Grupo musical do GURI Sorocaba faz dois concertos na região em junho
Coral e Percussão do GURI Sorocaba. Foto de: Vinícius da Matta.
Grupo de Coral e Percussão formado por jovens de até 18 anos se apresenta nos dias 18, no Sesc Sorocaba, e 28, em Votorantim, ambos com entrada gratuita
Arte, cultura, cidadania e desenvolvimento humano. O GURI é o programa de educação musical da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Governo do Estado de São Paulo, gerido pela Santa Marcelina Cultura, que engloba tudo isso. Em 30 anos, já transformou a vida de mais de 1 milhão de crianças, adolescentes e jovens em todo o estado. Muitas famílias e comunidades também foram beneficiadas.
E quem estuda música no GURI, pode fazer parte dos grupos musicais. A Temporada 2026 de Concertos entra em um dos meses mais movimentados do ano. Em junho, serão 59 apresentações em todo o Estado. No dia 18/06 (quinta-feira), às 16h, o Coral e Percussão do GURI se apresenta no Sesc Sorocaba. O concerto terá transmissão ao vivo no canal SouGURI do YouTube.
No dia 28/06 (domingo), o grupo vai até a cidade vizinha Votorantim para se apresentar no Auditório Municipal Francisco Beranger, às 17h. O Coral e Percussão do GURI Sorocaba tem o patrocínio Master das empresas Tauste Supermercados, Sabesp e Instituto Motiva e opatrocínio Ouro da empresa Vitafor; a parceria da Prefeitura Municipal de Sorocaba e o apoio das prefeituras de Guareí e Tietê. A entrada é gratuita.
Sob a regência do maestro convidado Luis Anselmi, o grupo interpreta o programa Te Dedico Essa Canção, com canções de compositores como Tom Jobim, Cartola, Alceu Valença e Douglas Germano, além de peças do repertório coral contemporâneo, como The Seal Lullaby, de Eric Whitacre. Completam o repertório arranjos e composições que exploram a combinação entre canto e percussão, ampliando as possibilidades sonoras do grupo.
Grupos musicais – Do instrumento ao canto, as formações são as mais diversas. Há orquestras e bandas sinfônicas, orquestras e cameratas de cordas, de violões, os corais, as big bands, e os grupos de choro, percussão e música instrumental brasileira. São 29 formações e a partir do segundo semestre serão 32 Grupos Musicais em todo o estado – com a estreia de três novos conjuntos.
Estude música de graça – No GURI tem cursos para crianças, adolescentes, jovens e adultos que querem aprender a cantar e tocar um instrumento, do popular ao erudito. Não precisa ter conhecimento musical prévio e nem o próprio instrumento. Tem oportunidades para diferentes níveis de aprendizado. Basta ir até um polo do GURI mais próximo com os documentos pessoais, escolher um curso disponível e se matricular. Mais informações no site do GURI.
Serviço
Coral e Percussão do GURI Sorocaba
18 de junho, quinta-feira, às 16h
Sesc Sorocaba
Rua Barão de Piratininga, 555, Jardim Faculdade, Sorocaba, SP
Entrada gratuita
28 de junho, domingo, às 17h
Auditório Municipal Francisco Beranger
Av. Ver. Newton Vieira Soares, 291, Centro, Votorantim, SP
Entrada gratuita
*Programação sujeita a alteração
Coral e Percussão do GURI Sorocaba
O canto e a percussão estabelecem uma relação ancestral e profundamente conectada à expressão musical coletiva. Criado em 2012, o Coral e Percussão do Guri de Sorocaba desenvolve um trabalho que integra música, cena e movimento, explorando diferentes linguagens e repertórios. Ao longo de sua trajetória, o grupo participou de importantes montagens cênico-musicais, como Calungá (2012), ao lado de Naná Vasconcelos, com apresentações no Teatro Sérgio Cardoso e no Auditório do Ibirapuera, em São Paulo. O grupo já apresentou o musical West Side Story no Teatro do Sesc Sorocaba. Também, em parceria com Tião Carvalho e Gabriel Levy, dedicou-se à exploração de ritmos nordestinos, com apresentação no Auditório Municipal Francisco Beranger, em Votorantim. O grupo esteve sob a regência de Pablo Trindade, Gisele Cruz, Regina Kinjo, Felipe Senna, Emerson Tineo, Fabiana Almeida e Luís Anselmi.
Patrocinadores da Santa Marcelina Cultura – O GURI conta com os patrocínios Master: CTG Brasil; Bank of America; Tauste Supermercados; Sabesp; Instituto Motiva; Instituto Ultra; Ultracargo; Ultragaz; Ipiranga; Verzani & Sandrini; Ouro: Vitafor; Via Appia; Arteris; BASF; Prata: Novelis; Caterpillar; MAHLE; Chiesi Farmacêutica; Usina Santa Maria; DM; Sicoob; Citrosuco; Capuani; Grupo Maringá; Valgroup; Santos Brasil; Instituto Center Norte; a|w; Bronze: Cipatex; Maza; Mercedes-Benz; ACIF-Franca; Apoio Cultural: Ipiranga Agroindustrial; Yamaha; Ibiuna Investimentos; Distribuidora Ikeda; Castelo Alimentos; Pirelli; Frisokar; Tegma e Paulispell, por meio da Lei Federal de Incentivo à Cultura. Realização: Governo Federal, por meio do Ministério da Cultura; Governo do Estado de São Paulo, por meio da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas e Santa Marcelina Cultura.
Para saber mais sobre o GURI, acesse o site oficial.
Para mais informações sobre a Santa Marcelina Cultura, acesse aqui
Una nación, un método, dos poetas, dos mentalidades
Alexander Anchía Vindas
Una nación, un método, dos poetas, dos mentalidades – Venezuela, la nación lectora y cuna de poetas
Alexander Anchía Vindas
Venezuela destaca en América Latina por su profunda tradición lectora. A pesar de las dificultades sociales y económicas, Venezuela mantiene una cultura literaria rica y activa, evidenciada en la cantidad de lectores y la producción editorial del país. Según estudios recientes, venezolanos son reconocidos como uno de los pueblos latinoamericanos que más lee, impulsados por políticas culturales que fomentan la educación y la lectura desde temprana edad. Este hábito potente ha contribuido a la formación de una sociedad con un particular aprecio por las letras y la poesía, siendo la poesía un campo donde Venezuela ha producido voces referentes en la región.
El país ha sido cuna de destacados poetas que han aportado significativamente a la literatura latinoamericana. Vicente Gerbasi es uno de los grandes nombres, conocido por su conexión con la naturaleza y su capacidad para fusionar lo personal con lo universal. Rafael Cadenas, con su poesía introspectiva y filosófica, es un ejemplo de la profundidad intelectual venezolana. Eugenio Montejo, maestro del verso y la metáfora, ha sabido capturar la esencia de la identidad venezolana y la naturaleza desde una óptica positiva y luminosa. También destacan voces contemporáneas como Harry Almela, Josu Landa, Sonia González, Alfredo Herrera, Enrique Viloria y Joaquín Marta Sosa, quienes continúan enriqueciendo el panorama poético del país, representando variadas sensibilidades y estilos.
El verso libre como método de expresión en la poesía
El verso libre es un método de expresión poética que se caracteriza por no sujetarse a métricas ni rimas fijas, liberando así la palabra del control estricto de las formas tradicionales. Este método permite una mayor flexibilidad y espontaneidad, favoreciendo la expresión directa de emociones, pensamientos y experiencias personales. En la poesía contemporánea, el verso libre sirve para explorar nuevas sensibilidades y romper con estructuras rígidas, permitiendo al poeta una voz más auténtica y diversa. El verso libre se convierte en un escenario abierto para la innovación rítmica, temática y lingüística, reflejando la complejidad y diversidad del mundo moderno.
Vida y obra de Rafael Cadenas y Eugenio Montejo
Rafael Cadenas– Arquivo pessoal
Rafael Cadenas, nacido en 1930, es uno de los poetas más influyentes de Venezuela. Su obra se caracteriza por un tono reflexivo y filosófico, marcado por la búsqueda constante de sentido y verdad. Cadenas combina en su poesía un pensamiento crítico con una profunda honestidad. Obras como “Elegía profunda” y “Derrota” exploran la condición humana con una mirada que oscila entre la desilusión y la percepción clara de las debilidades existenciales. Su lenguaje es a menudo sobrio, medido y cargado de significado, invitando a la reflexión. Además, Cadenas ha sido un intelectual comprometido con la cultura venezolana y latinoamericana, ejerciendo como ensayista y traductor.
EugenioMontejo
Eugenio Montejo (1938-2008) es considerado otro pilar de la poesía venezolana. Su obra se distingue por una sensibilidad hacia la naturaleza, el tiempo y la memoria, explorando temas universales con un tono optimista y sereno. Montejo integra elementos del paisaje venezolano y latinoamericano en una poesía lírica que invita a la contemplación y al asombro. Libros como “Terrenal” y “Los jardines de Orfeo” revelan un dominio del verso y un estilo lleno de musicalidad, simbolismo y esperanza. Montejo también desempeñó un papel importante como promotor cultural y traductor, contribuyendo a la difusión de la poesía en Venezuela.
Ambos poetas, aunque con estilos y enfoques diferentes, forman parte del canon imprescindible de la poesía venezolana contemporánea, mostrando la riqueza y diversidad de las mentalidades y voces que habitan en el país.
Diferencias entre las mentalidades de Montejo y Cadenas a través de sus poemas
La poesía de Eugenio Montejo y Rafael Cadenas refleja dos mentalidades distintas que, sin embargo, dialogan sobre temas profundos de la existencia humana. Montejo, con una visión más positiva y esperanzadora, nos ofrece en su poema “Los Árboles” una reflexión sobre la continuidad y la vida. En este poema, los árboles se convierten en símbolos de resistencia y crecimiento:
“Los árboles no se detienen / aún cuando el viento los sacuda / sus raíces profundas sostienen / la esperanza que perdura.”
Estos versos representan la idea de que, a pesar de las adversidades, la vida sigue y permanece, alentando un sentido de permanencia y optimismo frente al tiempo y los cambios.
Por contraste, Rafael Cadenas en su poema “Derrota” aborda la experiencia humana desde una perspectiva más crítica y resignada. El poema expresa la incertidumbre, la pérdida y la lucha interna. Cadenas escribe sobre la derrota no solo como fracaso externo sino como una introspección profunda y dolorosa:
“He perdido toda esperanza / no por rendición sino por saber / que no se gana si se pierde tanto.”
Aquí la derrota se vuelve una experiencia inevitable que condiciona la existencia del ser humano, reflejando una sensibilidad más sombría y filosófica.
Mientras Montejo invita a la contemplación de la belleza y la persistencia de la vida, Cadenas explora la aceptación crítica de la fragilidad humana y la imposibilidad de respuestas fáciles. Montejo usa la naturaleza como un símbolo de renovación; Cadenas se centra en la condición humana como territorio de lucha interna y reflexión dolorosa.
Estas diferencias no solo ilustran sus mentalidades poéticas, sino también la riqueza de la poesía venezolana que alberga diversas voces y métodos para enfrentar las grandes preguntas existenciales.
Conclusión
Venezuela, con su vibrante cultura lectora y rica tradición poética, es un escenario privilegiado para la variedad de voces y métodos en la poesía contemporánea. Rafael Cadenas y Eugenio Montejo, desde sus distintas mentalidades, muestran cómo un mismo país puede albergar perspectivas diversas y complementarias. Mientras Montejo apuesta por una visión esperanzadora y positiva de la vida y la naturaleza, Cadenas nos enfrenta a la realidad de la derrota y el cuestionamiento existencial. Juntos representan la complejidad de la mente y el alma venezolana, haciendo del verso libre un método esencial para expresar esa riqueza plural.
“É preciso muito talento, grande habilidade, autodisciplina e autocensura para conseguir inventar não apenas algo novo, mas também algo realmente válido!” (Gigi Căciuleanu)
Caros amigos, tenho o grande prazer e a honra de dar continuidade à minha série de entrevistas no maravilho Jornal Cultural ROL com esta entrevista realizada com o renomado bailarino e coreógrafo francês de origem romena, Gigi Căciuleanu.
Capa do livro ‘Romenos do Século XXI’, de Rhea Cristina
A entrevista foi publicada no meu quarto livro de entrevistas, ROMENOS DO SÉCULO XXI. Entrevistas-documento com personalidades romenas (editora Pro Universitaria, 2013).
O volume contém 32 entrevistas com 29 personalidades (culturais e sociopolíticas) da Roménia contemporânea, nas quais analiso diversos aspetos da vida política, socioeconómica e cultural da Roménia, bem como as formas pelas quais estas foram afetadas pela ideologia comunista e pela transição para a democracia após 1989.
Os temas de discussão destas entrevistas abordam a ideia da nação romena, o destino do povo romeno nos planos cultural, social, histórico e político, analisando o processo do comunismo na Roménia, o período de transição pós-comunista e a fase da monarquia constitucional da Roménia.
Gigi CăciuleanuArquivo pessoal
Conhecido como bailarino e coreógrafo em quatro continentes, dançarino ao lado de Pina Bausch, coreógrafo em diversas ocasiões em sua companhia, coreógrafo e parceiro de Maya Plisetskaya, entre tantas outras colaborações internacionais, além de diretor artístico do Ballet Nacional Chileno, “El Banch”, Gigi Căciuleanu é, por sua maneira de ser, uma combinação singular de originalidade, sensibilidade artística e humor.
Gigi Căciuleanu é primeiro bailarino e professor de dança contemporânea de renome mundial, fundador da companhia de dança que leva seu nome. É um dos mais importantes bailarinos, coreógrafos e professores romenos de dança contemporânea, com uma notável carreira internacional desenvolvida na Romênia, França, Chile e em diversos outros países.
Nascido em Bucareste e formado pela Escola Nacional de Coreografia, descobriu a dança contemporânea aos 14 anos, sob a orientação de Miriam Răducanu, participando das célebres “Nocturnas 9½”. Complementou sua formação artística no Teatro Bolshoi, em Moscou, e tornou-se solista da Ópera Romena de Bucareste, onde interpretou papéis de destaque e inspirou a criação de partituras coreográficas especialmente concebidas para ele.
Desde o início da década de 1970, destacou-se internacionalmente ao conquistar importantes prêmios de coreografia: o Prêmio de Coreografia no Concurso Internacional de Varna (1970) e, por duas vezes, o Primeiro Prêmio no Concurso Internacional de Coreografia de Colônia (1971 e 1972). Entre 1972 e 1973, integrou a companhia Folkwang Ballet, em Essen, dirigida por Pina Bausch, onde criou dez obras originais.
Em 1973, com o apoio de Rosella Hightower, fundou em Nancy, na França, o Estúdio de Dança Contemporânea, que posteriormente se transformaria nos “Ballets de Lorraine – Danse Contemporaine de France”.
Entre 1974 e 1978, dirigiu o Balé do Grand Théâtre de Nancy, contribuindo de forma decisiva para o desenvolvimento da dança contemporânea francesa. Tornou-se membro da SACD e um dos fundadores do Conselho Internacional da Dança da UNESCO, organizando festivais, turnês e encontros coreográficos, além de promover numerosos artistas da nova geração.
No período de 1978 a 1993, foi diretor artístico do Centro Nacional Coreográfico de Rennes e do Teatro Coreográfico Rennes/Bretagne. Colaborou com personalidades de renome mundial, como Astor Piazzolla, Pina Bausch, Maya Plisetskaya e Jean-Michel Jarre. Suas coreografias passaram a integrar o repertório de importantes instituições culturais de Paris, Hamburgo, Roma, Veneza, Cardiff, Montevidéu, São Paulo e Israel. Nessa mesma fase, organizou numerosas turnês internacionais e consolidou sua reputação como um criador inovador.
Seu reconhecimento internacional foi confirmado por diversas distinções. Em 1984, recebeu na França o título de Cavaleiro da Ordem das Artes e das Letras. Em 1991, conquistou o Prêmio de Coreografia da revista Actualitatea Muzicală e, em 1992, criou para Maya Plisetskaya o espetáculo A Louca de Chaillot (Nebuna din Chaillot), apresentado com grande sucesso em Moscou. Suas criações foram transmitidas por importantes emissoras internacionais de televisão.
A partir de 1994, estabeleceu-se em Paris e fundou a Companhia Gigi Căciuleanu, com a qual desenvolveu inúmeros espetáculos e turnês internacionais. Paralelamente, colaborou com instituições e companhias de dança da Europa e da América Latina.
Em 2001, assumiu a direção artística do Balé Nacional do Chile, onde criou diversos espetáculos amplamente aclamados e recebeu importantes prêmios, incluindo o Prêmio Altazor, equivalente chileno do Oscar das artes.
Nas décadas de 2000 e 2010, continuou a criar espetáculos na França, Chile, Uruguai e Romênia, a ministrar oficinas e masterclasses e a participar de júris internacionais de dança. Em 2007, fundou em Bucareste a Gigi Căciuleanu Romania Dance Company. Sua atividade foi recompensada com inúmeras distinções, entre elas o Prêmio Especial UNITER pelo conjunto da carreira (2010), o Prêmio ROMAinDANZA pela contribuição ao desenvolvimento do teatro-dança contemporâneo (2011), o título de Professor Honoris Causa da Universidade de Artes de Târgu Mureș (2012) e a Medalha Reitoral da Universidade do Chile.
Por meio de sua atividade artística, pedagógica e de gestão, Gigi Căciuleanu contribuiu de forma decisiva para a afirmação e o desenvolvimento da dança contemporânea em nível internacional, sendo considerado uma das grandes personalidades da coreografia mundial.
Em agosto de 2009, tive o privilégio de realizar uma entrevista com o mestre Gigi Căciuleanu. Um homem da comunicação e da excelência artística. Um artista seduzido pelo próprio voo, pelo conhecimento humano da Arte. E um ser de rara modéstia.
Reproduzo agora, na íntegra, esta fascinante entrevista.
Rhea Cristina:Antes de dezembro de 1989, qual era o significado do repertório da Ópera? O termo “bailarino” tinha o mesmo significado que “dançarino”? E depois de 1989?
Gigi Căciuleanu: Prefiro que me chamem de “dançarino”. Nunca gostei do termo “bailarino”. É uma espécie de equivalente masculino de “bailarina”. A bailarina é aquela que faz as jovens sonharem. O dançarino (tanto no masculino quanto no feminino) é aquele que faz pensar. Isso vale tanto antes quanto depois de 1989.
Voltando ao repertório. Considero que, no que diz respeito ao Balé (e à Ópera), a situação na Romênia (assim como nos demais países do Leste Europeu) era muito positiva. Qualquer pessoa podia assistir, a qualquer momento, a qualquer obra do repertório. Isso se perdeu ou nunca existiu no Ocidente.
As criações são produzidas e descartadas conforme o gosto do momento, mas nada permanece. O que teria acontecido com O Lago dos Cisnes se não existisse a noção de repertório e se a obra não tivesse sido integrada a ele?… Ou com Molière sem a Comédie-Française e Bertolt Brecht sem o Berliner Ensemble?… E o que teria sido da pintura moderna (e das artes plásticas em geral) se tivéssemos jogado fora as telas de Da Vinci, Rafael, Rembrandt, Picasso, Dalí etc., depois de vê-las apenas uma única vez?
Rhea Cristina:O que a dança representa, em nível europeu e mundial, em 2009?
Gigi Căciuleanu: A dança, apesar de ser talvez a arte mais antiga e mais completa que existe (afinal, não há uma única parte, não apenas do corpo, mas de todo o ser humano, que não participe do ato de dançar!), continua sendo… a quinta roda da carroça. Não por culpa do público ou das diferentes “autoridades” culturais, mas sobretudo por culpa… nossa, dos artistas da dança.
Minha opinião é a seguinte:
A dança é uma arte tão antiga quanto ainda inexplorada;
Para que ela saia da sua “idade da pedra”, é necessário PROFISSIONALISMO em um nível muito elevado.
Não se deve aceitar qualquer coisa, a qualquer momento e de qualquer pessoa…
Claro que tudo é possível!
Beethoven também era uma possibilidade, mas, entre infinitas possibilidades, até hoje surgiu… apenas um único Beethoven!
Para ser um artista da dança, é preciso conhecer o próprio instrumento, ou seja, o CORPO, e isso não apenas em cada átomo do ser físico, mas até nas profundezas do cérebro.
Para ser Verdi, não basta ter algumas ideias ou saber organizar uma melodia; é preciso também conhecer as cordas vocais.
Para ser verdadeiramente um coreógrafo (e não apenas um organizador de movimentos), considero indispensável ter passado pela prova de fogo do palco, ter dançado centenas ou milhares de horas seguidas, ter morrido dançando entre quatro paredes e ressuscitado outras tantas vezes.
Rhea Cristina:Nesse contexto, onde se situa o dançarino romeno? Ele é um bastardo da Europa? Faz parte da elite da coreografia europeia ou mundial?
Gigi Căciuleanu: Não devemos confundir a noção de dançarino com a noção mais ampla de artista coreográfico, de coreógrafo, de coreautor (definição criada por Serge Lifar). O dançarino, assim como o artista circense, é uma espécie de bastardo não apenas da Europa, mas das artes em geral. Mas não por muito tempo.
Assim que a necessidade de uma linguagem universal se impuser como uma necessidade, como uma forma de sobrevivência, a linguagem do corpo se tornará o veículo de uma arte maior, no mesmo nível (ou talvez ainda mais necessária e elevada) que a música, o teatro etc. E as diversas imposturas (inclusive as internacionais) desaparecerão por si mesmas…
Porque a dança não é apenas movimento ou emoção (como no circo ou nos programas de variedades da televisão), mas sobretudo — pelo menos para mim — significado.
Independentemente de considerações geográficas ou político-materiais, faz realmente parte da elite da dança aquele que consegue fazer com que apenas a dança possa verdadeiramente expressá-lo, e que, por sua vez, consegue expressar-se através do movimento. De forma sincera e sem cálculo. Simplesmente pela necessidade de sobreviver (e não apenas fisicamente) por meio de sua arte. Aquele que realmente não consegue viver sem tornar-se um só com sua arte.
Ao mesmo tempo, deve ter a coragem de ser e permanecer ele mesmo (sem imitar este ou aquele). Permanecer fiel a si próprio não apenas em sua loucura, mas também em seu próprio conhecimento. Cultivar ambos, passo a passo. E aceitar, apesar do canto das sereias ou das exigências momentâneas de alguma moda, ser uma “singularidade”. Não apenas desfrutando de seus aspectos maravilhosos, mas também aceitando — e sendo capaz de suportar — as numerosas e agressivas desvantagens que essa condição representa.
Rhea Cristina:O que significava, para o coreógrafo romeno, participar de um concurso internacional de balé nas condições do marasmo totalitário comunista anterior a 1989?
Gigi Căciuleanu: Antes de 1989, era a única possibilidade de sair do país ou até mesmo de “fugir”, ou, como se dizia de forma mais elegante, de “ficar”. Em outras palavras, uma oportunidade de “escolher a liberdade”.
Rhea Cristina:E atualmente?
Gigi Căciuleanu: Participar de um concurso artístico, onde quer que ele aconteça, foi, é e continuará sendo uma loteria. Assim como os membros dos diversos júris e comissões. Muitas vezes também retirados do chapéu do acaso…
Não há como avaliar a arte de maneira objetiva. Digo isso porque participei de inúmeros concursos, dos dois lados do espelho: tanto como concorrente quanto como membro do júri. Como concorrente, tive sorte todas as vezes. Como jurado, procurei não esquecer os momentos em que minha própria arte foi julgada e pontuada, ficando à mercê de um veredicto tão subjetivo quanto aquilo que eu apresentava…
Rhea Cristina:Quais são as frustrações, as motivações e a força criadora de sua arte?
Gigi Căciuleanu: Muito frequentemente, essas noções se entrelaçam e se devoram mutuamente justamente para… alimentar o ato criador.
Rhea Cristina:Depois de 1989, podemos falar de um fracasso da coreografia romena ou de uma explosão de talentos que puderam se afirmar?
Gigi Căciuleanu: Eu falaria antes da existência permanente de grandes figuras da dança romena. Elas sempre existiram, existem e continuarão existindo. As flores não começaram a florescer depois de 1989, assim como não esperaram 1944 para fazê-lo.
Se eu tivesse de mencionar apenas uma dessas personalidades, pensaria em Miriam Răducanu. E somente por sua existência já podemos considerar que a dança romena está muito mais do que à altura…
Rhea Cristina:Na Romênia, o valor é apreciado ou desencorajado?
Gigi Căciuleanu: Voltemos ao exemplo de Miriam. Se percebermos que uma grande Dama da Dança romena (não apenas da dança moderna) — e não apenas da Romênia — não possui em seu próprio país sequer um espaço de um centímetro quadrado dedicado à sua arte (uma arte tão valiosa internacionalmente quanto específica e singular), deixo que a senhora mesma responda à pergunta…
Rhea Cristina:A dança está diretamente ligada à evolução da sociedade civil romena? Ela exerce uma ação catártica? O diálogo com o público ocorre de forma definidora e substancial na Romênia? E no Ocidente?
Gigi Căciuleanu: Não sou crítico nem historiador de arte ou de dança — e nem desejo ser.
Para descontrair um pouco: pessoalmente, tenho diante da dança a mesma atitude que tenho diante do AMOR: gosto de praticá-lo eu mesmo e não de ficar olhando os outros…
Brincadeiras à parte (embora talvez nem fosse brincadeira): a Dança, com letra maiúscula, como arte maior, está sem dúvida ligada à evolução da sociedade. Só que hoje, com a explosão dos meios de comunicação, entre os quais a Internet (a circulação de informações e vídeos) é a mais revolucionária e poderosa, já não se pode dizer que essa evolução esteja ligada apenas à sociedade romena. Estamos, na dança como em todos os outros domínios, “condenados” à globalização.
Uma ação catártica? Sem a menor dúvida. Tanto no sentido aristotélico quanto no da psicanálise.
Para mim, a dança é ao mesmo tempo doença e remédio. Doença e droga porque, se você estiver realmente “contaminado”, não consegue viver sem ela. E é também um remédio, sem qualquer dúvida, para muitas de nossas feridas físicas e emocionais. E até filosóficas, existenciais.
Uma espécie de elixir dos alquimistas, obtido não apenas pela manipulação física e/ou pela transmutação dos elementos, mas sobretudo pela transfiguração essencial da própria pessoa que provoca e conduz esse processo.
Rhea Cristina:Fale-nos um pouco sobre as origens de sua família…
Gigi Căciuleanu: Uma origem que, como se dizia antes de 1989, era o mais “não saudável” possível…
Antes de 1944, eu teria sido considerado alguém de “boa família”…
Rhea Cristina:Desde 2001, o senhor é diretor artístico do Balé Nacional do Chile, em Santiago.
Gigi Căciuleanu: Existem diretores porque são políticos (da cultura ou simplesmente da política). Outros são artistas porque são diretores. No meu caso, é diferente: sou diretor porque sou artista.
O Chile, depois da França, foi o país que me confiou o destino de uma companhia nacional. Lamento que não tenha sido a Romênia a me conceder essa honra. Mas quem sabe? Talvez um dia…
Rhea Cristina:Como isso aconteceu?
Gigi Căciuleanu: No Chile, assim como na França, deram-me a oportunidade de propor. E gostaram daquilo que eu propunha. Em Santiago, encontrei novamente um terreno fértil, como se diz na botânica.
Rhea Cristina:Como é o espaço cultural da América do Sul?
Gigi Căciuleanu: Não sou político. Nem mesmo um político da cultura…
Ele se parece com qualquer outro espaço “cultural”. Cultura não significa arte. A arte é a mesma em qualquer lugar. Ou seja, é praticada por personalidades — ou melhor, por “singularidades”.
Essas singularidades não se definem nem politicamente nem geograficamente, e evoluem não na horizontal, mas na vertical de uma espécie de escala de valores, semelhante à escala Richter dos terremotos.
Rhea Cristina:Quem foi/é Miriam Răducanu no contexto do balé romeno e mundial?
Gigi Căciuleanu: Ela é uma Mestra. Como eu dizia antes: universal, mas também única. Além de qualquer definição.
Rhea Cristina:Como a dança contemporânea se relaciona com o balé clássico, do tipo tchaikovskiano? Poderia me dar uma definição, se possível?
Gigi Căciuleanu: Dança é… dança. Uma grande crítica de dança parisiense, Dinah Maggie, dizia que o balé clássico é a dança contemporânea da época de Luís XIV. Tchaikovsky foi apenas compositor, não coreógrafo, e Petipa foi extremamente moderno para o seu tempo.
Hoje, como sempre, virar a página é algo tão necessário quanto difícil. Precisamos propor algo que supere aquilo que existiu antes, e não que o reduza. É preciso muito talento, grande habilidade, autodisciplina e autocensura para conseguir inventar não apenas algo novo, mas também algo realmente válido!
Rhea Cristina:Que tipo de esperança e de desesperança existe na sociedade romena contemporânea?
Gigi Căciuleanu: A mesma que existe no mundo inteiro, acrescida dos parâmetros específicos do espaço miorítico. Isso explica, na minha opinião, por que, apesar de termos artistas, intelectuais e cientistas excepcionais em abundância, ainda não temos nenhum Prêmio Nobel!…
Rhea Cristina:O que o público romeno espera atualmente dos coreógrafos romenos?
Gigi Căciuleanu: Provavelmente a mesma coisa que eu espero, e que qualquer um de nós espera…
A questão principal é: o que nós, artistas e criadores, somos capazes de oferecer a esse público?
Rhea Cristina:Que tipo de público de balé existe na Romênia, em comparação com a Europa e os Estados Unidos?
Gigi Căciuleanu: Tenho a impressão de que é o mesmo. “La même Jeannette mais autrement coiffée” (“A mesma Jeannette, apenas penteada de outra maneira”). Minha ideia é que o público é, em toda parte — do Chile ao Vietnã, da Romênia ao Canadá, da Grécia Antiga à moderna Nova York ou à decadente Paris — uma entidade mais inteligente ou, pelo menos, muito mais informada do que o autor de uma obra ou o intérprete em cena. E isso pela simples razão de que o público, sendo mais numeroso, representa uma quantidade maior (e também uma qualidade maior) de massa cinzenta e de antenas emocionais.
Rhea Cristina:Recentemente, em 2009, o senhor montou Sinfonia Fantástica na Ópera de Bucareste; em 2007 fundou a companhia de dança que leva seu nome, presente também no espetáculo Răzvan Mazilu e seus convidados; e, em 2009, lançou a versão em língua romena de seu livro Vento, Volumes, Vetores (Vânt, Volume, Vectori), publicado na coleção “Urban” da editora Curtea Veche, na qual descreve os símbolos alquímicos de sua arte.
Pouco antes, o senhor dançou no palco da Ópera Nacional de Bucareste ao som de La Vie en Rose, como convidado especial do evento de Răzvan Mazilu, organizado em apoio às escolas de coreografia (a última vez que o senhor havia dançado na Romênia foi em 1973, no espetáculo Um Americano em Paris, de Gershwin)…
Gigi Căciuleanu: Uau! Fui eu mesmo quem fez tudo isso???
Rhea Cristina:O que representam para o senhor a Romênia, a língua romena e o povo romeno? Qual é sua motivação para continuar vivendo e criando dança na Romênia, para os romenos?
Gigi Căciuleanu: A Romênia representa para mim um público com o qual me identifico plenamente do ponto de vista cultural, tanto pelo humor quanto pelo amor. Um público que, acredito, me compreende melhor do que qualquer outro e que eu não apenas compreendo, mas também gosto de compreender. E, pelo que me foi dado ver e viver, tenho a impressão de que o público romeno é mais apto a compreender o universal do que o público de países que se consideram depositários da “universalidade”!…
A língua romena? É a minha língua. Minha língua materna. Em determinado momento, no início do exílio, ela me ajudou a sobreviver psicologicamente. Hoje, ela me ajuda a viver. Quando não danço, escrevo. Embora eu também escreva em francês e em espanhol, e às vezes em russo, italiano ou até inglês, penso a minha dança em romeno. E aquilo que escrevo não são textos, mas dança.
Rhea Cristina:Por que o senhor decidiu se estabelecer definitivamente no Ocidente (França, Paris)?
Gigi Căciuleanu: Não fui eu que me estabeleci lá. Foi ele que se estabeleceu em mim…
Apaixonei-me por Paris desde o primeiro instante. Eu estava em Paris a caminho dos Estados Unidos quando, ao passar pela Embaixada Americana para retirar os documentos necessários à minha emigração, decidi reconstruir minha vida — ou melhor, renascer — ali, e não em outro lugar. Coupe de foudre! — amor à primeira vista!…
Rhea Cristina:Em 2009, Paris ainda é a “capital mundial da cultura”?
Gigi Căciuleanu: A capital do Artista é onde ele se encontra. Nesta época em que percebemos não apenas que a Terra é um planeta redondo, mas sobretudo que é um planeta muito pequeno, o umbigo do mundo pode estar em qualquer lugar.
Rhea Cristina:Ainda se lê poesia em Paris?
Gigi Căciuleanu: Não muito. Mas ainda se escreve.
Rhea Cristina:Qual é atualmente a situação do balé na capital francesa?
Gigi Căciuleanu: Como em qualquer outro lugar: muitas bobagens, alguns artistas maravilhosos (poucos, mas excelentes); tudo isso promovido mais pelos critérios de uma determinada política cultural do momento do que pelos da verdadeira Arte, que é atemporal e universal.
Rhea Cristina:Quais são seus maiores arrependimentos e suas maiores realizações?
Gigi Căciuleanu: Como na canção de Edith Piaf: “Non, rien de rien, non, je ne regrette rien…” (“Não, nada de nada, não me arrependo de nada…”). Quanto às minhas maiores realizações: espero que elas ainda estejam me esperando no futuro!
Uma entrevista realizada por Rhea Cristina. Qualquer uso do conteúdo desta entrevista implica citar a fonte e requer o consentimento prévio por escrito de Rhea Cristina.
Card da crítica de arte ‘O que não conseguimos ver em Rothko’
O que faz de uma obra de arte uma obra de arte?
Sua técnica? O que ela me faz sentir? O preço que alcança em um leilão? A quantidade de pessoas que fingem tê-la entendido?
Ao traduzir para o italiano o livro de Péricles Gasparini, Cornici Alternative, Arte o Ribellione?, fui obrigada a me fazer exatamente esse tipo de pergunta. Na introdução, Gasparini não se questionava apenas sobre o valor de suas próprias criações, mas também sobre o que transforma um objeto em uma obra e uma obra em algo digno de ser preservado e transmitido ao longo do tempo. Quanto desse valor pertence ao artista e quanto, por outro lado, ao olhar que o reconhece?
São perguntas que carreguei comigo e que ressoavam com surpreendente intensidade diante das telas monumentais, imponentes e quase assustadoras de Mark Rothko.
O artista nasce para ser incompreendido, e sobre isso não há discussão. A melhor arte é aquela que te faz duvidar de si mesmo, não é?
Acredito que a arte mais ‘apreciável’ seja aquela que me provoca um turbilhão no estômago. Uma sensação que se parece com um atordoamento.
De qualquer forma, quando cheguei ao Palazzo Strozzi, em Florença, eu estava mentalmente pronta para ser atordoada: qualquer coisa, desde que não permanecesse indiferente.
Spoiler: diante das majestosas pinceladas amarelas, vermelhas e escuras, talvez eu tivesse esperado sentir algo a mais.
Mas talvez, como dizem algumas mulheres com a autoestima comprometida, “o problema sou eu”.
E ainda assim, Rothko provavelmente teria apreciado essa reação. E, na verdade, talvez desconfiasse da reação oposta.
Porque Mark Rothko não queria que suas pinturas fossem simplesmente admiradas. Não lhe interessava que alguém pensasse “que belas cores” e seguisse para a próxima sala. Ele queria provocar algo muito mais incômodo, uma espécie de confronto.
Observando as obras reunidas no Palazzo Strozzi — na exposição visitável até 23 de agosto de 2026, com mais de setenta peças provenientes de alguns dos mais importantes museus do mundo, do MoMA ao Metropolitan de Nova York, da Tate de Londres ao Centre Pompidou de Paris, que percorre praticamente toda a trajetória artística de Rothko, desde os primeiros trabalhos figurativos até os grandes campos de cor que o tornaram célebre — tive a mais vívida percepção de que o verdadeiro focus de suas pinturas não eram as cores, mas o espectador.
Rothko nasceu na Letônia com o nome de Marcus Rothkowitz e emigrou para os Estados Unidos ainda criança. Ao longo da vida, atravessou guerras, migrações, crises econômicas e mudanças culturais imensas. Ainda assim, em vez de pintar o mundo exterior, acabou retirando de suas telas quase tudo: pessoas, paisagens, objetos, histórias. No fim, restaram apenas cor, luz e silêncio.
Uma escolha um tanto insana, se pensarmos bem. Como se um escritor eliminasse a trama para ver se o leitor ainda permanece.
Em 1950, Rothko visitou Florença com sua esposa Mell e ficou profundamente impactado pelos afrescos de Beato Angelico no Museu de San Marco e pelo Vestíbulo da Biblioteca Medicea Laurenziana, projetado por Michelangelo. O Palazzo Strozzi construiu parte do percurso justamente em torno desse diálogo inesperado, estendendo a mostra também a esses lugares da cidade que o marcaram tão profundamente.
A parte que mais me tocou, porém, não é a dimensão mística que todos associam a Rothko.
Foi a provocação, o tapa de Rothko. Especialmente o imagino direcionado à elite do Four Seasons de Nova York. Não tanto porque suas obras não foram aceitas, mas porque ele próprio as retirou antes que se tornassem apenas o pano de fundo de algum jantar de mil dólares… Um gesto que considero elegantemente vingativo, infinitamente mais punk do que muitas provocações contemporâneas.
Senti isso em suas telas: a transgressão descarada de uma superfície pintada com um cuidado quase religioso. Como se dissesse, veja você o que enxerga em tudo esse escuro.
Como se dissesse: se você não vê nada, talvez o vazio seja você.
Talvez seja também por isso que Rothko continue dividindo as pessoas. Sua arte não oferece apoios, não conta uma história, não sugere realmente o que você deveria sentir.
Ela te deixa sozinha em uma sala com você mesma e com um retângulo amarelo do tamanho de uma parede.
E, ao que parece, para muitos de nós, essa já é uma experiência suficientemente extrema.
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Calar no inverno quando a alma sente o adorno do frio penetrante nos ossos da caneta Fugir do asilo da lembrança que atravessam década Olhar firme nos olhos do medo que a vida consome Seguir além da glória com fome da morte Passos dados no deserto Aguas secam no começo do trajeto Traçado destinado, andar na linha do tempo vermelho Inventar sorriso na órbita da malamba do controverso…
A carruagem avança o fôlego indaga o calendário
Não há rios que atravessam a ilusão das lições percorridas na forja vozes alimentam o silêncio no pátio da lembrança A dança encanta a manada no brilho há vida Na vida há malfeitores Que na trilha causam dores
Não há Vida sem dor Sucesso sem labor Amor sem dessabor Noite sem criança Idade sem lembrança Cicatrize sem ferida
Humberto Napoleón Varela RobalinoImagem criada pela IA do Gemini – https://gemini.google.com/app/51eb914f4694edc8?utm_source=app_launcher&utm_medium=owned&utm_campaign=base_all
Con el despertar de los sentidos … de los instintos vinieron las palabras Y crecieron en la erranza entre sonoras mordeduras de manzanas lentos pasos en la nieve espejismos sedientos en los desiertos acrobacias de ballenas jorobadas telarañas consteladas en el cielo.
Y florecieron cuando los niños imitaron el canto de los pájaros la alegría de la lluvia lo crocante del algodón de azúcar.
Y crecen innumerables crecen entre las manos y la dócil arcilla perdurable entre gestos melindrosos que reinan los tejidos entre vasijas de redondos sorbos.
Y se multiplican como panes como peces como enjambres de mielosos neologismos.
Las palabras tienen vida danzan se enamoran también se ponen tristes se convocan para calentar las calles se recuestan en la hierba para maravillarse del trabajo de la hormiga.
Las cosas llegaron sin sus nombres como todas las semillas para alimentar por igual a los dioses y a los hombres como el silencio para llenar la solead de los templos como el frio de las criptas para llenarnos la memoria.
Las palabras son imagen y semejanza de los sueños sonidos pegados a los labios grafías escritas en el tiempo.
Cuando en la torre de Babel sonaron en desconcierto las trompetas en estampida las palabras se regaron por la Tierra fueron libres para liberar al hombre y el amor se aferró a la punta de la lengua.
Dorilda AlmeidaImagem criada pela IA do Gemini – https://gemini.google.com/app/81857cb629a6832a?utm_source=app_launcher&utm_medium=owned&utm_campaign=base_all
Quando nascem As flores A vida Fica mais colorida
Quando crescem Os medos A vida Fica menos saborosa
