença transmitia a mesma paixão pela dança, confirmando o seu estatuto de grande referência do ballet romeno.

No momento da publicação deste meu artigo, tenho a honra de comunicar telefonicamente com o mestre Ioan Tugearu e de lhe transmitir a alegria de informar sobre a publicação do nosso diálogo no excelente Jornal Cultural ROL!

Uma entrevista realizada por Rhea Cristina. Qualquer uso do conteúdo desta entrevista implica citar a fonte e requer o consentimento prévio por escrito de Rhea Cristina. Todos los derechos reservados © Rhea Cristina, www.cristinarhea.wordpress.com 

Rhea Cristina

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Charla con el genio asiático tecnológico Parvej Husen Talukder desde Bangladesh

Mis queridos amigos planetarios:

Hoy les traigo una charla inspiradora con un gran amigo que me ha dejado asombrado por sus logros a sus apenas 20 años. Les presento a Parvej Husen Talukder, poeta, escritor, emprendedor y aspirante a ingeniero en computación. Nació el 23 de agosto de 2005 en Derai Upazila, Bangladesh. Su padre es médico de aldea y su madre, ama de casa; él es el mayor de cinco hermanos.

Parvej es un verdadero genio asiático de la informática. En la industria tecnológica, destacan sus proyectos: fundador y ex CEO de Kavya Kishor International (KKI), una plataforma nacida para promover la poesía y escritura juvenil en bengalí, que hoy cuenta con autores invitados de diversos países. Es cofundador de WikiGenius y fundador de Bhikitia. Desde inicios de 2026, es miembro del Movimiento Poetas del Mundo, el poeta chileno Luis Arias Manzo, es el fundador y secretario general de este movimiento. Nuestro querido invitado, me lo presentó hace varios meses mi amigo poeta y artista plástico australiano Michael Hislop. 

Talukder, detalla en esta charla los objetivos de estas increíbles iniciativas que ha impulsado en los últimos años, también nos habla de los reconocimientos que ha obtenido a nivel nacional tanto en su mundo poético como emprendedor en el universo digital. Es admirable cómo Parvej contribuye a su país, su idioma y a la comunidad internacional desde sus plataformas digitales, diseñadas con pasión y entrega total. Lamentablemente, muchos jóvenes desperdician su tiempo sin invertir en el conocimiento que está a un clic: ese saber global y universal presente en la pantalla. Él es un ejemplo a seguir en estos tiempos tecnológicos; extiendo mis más sinceras felicitaciones a este joven poeta y emprendedor.

Espero que disfruten este recorrido a través de esta entrevista, en la que exploramos su trayectoria literaria, sus proyectos digitales, su visión sobre el avance acelerado de la IA y otros temas que le apasionan. Los invito a conocer más a este joven que, con escasos recursos económicos, logra éxitos que muchos no consiguen ni con oportunidades privilegiadas. Que su historia inspire a muchos a sacar el máximo provecho de las herramientas tecnológicas a su alcance. ¡Felicidades, amigo poeta! Que tus fantásticas iniciativas alcancen cada día a más personas que comparten tu visión de esta era global.

¿Cómo percibes el mundo actual sin Internet?

Es muy difícil imaginar el mundo actual sin internet. Internet juega un papel muy importante en la educación, la comunicación, los negocios, los servicios médicos y los servicios gubernamentales. Sin internet, las personas no podrían obtener información rápidamente y la comunicación sería mucho más lenta. Los estudiantes no podrían estudiar en línea y el trabajo de investigación sería más difícil.

Hoy en día, muchos trabajos como el comercio electrónico, el trabajo independiente (freelancing) y la banca digital dependen de internet. Sin internet, las actividades económicas serían limitadas y se perderían muchas oportunidades de empleo. La comunicación internacional y los negocios globales también se verían afectados.

Por otro lado, si no hubiera internet, las personas podrían pasar más tiempo en la comunicación social directa y depender menos de la tecnología. Sin embargo, en el mundo moderno actual, internet es una parte esencial de la vida que ayuda a acelerar el desarrollo y hace la vida diaria más fácil.

¿Quién te ha inspirado a emprender en el mundo digital?

Siempre soy una persona creativa e innovadora. Al inicio de mi carrera como escritor, enfrenté muchos problemas inesperados al publicar mi trabajo. De esa experiencia, aprendí y en 2020 inicié Kavya Kishor Online Magazine para ayudar a los nuevos escritores a publicar sus trabajos fácilmente. Es la primera publicación de Kavya Kishor International.

Tengo un gran interés por aprender. En ese tiempo, yo era estudiante de escuela. Ahorré mi dinero de bolsillo y compré un dominio y un hosting. Más tarde, usé el teléfono de mi madre para aprender WordPress y construí el sitio web yo mismo. El sitio web todavía está activo kavyakishor.com. El proyecto Kavya Kishor recibió una buena respuesta tanto dentro como fuera del país, lo que me motivó a trabajar más en el mundo digital y crear cosas nuevas.

Recientemente recibiste el título de “Rey Rimista de la Región Haor”. ¿En qué consiste este reconocimiento y cuál fue el motivo por el que te lo otorgaron?

Sí, este es un evento de 2021. Nací en una zona remota de los Haor de Bangladesh. Desde muy joven, alrededor de los 14 o 15 años, mis escritos comenzaron a publicarse en diferentes periódicos nacionales. Más tarde, los medios de comunicación locales también publicaron entrevistas y reportajes sobre mis trabajos literarios.

Poco a poco, desde la región de Haor hasta todo el país, obtuve un reconocimiento respetable por mi contribución a la poesía y las rimas, gracias a los reportajes de los medios y al cariño y apoyo de la gente.

¿Cuál es tu fuerte o estilo principal para escribir?

Mi principal fortaleza al escribir es la creatividad, el uso de un lenguaje sencillo pero rítmico, y la capacidad de conectar emociones con la realidad social y la vida cotidiana. Me especializo principalmente en la poesía, la rima y la literatura infantil, donde intento transmitir mensajes positivos, educativos y motivacionales.

Mi estilo se caracteriza por la fluidez del ritmo en las rimas, la narración de experiencias personales y la representación de la vida en zonas rurales y regiones como los haors de Bangladesh. También me enfoco en inspirar a los nuevos escritores y promover la creatividad en la literatura juvenil.

Además, mis escritos suelen combinar imaginación, valores sociales y aprendizaje, con el objetivo de hacer la literatura accesible y atractiva para los lectores jóvenes.

¿Cuántos libros has publicado y en qué idiomas están disponibles?

He publicado varios libros hasta ahora. Entre ellos están Chorar Jhalak (rimas), Mojar Porha Chondo Chora (rimas y poemas), Smrithir Alponay Kavya (poesía) y Chawa Na Chawa (una novela corta). Estos libros se han publicado principalmente en idioma bengalí. También tengo algunos libros individuales y conjuntos en inglés de diferentes géneros.

El objetivo principal de mi escritura era desarrollar la literatura bengalí y la literatura infantil. En el futuro, planeo publicar mis trabajos en inglés y otros idiomas para que más lectores internacionales puedan leer mis escritos.

¿Qué poetas de Bangladesh nos recomiendas leer?

Si quieres comenzar a leer poesía de Bangladesh, puedes explorar a algunos poetas muy influyentes como Kazi Nazrul Islam (Poeta nacional de Bangladesh), conocido por su poesía revolucionaria sobre la libertad y la justicia social; Jasim Uddin, famoso por retratar la vida rural, el folclore y las emociones simples del campo bengalí con un lenguaje muy accesible; y Shamsur Rahman, uno de los principales representantes de la poesía moderna con temas urbanos, políticos e identitarios. Estos poetas ofrecen una excelente introducción a la riqueza y diversidad de la poesía bengalí.

Eres el fundador y ex CEO de Kavya Kishor International (KKI). ¿Puedes hablarnos de esta iniciativa?

Soy el fundador y ex CEO de Kavya Kishor International (KKI). Es una plataforma literaria y creativa global que comencé el 1 de agosto de 2020. La iniciativa empezó como una pequeña revista literaria bengalí llamada Kavya Kishor, enfocada principalmente en la literatura juvenil, la poesía y la escritura creativa.

Al principio fue difícil cubrir los costos de publicación, y apoyé el proyecto con mis propios ahorros. Sin embargo, con la orientación de personas respetadas en Bangladesh, la revista creció lentamente y comenzó a publicarse regularmente desde octubre de 2020.

En 2021, la revista se expandió y pasó a llamarse Kavya Kishor Worldwide, lanzando dos publicaciones separadas: una revista bengalí llamada Monthly Kavya Kishor y una revista en inglés llamada Kavya Kishor English. La revista en inglés estuvo dirigida por la poeta y académica Profesora Nilufar Jahan del Kabi Nazrul Government College de Dhaka.

Para 2022, KKI comenzó a atraer escritores y lectores internacionales. Escritores de países como Kirguistán y Australia contribuyeron a la revista. En 2023, el poeta Michael Hislop se unió como editor ejecutivo de la publicación en inglés.

En septiembre de 2023, Kavya Kishor Worldwide se transformó oficialmente en Kavya Kishor International (KKI), una organización literaria internacional sin fines de lucro. En ese momento, la revista en inglés se suspendió, mientras que la publicación bengalí continuó junto con una nueva revista internacional llamada Luminance.

Hoy en día, KKI funciona como una plataforma creativa global que promueve la literatura, la paz y los valores humanitarios. Publica poesía, ficción, ensayos, traducciones y arte digital de creadores de todo el mundo. La organización también trabaja en proyectos culturales digitales y busca apoyar a jóvenes escritores, especialmente de Bangladesh y otras regiones en desarrollo.

En general, mi visión, junto con el Asesor Principal de KKI, Michael Hislop, es construir una comunidad literaria global que conecte cultura, tecnología y creatividad, al mismo tiempo que dé voz a escritores jóvenes y emergentes de todo el mundo.

Eres cofundador de la plataforma WikiGenius. ¿Cuáles son sus objetivos específicos?

Soy uno de los cofundadores de WikiGenius, un directorio en línea y plataforma tipo enciclopedia en formato wiki que se enfoca en perfiles de personas notables, empresas y diversos temas de todo el mundo. A diferencia de las enciclopedias tradicionales con reglas estrictas de notoriedad, es una plataforma más abierta y fácil de usar, que permite crear páginas verificadas sobre una variedad más amplia de temas.

Lancé el proyecto en 2023 junto con mi amigo Shovon Ahmed, quien es empresario. Como cofundador, me encargué del desarrollo web y de la configuración técnica del proyecto.

Mi visión original para el proyecto era un poco diferente de cómo finalmente evolucionó; algunas ideas no coincidieron con la dirección preferida por mi(s) cofundador(es), por lo que con el tiempo me alejé de las actividades diarias. Actualmente no participo activamente en las operaciones, pero sigo vinculado como cofundador. Ocasionalmente doy consejos para ayudar a que el proyecto crezca (ya se ha vuelto bastante popular en su nicho), y si surge algún problema técnico o se necesita ayuda en desarrollo, con gusto apoyo al equipo.

¿Cuál es la visión y misión de Bhikitia?

Como fundador de Bhikitia, mi visión es construir una plataforma de conocimiento abierta e inclusiva que se enfoque en todo tipo de conocimiento general sobre Bangladesh y el mundo. Quiero que Bhikitia sea un lugar donde las personas puedan encontrar fácilmente información sobre historia, cultura, ciencia, personas y temas actuales, especialmente en bengalí y otros idiomas en crecimiento.

Nuestra misión es hacer que el conocimiento sea libre, sencillo y accesible para todos. No seguimos estrictamente las reglas tradicionales de notoriedad al estilo de Wikipedia. En cambio, seguimos nuestras propias normas claras y justas. Si una persona es reconocida o celebrada por un trabajo significativo en su campo, para nosotros es notable. Creemos que el conocimiento no debe estar limitado por reglas demasiado rígidas. Nuestro objetivo es crear una enciclopedia equilibrada y colaborativa que apoye las voces locales mientras las conecta con una audiencia global.

¿Qué tal han sido los resultados de Bhikitia desde su lanzamiento?

Desde su lanzamiento, Bhikitia ha recibido un fuerte apoyo del público por parte de muchos usuarios. La plataforma creció rápidamente hasta alcanzar más de 1,000 artículos creados por voluntarios. Bhikitia sigue su propia filosofía de conocimiento abierto, en lugar de las estrictas reglas de notoriedad al estilo de Wikipedia. En Bhikitia, consideramos que las personas o los temas son notables si son reconocidos, celebrados o han realizado contribuciones significativas a través de su trabajo.

Hubo críticas por parte de algunas personas y comunidades relacionadas con Wikipedia. Un administrador de Wikipedia en bengalí, Aftabuzzaman Ullah, envió públicamente un correo electrónico expresando fuertes críticas sobre Bhikitia a Daily Jalalabad, un periódico que anteriormente había publicado noticias positivas sobre Bhikitia. Rechazó firmemente estas afirmaciones. Bhikitia es una plataforma de conocimiento abierta, independiente y sin fines de lucro, creada para apoyar el intercambio de conocimiento en bengalí y a nivel global.

En mi opinión, estas reacciones ocurrieron porque Bhikitia sigue una filosofía de conocimiento diferente a los modelos tradicionales de enciclopedias. Bhikitia no busca competir con ninguna plataforma, sino crear un espacio alternativo de conocimiento.

Como muchas plataformas abiertas, Bhikitia también ha enfrentado intentos de vandalismo, lo cual es normal en proyectos impulsados por la comunidad. Estamos mejorando continuamente nuestros sistemas de seguridad, moderación y tecnología para proteger la plataforma.

A pesar de las críticas, Bhikitia continúa creciendo y recibiendo apoyo de muchos usuarios. Nuestro objetivo es construir un ecosistema de conocimiento educativo, abierto y sólido que apoye el conocimiento en idiomas locales y el aprendizaje global.

¿Qué opinan tus padres de los proyectos que has emprendido?

Actualmente tengo varios proyectos, pero Bhikitia y Kavya Kishor International son mis principales y más importantes proyectos. Los miembros de mi familia siempre están a mi lado y apoyan mis iniciativas. Su apoyo y motivación me inspiran a hacer cosas nuevas y seguir avanzando.

Sin duda eres un amante de la tecnología y has emprendido muchos proyectos. ¿De qué manera has sabido equilibrar la poesía, la ingeniería, gestión cultural, periodismo y vida social?

No veo la tecnología y la literatura como campos separados; para mí, todo se mide por el estándar de la creatividad. Practicar la poesía y programar códigos me parecen dos formas de expresión rítmica. La lógica del código y la elección de las palabras en la poesía son, para mí, lenguajes de la creatividad. Por eso he obtenido premios en ambos campos. Recientemente, un equipo liderado por mí (equipo de 2 miembros) se coronó campeón en un concurso intrauniversitario de programación competitiva.

Actualmente, dedico tiempo a mis proyectos en curso de manera semanal. Para los proyectos que requieren atención continua, trabajamos con un equipo de voluntarios para apoyar las tareas. Cabe destacar que la mayoría de mis proyectos son sin fines de lucro. En el ámbito del periodismo, trabajo como periodista independiente. Por ahora, solo escribo noticias o columnas de opinión sobre temas específicos y no de manera regular, aunque continuaré escribiendo según sea necesario en el futuro.

Desde tu perspectiva como ingeniero informático, ¿qué le espera a la humanidad con el avance rápido que está escalando la IA?

El rápido avance de la IA puede traer tanto grandes oportunidades como desafíos para la humanidad. Mejorará la productividad, la medicina y la educación, además de ayudar a automatizar muchas tareas. Sin embargo, no creo que los riesgos de pérdida de empleo, privacidad y problemas éticos sean demasiado profundos. En el futuro, se espera que la IA se utilice principalmente como una tecnología de apoyo para los seres humanos. Muchas personas tienen diferentes opiniones, pero no debemos olvidar que la IA no puede crearse ni funcionar por sí sola; siempre necesita la intervención humana. Por lo tanto, la IA es principalmente una tecnología de apoyo y no un competidor.

¿Qué representa para ti haber nacido en el albor del siglo XXI?

No pensé demasiado sobre lo que significa haber nacido a principios del siglo XXI. Sin embargo, haber nacido en esta época me permitió familiarizarme con la tecnología, la información y la innovación desde mi niñez, y despertó mi interés en trabajar en el mundo digital. Creo que esta época me ha dado oportunidades en conocimiento digital, creatividad y comunicación global, lo que me inspira a aprender y crear cosas nuevas.

¿En qué proyectos literarios y tecnológicos estás trabajando actualmente?

Actualmente estoy escribiendo un libro sobre temas políticos y espero poder terminarlo muy pronto. Durante este tiempo, me he alejado un poco de la práctica de la poesía y la escritura de versos.

Aunque actualmente estoy enfocado en la programación competitiva, no estoy trabajando en ningún proyecto de uso público o de código abierto. Sin embargo, con fines de práctica, estoy desarrollando una aplicación web de gestión de concursos basada en pagos, lo que me ayudará a mejorar mis habilidades técnicas.

• En el siguiente enlace podrán disfrutar de un vídeo que nos ha compartido en inglés desde Bangladés el poeta Parvej Hüsen Talukder: https://n9.cl/9gmma

Carlos Javier Jarquín

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Magna Aspásia Fontenelle

‘Entrevista com o escritor Kosovar Vilson Culaj’

Entre memória e esperança, a literatura ergue sua voz como ponte entre povos e tempos. Vilson Culaj, escritor kosovar, constrói sua obra a partir das brasas da experiência humana, tecendo narrativas que dialogam com a história, a identidade do seu povo.

Em “A Fornalha de Nabucodonosor”, o autor transforma o fogo em metáfora do sofrimento, da purificação e da reinvenção, convidando o leitor a uma travessia sensível pelos caminhos da palavra, da resistência e da esperança.

A literatura tornou-se elo entre fronteiras, unindo passado, presente e futuro numa linguagem universal que o escritor kosovar Vilson Culaj se posiciona por meio de seus escritos, evidenciando seu estilo singular entre história, seu país e suas experiências pessoais.Mantendo suas obras atuais e atemporais, respeitando a história inserida na sua vivência pessoal e laboral.

1 – Conte-nos sobre sua trajetória de vida. Família, labor, sonhos.

VC – Eu nasci em 06 agosto de 1973 em uma cidade chamada Klinë, localizada no noroeste do Kosovo. Sou casado com Liza Radi Culaj, a mulher que completa minha vida em todas as dimensões espirituais, intelectuais e meu espaço literário e de socialização. 

Do fruto do nosso amor, temos três filhos Beatrice, Eliente e Nikolla, todos os três concluíram os estudos e trabalham em Pristina em suas respectivas profissões. Beatrice – jornalista de TV, Elienta designer profissional e Nikolla trabalha em uma empresa americana de Ciência da Computação. 

Atualmente trabalho como secretário em uma escola primária com 1.500 alunos e 75 professores, exigindo um trabalho administrativo dedicado e um tato e cortesia sublimes. 

Quanto aos sonhos, tenho apenas um sonho: acordar do sonho e realizar minha vida profissional, literária, familiar, e ser uma luz para as gerações mais jovens graças às capacidades que possuo.

2 – Como surgiu sua vocação literária e quais influências marcaram sua trajetória?

VC – Certa vez, em um verso meu, expressei risos, a vida é um chamado como um sino. Nesta disputa, quero dizer que as crianças que crescem com um dos pais longe, mas não separados, têm uma sede mística pela causa da vida e dos vazios emocionais (o meu pai permaneceu na Alemanha por razões econômicas durante 35 anos). 

A partir daí iniciei a busca pela minha vida espiritual, indagando o “porque existencial” num mergulho em dimensões espirituais, por vezes místicas.

Quando acrescentamos essas coisas à cultura maratonista da leitura, acredito estar no caminho correto para cumprir minha missão literária na construção e realização de minha história pessoal.

Meu chamado literário não tem a gênese do romantismo, do Eros ou do Thanatos, mas do Biofil, da harmonia, da paz (amor, existência e filantropia), contudo nas travessias das provações para que o homem visionário, conhecedor e valioso possa ser posto em ação como guia e se tornar o guardião das orientações do novo para as nações e para o mundo.

 A vida me ensinou que, o ignorante é o travesseiro do diabo. 

Então vamos pedir um outro tipo de homem no mundo iluminado que não ande nas trevas.

3 – O que o inspirou a escrever A Fornalha de Nabucodonosor?

VC – Na vida, o evento deve acontecer, caso contrário, como poderíamos entender a lei da quebra no mar ‘’ Certa vez refleti em um versículo meu. E como a vida é paz e tempestade, aos 25 anos, vivi a última guerra no Kosovo, tal como os meus antepassados viveram. 

Na vida, o acontecimento precisa ocorrer; caso contrário, como poderíamos compreender a lei da ruptura no mar, refletida outrora em um de meus versos. Observei   que a vida é feita de paz e tempestade, aos 25 anos vivi a última guerra no Kosovo, assim como a viveram meus antepassados diante do mesmo inimigo antigo.

Negar a um povo 2.000 anos de história, existência e direito natural e expulsar o povo de Israel para além das suas fronteiras naturais, tal como fez outrora o Rei Nabucodonosor, não havia outra forma de acontecer nem outra maneira para que eu começasse um romance e colocasse esses dramas coletivos e nacionais no papel.

 É o fogo e o forno que queimam, mas não extinguem o ser descrito neste romance, como Ester de época, aqui se realiza o sacrifício da mulher albanesa, que a partir da tragédia se transformou em uma mensagem histórica da sobrevivência de um povo esquecido pelos mapas antigos.  

4 – Por que escolheu Nabucodonosor como símbolo central da obra?

VC – Deve haver um tirano para falar sobre os dramas de uma nação inocente como o povo albanês. Nabucodonosor foi a metáfora literária e o protótipo do líder sérvio Milosevic, que, alimentado pelo ódio nacional e ideológico e pela síndrome do colapso, negou tudo o que era albanês, até atos genocidas, homicídio cultural, religioso, étnico e existência. 

A última mensagem deste romance é a metáfora de que, se um povo não repetir sua trágica história, ele deve primeiro estar ciente de sua origem, da liberdade conquistada, do sacrifício ao longo dos séculos e do sangramento para se integrar aos povos livres do mundo. 

E a mensagem aos tiranos é que na história do mundo eles não o ditam, mas sim, o plano Divino de Deus e o direito natural de existir.  

5 – Conte-nos sobre suas obras literárias, poética.

VC – Como qualquer jovem, comecei com poesia ou com a primeira obra, “Sons Inéditos” que foi extremamente bem recebida pelos leitores. Foi um bom sinal de que eu tinha um sistema organizado de ideias e grandes inspirações para continuar a maratona literária após essa publicação. 

Os acontecimentos recentes da guerra me impulsionaram para novas inspirações e publiquei o romance, “Forno de Nabucodonosor”, para chegar ao livro de poemas, DAHO & VE ‘’ que na quebra simbólica da mensagem expõe o amor horizontal e pessoal. 

Portanto, o amor a Deus e ao homem, onde ambos juntos dão o sinal de salvação e felicidade interpessoal. O quarto livro é uma antologia poética, “Partida Desfeita”, dedicada ao conhecido escritor infantil Rifat Kukaj, que foi extremamente bem recebida pelos leitores. 

O quinto livro é uma curta prosa psicológica, “Tempestade Adormecida”, sobre a qual dezenas de críticas e análises literárias foram escritas. 

Estou convencido de que o romance, “Os Excluídos”’, no qual trabalhei por  14 anos, é meu auge literário porque cerca de 25 críticas literárias foram escritas sobre ele e grandes promoções foram feitas, incluindo Pristina, Shkodra e Tirana, onde este romance ganhou em 2015 o prêmio literário de romance do ano. 

O livro poético, “Duas Vezes” segundo a crítica literária é um hino literário e poético e ainda circulam opiniões e debates sobre os valores artísticos deste livro.

 Depois publiquei o romance, “Amor Intocável”, ganhador de dois prêmios literários, incluindo um prestigioso prêmio, “Dom Ndre Mjeda” em Tirana, compartilhado pela Academia Literária em Mirdita, publiquei o livro poético “O Muro da Memória”, que foi comtemplado com muitas avaliações e críticas literárias. 

Minha maratona literária foi precedida pela antologia e livro de estudos,” No Reino Poético de ´ ZEJNULLAH  HALIL ‘’, livro que conquistou a opinião e a mídia por seus valores literários, seguido por dois livros com críticas literárias: volume 1- A Luz do Conhecimento”, que inclui 63 análises literárias de minha parte para nomes eminentes da literatura albanesa, volume 2: A Luz do conhecimento composto de 50 críticas literárias de outros críticos e da minha literatura pessoal. 

Em 10 de janeiro de 2026 foi publicado o romance histórico, 7 DIAS À MESA COM MONSENHOR. MARK SOPIN ‘’ uma figura clerical emblemática, abordagem humana e diplomática. 

Amigo próximo do presidente Ibrahim Rugova e filantropo sem excelência. Este romance foi promovido no salão cultural Pogdani Polis, localizado no edifício da Catedral de Madre Teresa, em Pristina, na presença de um número extremamente grande de participantes e intelectuais proeminentes do Kosovo e da Albânia.  

6 – Como a história e a identidade kosovar atravessam sua narrativa?

VC – Penso, logo, existo, segundo Descartes, mas não pretendo atingir as alturas literárias apenas mediante emoções, experiências pessoais e sociais, racionalismo etc., mas por meio de um espiritismo expresso e de uma intuição sociológica e histórica que me chama de segunda voz no deserto. 

O universal e o local para mim são duas faces da moeda, sem a qual um talento ou valor monetário não pode chegar ao seu mercado, ou missão. O universal torna você livre, enquanto o local às vezes endurece suas visões. 

Entretanto, compartilho da opinião de que a troca de culturas e realidades históricas é a riqueza e a necessidade da humanidade. Você não pode simplesmente terminar de fumar um cigarro e nem morrer, disse uma vez um ganhador do Nobel russo. 

Quanto à minha identidade literária e albanesa nacional, está se tornou uma tradição literária e uma consciência elevada, mas na verdade gosto de ser um “peixe’’ do mar e não do pântano, não de nenhum superego expresso e sinto que a luz quando é chamada assim, não deve interromper a jornada em direção àqueles espaços celestiais. 

O sacrifício pelo gueto às vezes alimenta apenas mitos e sombras de valores, enquanto servir significa reinar em outros espaços espirituais, culturais e literários…

Não estou dizendo que sou um detector de eventos e histórias dentro da minha nação, mas meus escritos se assemelham a uma grande verdade, onde revelam realidades históricas vivenciadas pelos olhos e corações de muitas pessoas e do mundo exterior. Não há glorificações de “melodias enganosas”, mas drama e emoção no início do novo milênio.  

7- Qual a simbologia da “fornalha” no contexto humano e social?

VC-Esse simbolismo literário tem muitas visões, mas a mensagem principal é o fogo catártico para uma nação desprezada há séculos. É a guerra de Davi com Golias e o espírito, assim como, os altos ideais de uma pequena nação que nunca se rende ao mal.

 O forno é o estado em que o fogo queima e tenta sem poder extinguir o ser e as visões de uma nação e do indivíduo. 

Este forno de martírio babilônico e bíblico, é um sino para os ouvidos dos outros de que as nações não devem ser pisoteadas, mas devem ter uma grande chance de liberdade e integração.

Nenhuma dança mortal serve ao mundo sem a melodia da paz. Se voltarmos ao passado em nossa memória, entenderemos que o mundo inteiro é irmão e irmã no Jardim do Éden. 

Nós, como criaturas, não devemos nos tornar uma fornalha do Holocausto que destrói, mas, um caminho que se abre para a liberdade e a humanidade, como os rios que unem as margens. Quem tem coração pode experimentar ambos…    

8 – Qual é, hoje, o papel da literatura kosovar diante das crises do mundo?

VC – Na minha opinião, a literatura do Kosovo é substancial porque nasce de dramas, eventos dolorosos, grandes inspirações e do desejo de uma vida integrada, bem como da sede de transcender sua cultura ancestral, ou melhor, europeia. 

A literatura albanesa do Kosovo precisa de abertura, de contato com a literatura mundial como uma espécie de catapulta cultural, para projetar novos valores além das fronteiras nacionais.

A guetização da literatura é inimiga dos escritores. Os apelos poéticos e literários não devem ser limitados, assim como o espírito e a liberdade. 

A grande oportunidade de abertura literária e a influência dessa literatura no mundo estão batendo à nossa porta. Traduzir essa literatura para outros idiomas abriria novos caminhos para uma parceria literária.

A barreira linguística deve ser eliminada por outros meios para que se alcancem os prazeres da ascensão, como diria Márquez.

9 – Que impacto espera causar nos leitores?

VC- O bom semeador não reclama nem na terra nem no céu. Seu objetivo é plantar sementes literárias. Quanto ao nível nacional, acredito que criei um nome na literatura, mas ficaria feliz se a literatura brasileira e a de outras nações me acolhessem como um filho perdido no tempo. 

Somente a alma que sente e a luz não pedem permissão para suas viagens. Eles não têm começo nem fim. Tal catapulta me ajudaria a expressar meus valores literários que ficam sentados e esperam sedentos no portão do céu.   

10 – Deixe uma mensagem para os escritores brasileiro.

VC-O Brasil é uma grande nação e possui herança literária ao nível mundial. Seu modelo literário tem em si espiritismo, drama, valor e progresso. Este grande atlas da cultura mundial servir-nos-ia como pequenos povos para nos elevar a dimensões superiores. 

O universal é o meu sangramento cultural, embora o nacional muitas vezes saiba como nos endurecer. 

Desejo que esta minha entrevista seja uma janela para mim e uma ponte literária entre estes dois povos. Um sorriso cheio de graça da alma pode mudar a vida de uma pessoa, disse Madre Teresa certa vez.   

 Muito obrigada pela sua participação!

Abraços poéticos!

Sobre o entrevistado

Vilson Culaj nasceu em 6 de agosto de 1973, em Klinë, Kosovo. Concluiu o ensino fundamental e médio em sua cidade natal e graduou-se em Direito pela Universidade de Pristina, onde também realizou estudos de pós-graduação em Relações Internacionais e Diplomacia.

Iniciou sua trajetória literária ainda no ensino médio, colaborando com diversos jornais e revistas culturais e literárias do Kosovo, do Montenegro e da Albânia. Atua nos gêneros de ensaio, poesia, prosa e crítica literária, destacando-se pela profundidade filosófica e psicológica de seus textos.

Desde a década de 1990, participa ativamente da vida cultural e literária em Kosovo e em outros países, integrando inúmeros encontros, festivais e manifestações literárias, nos quais recebeu importantes prêmios e reconhecimentos, incluindo distinções por prosa e poesia. Entre os principais prêmios, destacam-se: Prozador do Ano (2016), Prêmio de Carreira (2019), 1º Prêmio de Poesia do Albanian Talent Show (2021), 1º lugar no concurso “Ora e Tahir Deskut” (2021) pelo romance Amor Intocado, e o Prêmio NDRE MJEDA (2023), em Tirana, pela melhor prosa.

Profissionalmente, atuou como jornalista no Tribunal Municipal de Klinë, foi professor do ensino fundamental e atualmente exerce a função de secretário escolar. É colaborador ativo da revista literária Mirdita e suas obras constam em antologias e diversas publicações. Seus livros têm sido amplamente estudados e analisados por críticos literários de renome.

Até o momento, ele publicou os seguintes livros:

1. “Tinguj të padëgjueshëm” (Sons Inaudíveis), poesia, Clube dos Escritores “Vorea Ukjo”, Klinë, 1998.
2. “Furëza e Nebukadnetsarit” (A Fornalha de Nabucodonosor), romance, Clube dos Escritores “Vorea Ujko”, Klinë, 2001.
3. “DAHO & VE”, poesia, Editoras “Shpresa” e “Faik Konica”, Pristina, 2003.
4. Organizador da coletânea antológica “Zhbërja e Ikjes” (Partida Desfeita)), poesias dedicatórias de 101 poetas ao escritor Rifat Kukaj, publicada pela SHKK “Anton Pashku”, Pristina, 2006.
5. “Sleeping Storm” (Tempestade Adormecida), prosa, SHKK “Anton Pashku”, Pristina, 2009.
6. “Dy herë” (Duas Vezes), poesia, SHKK “Anton Pashku”, Pristina, 2013.

             É membro da Liga dos Escritores do Kosovo desde 2002.

7. “Të Dëbuarit” (Os Exilados), romance, 2015 — seu sétimo livro consecutivo, ultrapassando fronteiras nacionais pelo valor artístico, ideológico e pela força de sua mensagem.
8. “Dashuri e Paprekur” (Amor Intocável), romance, Editora Jakup Ceraja, Pristina, 2021.
9. “Muri i Kujtesës” (O Muro da Memória), poesia, Editora Jakup Ceraja, Pristina, 2021 — seu nono livro consecutivo.
10. “Në Parajsë (po) Etika nga Zejnullah Halil” (No Paraíso, a (po)ética, de Zejnullah Halil) — seu décimo primeiro livro consecutivo.
11. “Në dritën e dijes 1” (À Luz do Saber 1), crítica literária — décimo primeiro livro.
12. “Në dritën e dijes 2” (À Luz do Saber 2), crítica literária — décimo segundo livro consecutivo.
13. “Shtatë ditë në tryezë me Imzot Mark Sopi” (Sete Dias à Mesa com Dom Mark Sopi), romance — obra subsequente.

Magna Aspásia Fontenelle

Esta entrevista é parte da parceria entre ALB/ Uberaba- AAP-BRASIL e AAP-Albania

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Carlos Javier Jarquín

‘Entrevista con el poeta errante Ron A. Kalman’ 

Queridos amigos planetarios:

Hoy les presento a un amigo, poeta y sobre todo humanista, Ron A. Kalman, nacido el 6 de marzo de 1959 en Haifa, Israel. Sus padres, Gabor J. Kalman y Suzana Kalman, emigraron allí tras abandonar Budapest durante el Levantamiento Húngaro de 1956. A los 3 años, la familia se mudó primero a París, luego a Boulder, Colorado, y finalmente, a los 7 años, se estableció en la zona de Boston, Estados Unidos.

Su infancia estuvo acentuada por viajes constantes por distintos países, donde vivió anécdotas complejas para su edad. Su primer idioma fue el húngaro, seguido del francés y luego el inglés. Esas experiencias itinerantes se reflejan en su obra literaria, caracterizada por un sensible tono autobiográfico. No todos los autores logran transmitir la vida personal con tanta autenticidad como él, su estilo único invita a los lectores no solo a leer, sino a analizar y reflexionar desde la vivencia profunda.

En esta entrevista, Ron nos habla del impacto que ese mundo errante tuvo en su poesía. Como él mismo menciona en una respuesta: “aprendí a observar con cuidado y a cuestionar antes de aceptar cualquier cosa”. Kalman es coautor de CANTO PLANETARIO, Volumen I (H.C. EDITORES, Costa Rica, 2023), donde aparecen dos poemas suyos en versión bilingüe español-inglés, traducidos por la poeta y traductora colombiana María Fernanda Del  Castillo Sucerquia. En la charla, explica brevemente el mensaje de ambos.

Comenzó a escribir con mayor libertad después de los 27 años y, tras muchos años, halló su estilo literario único. Su poesía, inspirada en vivencias como la migración, los idiomas y las culturas, lo convierte en un genuino observador de la cotidianidad en sus múltiples dimensiones. A través de la poesía, a lo largo de su vida, ha sabido transcribir esos mensajes silenciosos que, por circunstancias inexplicables, ha vivido. Espero que disfruten mucho esta entrevista y se den la oportunidad de conocer más a este autor estadounidense errante.

• Entrevista

Nació en Haifa (Israel) de padres que acababan de huir de Budapest, y de niño también vivió en París, Boulder (Colorado) y luego en Boston. ¿De qué maneras han impactado estos traslados en tu obra literaria?

Creo que estar arraigado en un lugar y una cultura particulares tiene mucho que ver con cómo escribes. Como mi familia se mudó tantas veces —todo antes de que yo tuviera siete años— nunca desarrollé un sentido fijo de pertenencia a un solo lugar. Esa inestabilidad temprana moldeó cómo me relacionaba con mi entorno. Aprendí a observar con cuidado y a cuestionar antes de aceptar cualquier cosa.

Muy temprano desarrollé un escepticismo saludable hacia cualquier cosa que oliera a lealtad institucional o patriotismo forzado. Ese escepticismo se extendió a la literatura también. Incluso en la poesía hay tradiciones nacionales y estándares estéticos a los que se espera implícitamente que adhieras. Nunca me sentí atado por esas expectativas. Si algo, mudarme entre culturas me hizo ver el lenguaje como algo fluido.

¿Qué anécdota de vivir en diferentes ciudades durante tu infancia te marcó para siempre?

Cuando llegamos a Boulder, yo tenía seis años y me pusieron directamente en primer grado sin saber una palabra de inglés. Había una niña en la clase que hablaba algo de francés, así que me pegué a ella. Durante dos meses la seguí a todas partes —aula, patio— tratándola como mi intérprete personal.

Un día se volvió hacia mí y me dijo que no quería que me sentara más a su lado.

Fue mi primera lección en independencia y moderación romántica. Aprendí que no es prudente seguir a una mujer por demasiado tiempo. Más importante aún, entendí que tarde o temprano tendría que valerme por mí mismo.

Habiendo crecido en un hogar húngaro y migrado entre Israel, Francia y Estados Unidos, ¿cómo han influido estas experiencias en tu visión poética del mundo y la identidad humana?

Mudarme entre países a una edad tan temprana me enseñó a acercarme a las culturas con humildad. Cuando llego a un lugar nuevo, al principio tiendo a observar más que a participar. Lo que me interesa no es la versión postal de un lugar, sino cómo viven realmente las personas —cómo se hablan, qué valoran, qué asumen sin decirlo.

La migración también me hizo receloso del nacionalismo fácil. Hay una línea fina entre sentir orgullo por tu cultura y elevarla al punto de volverte indiferente —o incluso despectivo— hacia las demás. Habiendo vivido entre lenguajes e historias, nunca me he sentido enteramente contenido en una sola identidad.

Ese sentido de estar en el intermedio se filtra en mi poesía. Mis personajes a menudo tienen una cualidad apátrida. Aunque he vivido casi toda mi vida en Estados Unidos, una parte de mí probablemente siempre permanecerá ligeramente fuera del marco —observando, traduciendo, perteneciendo y no perteneciendo al mismo tiempo.

¿A qué edad despertó tu pasión por la poesía?

Llegué a la poesía relativamente tarde —a los veintisiete. Es cierto que de niño ocasionalmente garabateaba un poema, y a los doce un profesor se maravilló con algo que escribí para una tarea. Pero me atraían mucho más las novelas que la poesía, que me parecía distante.

Después de la universidad, cuando empecé a tomarme la escritura en serio, naturalmente me volví hacia la ficción. Pasé varios años luchando con la forma novelística, tratando de hacerla acomodar ideas, personajes y lugares que me importaban. Solo por agotamiento —cuando estaba al borde de abandonar la escritura por completo— tropecé con la poesía.

Lo que llegó como una revelación fue que ideas que habían sido forzadas en forma narrativa se manifestaban en poesía con sorprendente facilidad. Entendí entonces que mi problema no había sido falta de compromiso, sino un desajuste de forma.

¿Qué autores han influido principalmente en tu obra poética?

Cuando aún estaba empeñado en escribir una novela, Henry Miller tuvo un impacto significativo en mí. A menudo se le recuerda por su tratamiento franco, incluso notorio, de la sexualidad, pero lo que me interesó más profundamente fue su lucha artística. Durante años buscó una voz que le pareciera auténtica. Solo después de mudarse a París en los años 30 algo se desbloqueó. La prosa se volvió exuberante, desafiante, sin disculpas, viva. Ese sentido de autodescubrimiento artístico se quedó conmigo.

En poesía, encontré una vitalidad comparable en Frank O’Hara. Después de mudarse a Nueva York en los años 50, se convirtió en una figura central en el mundo del arte del centro de la ciudad, estrechamente asociado con los expresionistas abstractos. Sus llamados poemas “hago esto, hago aquello” capturaban la inmediatez de la experiencia vivida —almuerzos, llamadas telefónicas, paseos por Manhattan— con ingenio y velocidad. Lo que admiraba era la sensación de que la poesía podía desplegarse en tiempo real, que la vida diaria misma podía llevar intensidad lírica.

¿Cuáles son los temas centrales que abordas en tu obra poética?

Me interesa cómo los momentos ordinarios, cuando se examinan de cerca, empiezan a llevar peso estético, y cómo el acto de escribir a su vez altera la percepción de la vida diaria.

Varios críticos han observado que muchos de mis poemas se detienen en la textura de lo cotidiano —conversaciones con amigos, interacciones entre amantes, los rituales silenciosos de leer y escribir. No veo estos temas como modestos o incidentales. Al contrario, creo que dentro de la vida ordinaria yacen las tensiones más grandes de la condición humana.

Si hay un impulso guía en mi poesía, es mostrar cómo el momento aparentemente pequeño puede abrirse a algo más expansivo —cómo el arte no está aparte de la vida, sino que crece directamente de ella.

¿Puedes contarnos sobre el mensaje principal de los poemas tuyos que publicamos en CANTO PLANETARIO?

Ambos poemas reflejan mi preocupación por cómo las grandes fuerzas políticas y ambientales entran en la vida ordinaria.

En My Next Car (mi próximo auto), una decisión aparentemente simple —si comprar o no un vehículo eléctrico— se abre a una reflexión sobre el cambio climático, la ideología y la incertidumbre. Una elección privada se vuelve inseparable del tumulto público.

En Cod (Bacalao), la migración forzada hacia el norte del bacalao atlántico se convierte en un espejo de nuestro propio futuro. Si incluso los peces deben reubicarse por el colapso ambiental, ¿qué sugiere eso sobre nosotros? En ambos poemas, el desplazamiento ya no es meramente personal —es ecológico y cada vez más inevitable. 

¿Qué ha significado para ti que parte de tu obra literaria haya sido traducida a diferentes idiomas?

Me siento afortunado de que mi obra haya sido traducida —no solo al español, sino también al húngaro. Dadas las raíces húngaras de mi familia (el húngaro fue mi primer idioma) y mi propio movimiento entre culturas, ver mis poemas entrar en otro idioma tiene una resonancia particular para mí.

La traducción siempre es un riesgo. Un poema depende tanto del ritmo, el tono y el matiz que puede sentirse frágil al cruzarse fronteras lingüísticas. Cuando un poema sobrevive ese viaje —cuando sigue hablando a lectores en otro país— sugiere que algo esencial en él no está atado a un solo idioma.

Afirma mi esperanza de que la poesía anclada en la vida ordinaria y la experiencia personal aún pueda alcanzar algo compartido. Me siento tanto humillado como conmovido al ver que mi obra ha encontrado lectores en otros idiomas.

¿Puedes contarnos sobre tu libro Appearance of the Sun, (Main Street Rag Publishing, 2021)?

La mayoría de los poemas de Appearance of the Sun fueron escritos durante la primera década después de que empecé a escribir poesía a los veintisiete. Aunque algunas piezas están ambientadas en lugares tan variados como Grecia, Hungría, Francia y San Francisco, el centro emocional de la colección es Harvard Square, donde vivía en ese entonces. En esa época aún conservaba algo del aura bohemia que había adquirido en los años 60.

Los poemas relatan un período formativo en mi vida cuando las amistades, enredos románticos, ambición artística y la formación de mi voz eran mis preocupaciones primordiales.

Me tomó más de veinte años encontrar un editor para el manuscrito, lo que hace que su recepción eventual sea aún más significativa. Me gratificó que el libro fuera bien recibido, con poemas individuales apareciendo en varios países sudamericanos y en Europa. Un poema fue incluido en una antología internacional publicada en Serbia, y toda la colección fue traducida después al húngaro y serializada en una revista literaria. Su recepción compensó su largo viaje hacia la publicación.

¿Por qué, después de completar tu Máster en Bellas Artes, decidiste trabajar como mensajero en un hospital y luego como chófer de limusina?

Es común en Estados Unidos que los poetas con un MFA persigan una carrera académica. Elegí no tomar ese camino, en parte porque no me atraía enseñar y en parte porque la academia puede fomentar una cierta profesionalización de la voz que no se alineaba con mi estética.

Mi escritura siempre ha estado anclada en la experiencia vivida, y quería que mi vida de escritura y mi vida real permanecieran estrechamente entrelazadas.

Trabajar primero como mensajero en un hospital —transportando especímenes, sangre y médicos entre instalaciones— y luego como chófer de limusina me dio algo invaluable: independencia. Pude pagar mis cuentas sin tener que conformarme artísticamente. También me mantuvo en contacto con una amplia gama de personas y situaciones que ningún taller podría replicar.

Desde tu perspectiva como poeta, ¿qué piensas sobre el rápido avance de la inteligencia artificial (IA)?

Creo que la inteligencia artificial puede ser una herramienta valiosa en muchos campos. Pero en relación con las artes, me acerco a ella con cautela.

La IA puede generar textos que se asemejan a poemas. Pueden imitar estilo, estructura, incluso tono. Pero para mí, el arte no se define solo por cómo se ve o suena. Emerge de la conciencia —de la experiencia vivida, de la lucha, de la contradicción, de la presión de una vida particular desplegándose en el tiempo.

Para entender plenamente una obra de arte, creo que debe situarse dentro de un parámetro humano. Debemos considerar qué la precedió, qué la siguió y cómo se relaciona con la biografía del artista. Recientemente leí una biografía de Willem de Kooning que arrojó luz sobre sus famosas pinturas de mujeres. Saber algo sobre su historia, relaciones y conflictos profundizó la obra.

¿Alguna vez leeremos una biografía de un algoritmo? ¿Podemos preguntar cómo su infancia moldeó un verso, o cómo sus decepciones alteraron su imaginería?

Para mí, el arte es inseparable de la lucha y la vulnerabilidad. La IA puede simular expresión, pero no arriesga nada en el acto de creación. Y sin riesgo, no estoy seguro de que la palabra “arte” aplique plenamente.

¿Qué nuevas publicaciones literarias puedes compartir con nosotros?

Estoy muy ansioso por la publicación de la antología poética bilingüe español-inglés sobre la PAZ que tú, Carlos Javier, estás preparando y que este año verá la luz. Me siento afortunado de tener dos de mis poemas incluidos en ella, especialmente dada su escala internacional y su amplia lectoría.

Al mismo tiempo, estoy trabajando en un nuevo libro de poesía que aún está en progreso. Prefiero no decir demasiado sobre él, ya que describir un proyecto prematuramente a veces puede disminuir la energía que lo sostiene. Pero espero tenerlo listo para publicación en un futuro cercano.

¿Tienes algún proyecto en curso para publicar una colección de poesía bilingüe español-inglés?

En este momento, no tengo planes para publicar una colección bilingüe español-inglés. Sin embargo, es una idea que me atrae.

Aproximadamente dos tercios de Appearance of the Sun ya han sido traducidos al español, y esos poemas han sido bien recibidos en países de habla hispana. Una edición bilingüe se sentiría como una extensión natural de ese trabajo.

Si la logística —editor, formato, distribución— se puede alinear, ciertamente es un proyecto que acogería con gusto.

Estimado Carlos Javier, finalmente, me gustaría agradecerte por tus preguntas reflexivas y por darme la oportunidad de reflexionar públicamente sobre estos aspectos de mi obra. Ha sido un intercambio significativo.

Querido y admirable poeta Ron A. Kalman, te agradezco enormemente que nos hayas permitido conocer un poco más de tu vida y trayectoria literaria. Ha sido un verdadero placer charlar contigo a través de este formato. Te deseo muchos éxitos en cada uno de tus proyectos.

En el siguiente enlace, leo un poema de la autoría de nuestro poeta entrevistado: https://n9.cl/k2t2iw 

• Nota: la presente entrevista ha sido traducida del inglés al español mediante Perplexity AI.

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“Escolho o som que traduz o que sinto, mesmo quando nem eu sei explicar. A estética, para mim, também é sobrevivência.” (Zekhalifa Successor)

Zekhalifa Successor é um artista moldado cedo pela vida e pela urgência de dizer. Profissional desde a infância, encontrou na música um espaço de resistência, identidade e verdade. Nesta entrevista com Bruno Areno, ele fala sobre origem, silêncio, ruptura estética e a necessidade de criar sem pedir permissão — não para ser famoso, mas para permanecer inteiro.

Entrevista com Zekhalifa Successor.

Bruno Areno: Zekhalifa, você começou cedo demais para o mundo e cedo demais para o sonho. Aos 7 anos já era profissional. Que parte da sua infância você perdeu e qual parte você transformou em música para não enlouquecer?

ZK: Perdi o tempo despreocupado. Aquele tempo em que a infância corre sem saber que corre. Enquanto outros brincavam, eu já aprendia a cair. A escola não me segurou — não por falta de vontade, mas porque a vida me puxava pelo braço. Então entreguei minha confusão à música. Ela virou o lugar onde minha criança ainda respira sem pedir desculpas.

Bruno Areno: Você vem de Nampula, mas sua música não parece pedir permissão a um lugar específico. Quando você canta, você quer representar sua província ou escapar dela?

ZK: Nem sempre canto para representar um chão. Às vezes canto para alargar o chão. Trago sons que não eram esperados, não para negar minha terra, mas para dizer aos meus conterrâneos que o possível é maior do que o hábito. Inovar também é um gesto de amor.

Bruno Areno: Seu pai e sua mãe estiveram fora do mercado de trabalho formal. Isso te ensinou mais sobre fragilidade ou sobre resistência? Onde essa verdade aparece nas suas letras?

ZK: Aprendi resistência. Aprendi que a vida não pede licença. Ter nascido assim me moldou. Se tivesse vindo de um berço confortável, talvez nunca tivesse aprendido a sonhar com fome, nem a investir em mim mesmo. Minhas letras carregam essa verdade: a de quem aprendeu a ficar de pé sem apoio.

Bruno Areno: R&B, trap-melodic, zouk, afrobeat… você mistura gêneros como quem mistura feridas. Essa fusão é escolha estética ou reflexo de uma identidade ainda em construção?

ZK: É escolha. Escolho não caber em um só lugar. Escolho o som que traduz o que sinto, mesmo quando nem eu sei explicar. A estética, para mim, também é sobrevivência.

Bruno Areno: Ser parte do grupo Rich Future foi um abrigo ou uma provocação?

ZK: Foi uma aprovação silenciosa. Como um sinal de que eu podia continuar.

Bruno Areno: Você é mais forte no coletivo ou no silêncio solitário do estúdio?

ZK: No silêncio. É ali que eu me escuto. E quando me escuto, viro música.

Bruno Areno: Você se chama Successor. Sucessor de quem?

ZK: Sou sucessor do rap que não teve medo de dizer. Herdeiro da palavra que insiste.

Bruno Areno: Do que exatamente você sente que precisa continuar, e o que você quer romper definitivamente na música moçambicana?

ZK: Preciso continuar porque isso é o que me escolheu. A música é o lugar onde sou inteiro. Quero ser grande, sim — mas grande pelo diferencial, pela verdade. Romper com a repetição vazia. Permanecer onde há alma.

Bruno Areno: Existe uma dor que você ainda não conseguiu cantar? Algo que fica preso na garganta quando o beat começa?

ZK: As dores nunca acabam. Algumas ainda não sabem virar som. Mas quando encontram espaço, eu deixo que falem. Sempre deixo.

Bruno Areno: A fama é uma promessa perigosa. Você quer ser ouvido ou compreendido? E se o mundo ouvir, mas não entender, isso te basta?

ZK: Quero ser ouvido e compreendido. Mas se o mundo ouvir e não entender, eu continuo. Canto mais. Insisto. Até que sintam — mesmo que não saibam explicar.

Bruno Areno: Se amanhã tudo acabasse: shows, streams, aplausos… quem seria Zekhalifa sem a música? Essa resposta te assusta ou te liberta?

ZK: Me liberta. Porque mesmo sem o palco, a música já mora em mim.

Bruno Marquês Areno

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“A minha frustração é não conseguir ler todos os livros. Os livros funcionam como um veneno, mas também como antídoto para alma.” (Jessemusse Cacinda)

Mano Jessemusse, as minhas entrevistas não são um arquivo bibliográfico. Se por acaso jorrar entre os meus lábios uma questão sobre quem tu és, acredita, trata-se de um puro e inocente acidente. Por esta razão, começo este nosso diálogo perguntando:

Bruno Areno — Quem é para ti o grande escritor moçambicano da actualidade?

Jessemusse Cacinda — Esta é uma pergunta muito difícil. A literatura moçambicana da actualidade é marcada pela coabitação entre a chamada geração charrua e as gerações posteriores, por isso tenho dificuldades a identificar um autor que eu chamaria de o grande da actualidade. Acho que o poeta Álvaro Taruma tem assumido um consenso interessante entre a nova geração e eu concordo.

Tenho particularmente muito orgulho pelo que o Mélio Tinga se tornou, estive a ler o seu livro ‘Arder no Gelo’ e conversei com o Professor Francisco Noa a respeito. Mélio Tinga é daqueles autores que se a Ethale tivesse condições de monopolizar o seu passe no mercado, faríamos um contracto para termos os direitos de toda sua obra. Entre os autores, tenho particular admiração pelo Ungulani Baka Khossa.

BA — A humanidade é feita de mentiras. Dizem-nos que a leitura faz bem para a alma, mas tu, Jessemusse, sabes muito bem que após uma leitura vem sempre a indagação, o questionamento, o desassossego. Nenhum académico ou leitor sob a face da Terra vive feliz, alegre, satisfeito. Felizes são os analfabetos, esses seres que desconhecem a hora da sua morte e que, mesmo depois de mortos, cantam como se os vivos continuassem a ouvi-los. Tudo isto apenas para saber o título do livro que te está a roubar a paz nestes dias. O que gostarias de ler e não estás a ler?

JC— A minha frustração é não conseguir ler todos os livros. Os livros funcionam como um veneno, mas também como antídoto para alma. Gostaria de ler mais livros da África do Norte, o chamado Magreb e da Ásia. Iniciei uma incursão por aquele mundo e estou profundamente surpreendido com a frescura com que os autores olham para a realidade.

BA — Diz-me algo: qual foi o grande autor que descobriste?

JC — Nunca descobri ninguém, apenas conheci grandes autores. Os meus autores favoritos continuam Albert Camus, Jean Paul Sartre e Alain Mabanckou. Este último que faz livros como se fossem álbuns de música congolesa. Voltei a ler Toni Morison, Jazz por conta de um novo projecto que ando a experimentar.

BA — E qual ainda não descobriste?

JC — Quando for a descobrir, terei resposta, por agora, não consigo desvendar o que me parece oculto.

BA — Queres falar da nova antologia poética organizada pelo Eduardo Quive e por ti?

JC — É um projecto que funciona como montra. Iremos apresentar em Portugal (Lisboa, Coimbra e Porto) e em Moçambique (em várias cidades onde temos autores). A ideia é fornecer um quadro da diversidade da literatura que se está a produzir no país.

BA — Numa conversa telefónica que tive com o grande Jordão Domingos, ele questionou: “Por que não houve uma chamada pública? É apenas para ‘escritores grandes?'” Transfiro essa questão a ti.

JC — Usamos o critério da acessibilidade, ou seja, juntamos os autores que conhecíamos e que de certa forma tínhamos acesso. Convidamos muitos autores que se mostraram indisponíveis e a antologia é o resultado que tivemos. Sobre chamada pública, a Ethale não tem sido bem-sucedida com isso. fizemos duas chamadas públicas desde a nossa fundação há 9 anos e não tivemos sucesso. Agora iremos celebrar 10 anos e pretendemos voltar a fazer chamadas públicas para a identificação de interessados.

BA — Tu entras em angústia? Para mim, os seres humanos são seres angustiados.

JC — Claro. Acho que viver é aprender a lidar com a angústia.

BA — Existe escrita sem dor?

JC — Provavelmente exista, mas a minha é de dor. No Kwashala Blues há dor nas várias mortes as quais somos condenados por viver em Nampula e a meio disso, procuramos o verso de um poema ou o ritmo de uma boa música. Assim, surgiu a minha proposta estética de um livro de estreia que superou as minhas expetativas.

BA — Do que não te arrependes de não ter feito?

JC — Ter editado livros num país de oralidade e que pouco valor dá a cultura.

BA — Ainda há possibilidade?

JC — Nada. Terei sempre orgulho disso.

BA — E do que fizeste e te arrependes?

JC — Não ter perdoado aos que me magoaram.

BA — Jessemusse fez coisas que jamais revelaria a ninguém?

JC — Claro. Temos sempre segredos que nos ajudam a construir uma mítica do que somos.

BA — Cometeste grandes gafes na vida?

JC — Claramente. E foram muitas.

BA — E imprudências?

JC— Também.

BA — Não queres contar uma?

JC — São várias, mas uma que me marcou foi por eu ter entregue a minha biscicleta a um ladrão em Cuamba.

BA — Sentes uma admiração especial por algum personagem da história?

JC — Várias.

BA — Onde gostarias de ter vivido?

JC — Interessante. Quando eu era miúdo sonhava em ser um peregrino e viver em vários lugares do mundo. Agora, sigo a onda. Vou para onde a vida me leva.

BA — Choras?

JC — Sim.

BA — Quando choras, choras por quê?

JC — Por nada. Geralmente para mim mesmo. Não peço apoios porque tive de aprender a me virar sozinho muito cedo.

BA — O amor é horrível e chato?

JC — Não. O amor é uma das melhores coisas. Entretanto, como toda viagem, há acidentes. No Kwashala Blues, a Amália diz que a vida é uma viagem longa, e eu acrescentaria que é preciso não se arrepender por ter amado.

BA — A morte é terrível?

JC — E inevitável. É uma condição existencial. Por causa da morte, podemos ter limites enquanto humanos.

BA — Como gostarias de morrer?

JC — Ainda não pensei nisso.

BA — Como estás em matéria de amores?

JC — Muito bem resolvido.

BA — Para terminar, mano. Diz-me como está a Saúde mental dos moçambicanos, uma merda?

JC — Acho que um Doutor em Medicina, especialidade de Psiquiatria ou Doutor em Psicologia Clínica poderia melhor dizer isso. Agora, enquanto um entusiasta das discussões filosóficas, concordo com Byang Chun-Han sobre o excesso de narcisismo que provoca depressão. Todos querem ser vencedores e ninguém quer ser perdedor. Mesmo quando perdemos, acusamos os outros para a nossa derrota. E Jean Paul Satre muito disse, o inferno são os outros, e hoje, usamos essa máxima para justificar nossas loucuras.

Bruno Marquê Areno

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CINEMA EM TELA

Marcus Hemerly: ‘Último Tango em Paris:
Uma jornada de escapismo’

Quando Marlon brando faleceu em 2004, muitos cineastas, críticos e profissionais de cinema manifestaram suas lembranças associadas à obra daquele que ainda é considerado o maior ator de todos os tempos. Filmes marcantes como ‘O pecado de todos nós’ e ‘O poderoso chefão’ foram citados, rememorando atuações icônicas e roteiros envolventes. E dentre eles, Arnaldo Jabor de maneira pertinente, lembrou-se da cena de ‘Último tango em Paris (1972), na qual o personagem de Brando traça um diálogo, em verdade, verte uma despedida catártica tom monologal com a esposa morta. A expressão aparentemente insensível, petrificada, tal como o cadáver disposto entre flores e preparado em necromaquiagem.

No entanto, as nuances emotivas pontuadas por extremos são uma sinfonia orquestrada na face de um mestre; sofrendo e odiando-a por ter fenecido. Por certo, o filme não é lembrado apenas por esta passagem, ou pelas cenas de sexo que levaram a boicotes, indiciamentos criminais e censura, ao mesmo tempo em que despontou como sucesso de público e crítica.

Na trama, em uma típica tarde nublada parisiense, os contornos gris unem os caminhos de Paul e Jeanne. Interessados em alugar um apartamento, ele; tentando fugir de sua realidade, ou, de seu despedaçar; ela, de certa forma insegura diante do seu casamento iminente, entrega-se à proposta de paul: encontrarem-se naquele apartamento, que será, a partir de então, seu mundo. Sem nomes, sem acontecimentos de fora, apenas compartilhando momentos ou um silêncio cúmplice.

Naquela cápsula de tijolos, mesmo sem trocar informações sobre o seu passado, se despem emotiva e fisicamente um ao outro. Desde incursões sexuais, até violências psíquicas e físicas, o inesperado casal agregado de forma clandestina pelo destino aos poucos embarca numa viagem sem rumo ou previsão de chegada, de mãos dadas e olhos cerrados pela nau dos insensatos (ou corajosos). 

O filme é notório por várias polêmicas, desde a maneira peculiar de filmar de Bertolucci, consagrado por títulos como ‘1900’ e ‘Cinema Paradiso’, até a famosa cena da manteiga, que por muitos anos supostamente teria sido verdadeira, na qual a personagem de Marlon Brando simula sodomia com Maria Schneider.

De fato, ainda que não tenha havido intercurso efetivo, soube-se que a cena e suas implicações não haviam sido previamente acertadas, de modo que a reação, surpresa e violação quase literal de Schneider, lamentosamente, são reais. Agressividade humana, covardia, impetuosidade e sentimentos conflitantes são explorados de modo intenso a fim de indicar o grau de egoísmo como mecanismo de defesa, normalmente quando contraposto a uma situação de trauma. 

De um lado, o viúvo rude e de sentimentos intransponíveis não entende a razão do suicídio de sua esposa, mola propulsora a seu rompante de autopunição e revolta dirigida a seu derredor, fetichizada em sua nova companhia, Jeanne. De outro giro, a jovem que tenta se agarrar a um resquício de inocência, vê na figura quase paternal, ao menos aparentemente, uma possibilidade de experimentação. Aos poucos, os jogos conscientes e inconscientes causam sentimentos de afago e sevicia quase concomitantes. 

Em 1972, data da première da produção, é possível entender o burburinho causado pelas cenas picantes entre Brando e Schneider. À época, os controversos ‘Calígula’ e ‘Império dos Sentidos’, primeiros filmes não designados ao circuito pornográfico a exibirem cenas explícitas ainda não haviam sido produzidos, e mesmo posteriormente inseridos no circuito de cinema de arte e composição de elenco consagrado, despertariam grande interesse de público.

 O mundo ainda flutuava entre o cinema exploitation de extremos gráficos pontuais e o florescer de comédias, bem como policiais com temática erótica estadunidense, a partir da relativa liberalidade da era pós Código Heys, que regulamentava o conteúdo das atrações americanas. Ainda que a sexualidade na sétima arte remonte, quase que de forma paralela à invenção do cinetoscópio, lembremos as seletas stag parties do início do século 20, a questão ainda era um tabu nos anos 70. E, quem sabe, ainda o é nos dias de hoje.

A famosa crítica de cinema novaiorquina Pauline Kael, chegou a classificar O último tango… como o mais poderoso filme erótico já feito, dentre outros encômios em sua introdução à edição comentada do roteiro, posteriormente novelizado pelo autor Robert Alley. Trata-se de um romance bem escrito e relativamente fiel ao material original, alterando apenas algumas análises quanto às motivações dos personagens e estendendo ou omitindo pequenas sequências. 

Passadas cinco décadas de sua estreia na noite de encerramento do New York Film Festival, em 14 de outubro de 1972, o filme permanece forte, ainda que não tanto pelas polêmicas, que ainda reverberam, mas pela qualidade interpretativa e coragem do roteiro assinado por Bertolucci e Franco Arcalli. Num misto de desvelar voluntário de fantasias, infligir de dor – a si, ou a outrem – como forma de escapada da realidade, as nuances psíquicas cotejam uma moldura sofistica à história. Se o poder de chocar é facilmente levado a efeito, o fascínio decorrente certamente demanda maiores atrativos, e isso é o que vemos a cada revisão da obra.

Marcus Hemerly

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