Centro Cultural SESI Sorocaba apresenta exposição
fotográfica de Dani Sandrini com temática indígena

A mostra terra terreno território – que traz fotografias impressas em folhas de plantas e em papel com pigmento de jenipapo – possui obras com audiodescrição e peças táteis

O Centro Cultural SESI Sorocaba apresenta a exposição terra terreno território que reúne obras de temática indígena da fotógrafa e artista visual Dani Sandrini. A temporada ocorre entre os dias 2 de agosto e 30 de novembro de 2025, com visitação gratuita e acessibilidade. O evento de abertura acontece no dia 1º de agosto, sexta-feira, às 19h, com bate-papo aberto ao público com a artista e o curador Wagner Souza e Silva.

A mostra – composta por cerca de 35 obras – possui piso tátil, audioguia, 9 obras táteis e 20 obras com audiodescrição, além de vídeo de 19 minutos com depoimentos de vários indígenas e da artista com legenda e tradução em Libras.

terra terreno território é apresentada em dois agrupamentos fotográficos nos quais a artista utiliza duas técnicas artesanais de impressão fotográfica do século XIX propondo uma reflexão sobre o indígena em grandes cidades, no século XXI. No primeiro, um processo chamado antotipia (técnica que utiliza pigmentos vegetais como material fotossensível), a impressão é feita em papéis sensibilizados com pigmento extraído do fruto jenipapo (que muitos indígenas usam nas pinturas corporais).

Já no segundo agrupamento, pelo processo de fitotipia (técnica que utiliza a própria clorofila como agente para produzir a imagem), as imagens são impressas diretamente em folhas de plantas como taioba, singonio, mandioqueira, helicônia e guiné.

Ambos processos se dão através da ação da luz solar, em tempos que variam de três dias a seis semanas de exposição. Todas as imagens de terra terreno território foram captadas durante o ano de 2019 em aldeias indígenas da cidade de São Paulo, onde predomina a etnia Guarani, e também no contexto da metrópole, onde vivem indígenas de aproximadamente 53 etnias.

As obras de Dani Sandrini trazem uma temporalidade inversa à prática fotográfica vigente, da rapidez do click e da imagem virtual. “A longa exposição convida à desaceleração para observar o entorno com outro tempo e sob outra perspectiva. Como a natureza, onde tudo se transforma, esses processos produzem imagens vivas e que se transformam com o tempo; uma referência a permanente transformação da cultura indígena, que não ficou congelada 520 anos atrás”, reflete a artista.

A delicadeza do processo orgânico traz também uma consequente fragilidade para as fotografias com a passagem do tempo. “Dependendo da incidência de luz natural diretamente na imagem, por exemplo, pode levá-la ao apagamento”, explica a artista.

A concepção de Sandrini considera esta possibilidade como um paralelo ao apagamento histórico que a cultura indígena sofre em nosso país. Ela diz que “a proposta favorece também a discussão acerca da fotografia com seu caráter de memória e documento como algo imutável, ampliando seus contornos e podendo se vincular ao documental de forma bem mais subjetiva. A certeza é a transformação. A foto não congela o tempo. Os suportes que aqui abrigam as fotografias geram outros significados”, reflete.  

Com terra terreno território a fotógrafa alerta para a necessidade de compreender a cultura indígena para além dos clichês que achatam a diversidade do termo. “A intenção é exatamente oposta, é desachatar, lembrar que muitos indígenas vivem do nosso lado e nem nos damos conta. Já se perguntaram o porquê dessa história ter sido apagada?”, comenta Dani, que durante o projeto fotografou – na região metropolitana da cidade de São Paulo – pessoas indígenas de diversas etnias, oriundas de várias regiões do país, ora posando para um retrato ora em suas rotinas, suas atividades, seus eventos, rituais ou celebrações.

terra terreno território nasceu do projeto Darueira, em 2018, contemplado no 1° Edital de Apoio à Criação e Exposição Fotográfica, da Secretaria Municipal de Cultura de São Paulo por meio da Supervisão de Fomento às Artes. Realizado em 2019, ganhou exposição na Biblioteca Mario de Andrade, de outubro a dezembro.

Em 2020 (no formato online), passou pela Galeria Municipal de Arte, do Centro de Cultura e Eventos Plínio Arlindo de Nes (Chapecó/SC), pelo Cali Foto Fest (Colômbia) – exposição virtual e projeções urbanas, além apresentação virtual na abertura do festival – e esteve no Pequeno Encontro de Fotografia (Olinda/PE).

Em 2021, integrou o Festival Photothings (exposição online no metrô de São Paulo; ensaio escolhido para integrar a Coleção Photothings) e foi tema de conversa no Fórum Virtual – Fotografia Experimental (Argentina) e de palestra no Interfoto Itu. Em 2022,terra terreno território foi selecionada para a coletiva Exposição Latinas en Paris (Fotografas Latam, Fundación Fotógrafas Latinoamericanas), na Galerie Rivoli 59, e integrou a coletiva Acervo Contemporâneo do Museu de História e Arte de Chapecó, SC.

Em 2023, a exposição ocupou a Galeria de Fotos do Centro Cultural FIESP (SP), o Centro Cultural Matarazzo (Presidente Prudente, SP), a Pinacoteca Municipal Dr. Antônio Cintra e esteve no Festival Amparo em Foco (Amparo, SP) e no festival internacional Indian Photo Fest; e em 2025, no Sesc Pato Branco (PR) e Museu de Arte e Cultura de Caraguatatuba (SP). Vem circualndo por várias unidades do SESI São Paulo: Itapetininga, Campinas e São José do Rio Preto (2022); Ribeirão Preto (2024); São José dos Campos (2024 / 2025); e Sorocaba (2025).

Dani Sandrini – Fotógrafa, educadora e artista visual radicada em São Paulo, Brasil, Dani Sandrini fotografa comercialmente desde 1998, e desde 2014 desenvolve projetos mesclando fotografia documental/imaginária com impressões artesanais ou experimentais.

Nos últimos anos tem estudado o entrelaçamento de materiais e suportes com as imagens fotográficas e a ação do tempo sobre elas. Dependendo do projeto e de sua singularidade, sua fotografia pode ser simplesmente tirada com câmera digital e colocada em papel ou telas, mas também pode conter outros elementos que acrescentem significado à imagem final, além de camadas extras de subjetividade.

Dani tem experiência em processos fotográficos artesanais e desenvolve projetos utilizando tranferprint, pinhole, cianotipia, antotipia e fitotipia. Nos últimos anos, circulou com o projeto terra terreno território, sobre os povos indígenas do século XXI, por várias cidades. Capturadas digitalmente em São Paulo, as imagens expostas são impressas em folhas de plantas e também com o pigmento natural extraído do jenipapo.

Esse projeto esteve em exposições nas seguintes localidades: São Paulo, Itapetininga, Campinas, São José do Rio Preto, Presidente Prudente, Ribeirão Peto, São José dos Campos, Caraguatatuba, Pato Branco/PR, Olinda/PE, Amparo, Chapecó/SC e nos países Colômbia, França, Portugal e Índia.

Serviço

Exposição: terra terreno território

Artista: Dani Sandrini

Abertura: 1º de agosto – Sexta, às 19h

Bate-papo com Dani Sandrini e Wagner Souza e Silva

Temporada: 2 de agosto a 30 de novembro de 2025

Horários: Quarta a domingo, das 10h às 19h

Visitação gratuita. Classificação: Livre.

Acessibilidade: piso tátil, audioguia, obras táteis e com audiodescrição.

Agendamento de grupos e escolas: cacsorocaba@sesisp.org.br

Centro Cultural SESI Sorocaba

Espaço Galeria

Rua Gustavo Teixeira, 369 – Vila Independência. Sorocaba/SP.

Tel.: (15) 3388-0444. www.sorocaba.sesisp.org.br. Na rede: @sesisp.sorocaba

Terra Terreno Território na rede:

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Paralelo Entre Arte Acadêmica e Arte Naif. A oficina é parte da atividade ‘Bamo Proseá – Vivências Caipiras’

O Núcleo Educação, Tecnologia e Cultura (NETC- ProEx) da Universidade Federal de São Carlos, campus Sorocaba (UFSCar-So) convida para o evento “Bamo Proseá? Vivências Caipiras”.

No primeiro encontro, dia 07/06/2025, às 10h, acontecerá a abertura com um causo contado pelo Cumpadi Pedro e em seguida uma prosa com Elton Ferreira, Fabíola Mirella, Zeca Collares e mediação da professora Neusa Mariano.

No segundo dia, 14/06/2025, às 10h, contaremos com a oficina de artes “Paralelo entre arte acadêmica e arte Naif” com Gizela Maria. As inscrições para a oficina devem ser feitas até dia 08/06/2005 pelo link: https://forms.gle/JvotSbUBTAjVry1L7.

No evento teremos também, desde o dia 07/06, a Exposição “Bamo Proseá? Cotidiano e cultura caipira entre retratos e afetos”.

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Exposição das obras de Mário Mattos.  Homenagem aos 100 anos de dedicação à cultura

A Academia Sorocabana de Letras – ASL, promove, em parceria com o Instituto Cultural ‘José Aleixo Irmão’ e o Sorocaba Clube, o evento ‘Mário Mattos, 100 anos de puro talento, com exposição de quadros de sua autoria,  no Salão dos Arcos do tradicional clube, dia 22 de novembro de 2024, a partir das 19h e dia 23, a partir da 16h.

100 anos de dedicação à cultura

Mário Barboza de Mattos, natural de Pelotas, RS e  Cidadão Sorocabano, título recebido em 2011, permanece ativo, lúcido e produtivo, aos 99 anos, prestes a completar, no próximo dia 12 de dezembro, 100 anos de idade.

Mário Mattos, como assina as suas obras, iniciou sua carreira de artista bastante jovem, desenhando cavalos, nas coxilhas de Cangaçu, RS, aprimorando cada vez mais o seu talento para a pintura.

Aos 23 anos concluiu a faculdade de Agronomia e atuou como agrônomo em sua terra natal. Posteriormente, resolveu viajar para Porto Alegre, onde atuou como repórter no jornal A Tribuna. Casou-se em 1952 e após o fechamento do jornal, resolveu retornar à atividade ligada a sua formação, buscando oportunidade, primeiro no Rio de Janeiro, posteriormente, em São Paulo, na Secretaria da Agricultura e acabou em Pilar do Sul, em meados de 1958.

Pressionado pela esposa, alugou casa em  Sorocaba, onde mudou-se com a família, em 1964. Acusado de subversão por um desafeto, antigo delegado em Pilar do Sul, afastado por promover grilagem naquela cidade e corajosamente combatido por Mário, foi preso durante três dias.

Viajou para Pilar do Sul durante doze anos. Transferido para Araçoiaba da Serra, lá exerceu suas atividades por mais seis anos.

Não deixou a pintura de lado. Em 1970 viajou para o Sul para vender seus quadros. Na volta passou por São Paulo onde conversou com seu primo e amigo de infância, Barbosa Lessa, que o informou da bagagem histórica de Sorocaba, do Tropeirismo e das Feiras de Muares. Entusiasmado, retornou para Sorocaba e visitou o historiador Aluísio de Almeida, passou a ter contato com Vera Ravagnani Job, então diretora do Museu Histórico e Pedagógico Tobias de Aguiar que juntamente com outras personalidades e historiadores, como Adolfo Frioli, Porphirio Rogich Vieira e Adilson Cezar, resolveram aplicar, na prática, a Lei que foi aprovada nos anos 50, instituindo a segunda quinzena de maio como a Semana do Tropeiro. Mário e Roque José de Almeida (compositor popular) se encarregaram da divulgação e de angariar patrocinadores para continuidade do evento que ocorreu em 1951 e 1952, obtendo apoio político e sem desconsiderar os eventos anteriores, chamaram o de 1970, como a Terceira Semana do Tropeiro.

Em 1976 foi nomeado para a Divisão Regional Agrícola de Sorocaba, onde aposentou-se em 1989, aos 65 anos.

Acompanhou o sucesso crescente, com o apoio de diversos prefeitos e políticos, da Semana do Tropeiro, vendo o número de cavaleiros nos desfiles ultrapassar os dois mil, nos anos 80. Mário desfilava a cavalo e desenhava os cartazes, que passaram a ter ‘outdoors’ espalhados por toda a cidade.

No jornal Cruzeiro do Sul, publicou desenhos com Curiosidades do Tropeirismo a partir de 1983, a seção Fogo de Tropeiros e ainda publicou 14 contos nesse mesmo matutino.

Após o trágico acidente que vitimou seu primogênito, divorciou-se e casou-se com sua prima e ex-freira, Ruth Meireles de Mattos. Graças a sua autoestima, identidade cultural, a pintura e aos inúmeros amigos, enfrentou com galhardia os problemas e preconceitos atrelados a essa decisão.

Logo depois de sua aposentadoria, para resolver problemas de herança, vendeu a casa no Central Parque e retornou ao Rio Grande do Sul, em uma chácara, em Pelotas. Lá ampliou a sua participação cultural, ingressou no Instituto Histórico e Geográfico de Pelotas, onde fundou o Núcleo de Estudos Simonianos, escreveu inúmeros artigos sobre seu patrono da ASL e o livro ‘Tempo de Resgate’, biografia de Simões Lopes Neto, realizou seminários e colaborou com o movimento tradicionalista gaúcho.

Fundado o Instituto José Simões Lopes Neto, foi eleito Vice-Presidente na assembleia de estruturação em 1999. O prédio foi restaurado e entregue ao público em 2006. Em 2007 publicou o livro ‘Garimpando no Mundo das Trezentas Onças’ e o Instituto JSLN instituiu o prêmio ‘Trezentas Onças’, sendo Mário um dos premiados.

Em 2010, por problemas de saúde, retorna a Sorocaba e reforça os laços culturais com a Academia Sorocabana de Letras, o Tropeirismo e a cultura tropeira de Sorocaba e região. Nos 356 anos de Sorocaba é selecionado para a publicação do poema acróstico ‘Um olhar sobre Sorocaba’.

Retorna, novamente, em 2011. Realiza mostra de aquarela tropeiras na FUNDEC, onde já existiam trabalhos seus doados pela viúva de outro Acadêmico, o Dr. Hélio Rosa Baldy.

Seu talento como artista foi reconhecido por todos os locais onde seus quadros foram levados. Em 1978 realizou a sua primeira exposição individual em Porto Alegre, obtendo consagração na mídia e no público. Pelos seus trabalhos foi incluído no Dicionário de Artes Plásticas do Rio Grande do Sul, edições de 1998 e 2000.

Reside, atualmente, na cidade de Capão do Leão, no  Rio Grande do Sul. Foi o instituidor da cadeira de nº 27 de João Simões Lopes Neto, em 06/12/1980, na Academia Sorocabana de Letras e a esse patrono dedicou-se, de tal forma, que o reverencia até hoje.

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A 8ª edição da FLAUS (Feira do Livro e Autores Sorocabanos) já tem data marcada e as inscrições para participação estão abertas!

A 8ª edição da FLAUS (Feira do Livro e Autores Sorocabanos) já tem data marcada e as inscrições para participação estão abertas! 🎊

🧑🏻‍💻 É escritor de Sorocaba ou região? É artista local? Inscreva-se para:

✔ lançamento de livros

✔ sessão de autógrafos

✔ rodas de conversa

✔ performances

✔ debates

✔ oficinas

✔ exposição artística-cultural (quadros, artesanatos, livros, esculturas etc.)

⚠️ As inscrições são gratuitas e vão até o dia 30/10.

Local e data:

SESC Sorocaba – 13, 14 e 15/12.

Praça Cel. Fernando Prestes/Sorocaba – 21/12

Inscreva-se aqui: https://forms.gle/5Leeav1sn2CpUqZV7

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Museu Afro Brasil Emanoel Araujo inaugura a exposição ‘As Vidas da Natureza-Morta’

Na maior mostra do gênero no país, o curador Claudinei Roberto da Silva observa a sensível eloquência de objetos inanimados

O Museu Afro Brasil Emanoel Araujo, instituição da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, inaugurou, no último sábado, 13 de abril, a exposição “As Vidas da Natureza-Morta”.

O evento de abertura contou com a participação do curador da exposição, Claudinei Roberto da Silva, do Diretor Artístico do Museu, Hélio Menezes, da secretária de Cultura, Economia e Indústria Criativas, Marília Marton, além de talentos que participam da mostra e outras personalidades. A exposição aborda diversas referências de natureza-morta, considerando a produção de artistas brasileiros e estrangeiros do século XIX até a atualidade. 

O curador Claudinei Roberto da Silva partiu do acervo da instituição, contando com obras de outras instituições culturais do país, além de contribuições de artistas e colecionadores. Durante a cerimônia de abertura, ele destacou a relevância do trabalho dos artistas e do Museu.

“Tornar possível uma exposição que tem 62 artistas e mais de 300 obras, é uma coisa difícil de imaginar quando nós vemos a mostra pronta. O que vocês vão ver é uma ínfima parte da produção artística brasileira. E reitero que a manutenção dos espaços de cultura e museais depende do público, depende de vocês. A gente precisa prestigiar as instituições museais e se apropriar desse patrimônio que é nosso”, pontuou Claudinei.

Hélio, o novo Diretor Artístico da instituição, falou sobre a experiência de abrir a primeira exposição desde o início de sua gestão. “Depois de tantos anos em que me dediquei  a estudar o Museu e o Emanoel, estar aqui é uma honra. Eu falo sem qualquer modéstia que esse é o museu mais importante do Brasil e brasileiro. É uma alegria poder abrir a primeira exposição.” 

Já a secretária, Marília Marton, elogiou o trabalho realizado. “Essa mostra, que é a maior do gênero no país, nos convida a uma extensa e profunda reflexão por meio da sensibilidade da natureza morta, buscando conhecer quais são suas persistências, seus motivos, comportamentos e reivindicações enquanto objetos contemporâneos”, finaliza. 

A exposição é composta por  62 artistas acadêmicos, populares, modernos e contemporâneos. Dentre eles, cabe mencionar o artista negro Estevão Silva, que morreu no Rio de Janeiro em 1891 e conferiu expressão ao gênero. Também estão presentes nas obras os artistas Aldemir Martins, Alina Okinaka, Ana Luiza Dias Batista, Anita Malfatti, Antonio Pulquério, Carlos Scliar, Yêdamaria, Juniara Alburquerque e Mariana Martins. 

Sobre o Museu Afro Brasil Emanoel Araujo

O Museu Afro Brasil Emanoel Araujo é uma instituição da Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo administrada pela Associação Museu Afro Brasil – Organização Social de Cultura. Inaugurado em 2004, a partir da coleção particular do seu diretor curador, Emanoel Araujo (1940-2022), o museu é um espaço de história, memória e arte.

Localizado no Pavilhão Padre Manoel da Nóbrega, dentro do mais famoso parque de São Paulo, o Parque Ibirapuera, o Museu Afro Brasil Emanoel Araujo conserva, em cerca de 12 mil m2, um acervo museológico com mais de 8 mil obras, apresentando diversos aspectos dos universos culturais africanos e afro-brasileiro e abordando temas como religiosidade, arte e história, a partir das contribuições da população negra para a construção da sociedade brasileira e da cultura nacional. O museu exibe parte deste acervo na exposição de longa duração e realiza exposições temporárias.

SERVIÇO:

EXPOSIÇÃO – As Vidas da Natureza-Morta

Endereço: Parque Ibirapuera, Av. Pedro Álvares Cabral, s/n, portão 10, São Paulo – SP
Funcionamento: terça a domingo, 10h às 17h (permanência até às 18h)
Ingresso: R$15 (meia entrada, R$7,50)
Grátis às quartasEstacionamento (Parque Ibirapuera)Horário: das 5h à 0h
Acessos: Portões 3 e 7

Assessoria de Imprensa do Museu Afro Brasil Emanoel Araujo – Si Comunicação 
Bruna Dutra: marketing@sicomunicacao.com.br   
Silvana Inácio silvana@sicomunicacao.com.br   
Contato: (11) 99191-5116 (WhatsApp Si Comunicação)

Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo – Assessoria de Imprensa
(11) 3339-8062 / (11) 3339-8585
imprensaculturasp@sp.gov.br
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Carbono Galeria inaugura exposição ‘Explorando a cor: uma década de impressões e múltiplos’, de Carlos Cruz-Diez

O evento de abertura aconteceu no sábado 28/10, celebrando o ano do centenário do artista venezuelano e 10 anos de existência da galeria

No último sábado, 28/10, a Carbono Galeria, fundada por Ana Serra e Renata Castro e Silva, inaugurou a exposição Explorando a cor: uma década de impressões e múltiplos, de Carlos Cruz-Diez. O evento reuniu amigos, artistas, curadores e apreciadores de arte para celebrar o centenário do artista venezuelano e os 10 anos de existência da galeria.

Elaborada em parceria com a fundação que leva seu nome, a exposição reúne 33 gravuras além de nove esculturas produzidas nos últimos 10 anos de vida do artista, que completaria 100 anos em 2023.

Com curadoria de Carlota Perez-Appelbaum, consultora da Fundação Cruz-Diez, a exposição propõe uma viagem íntima por meio de experimentações do artista que teve uma carreira prolífica. O visitante poderá contemplar cromografias da Série Panam (2010), que destacam as infinitas possibilidades das formas retangulares, conceito também explorado em trabalhos da série Induction Chromatique Caribeña, de 2018, feitos um ano antes do artista falecer em 2019.  

“Através de técnicas meticulosas, como a serigrafia, a litografia e a impressão a laser, Cruz-Diez transformou o plano bidimensional num parque de diversões para os sentidos. Cada impressão, tal como um instrumento afinado, envolve o espectador numa sinfonia visual que dança graciosamente diante dos seus olhos, explorando as interações das cores de uma forma que desafia e encanta a mente”, diz a curadora Carlota Perez Appelbaum.

A cor não é algo estático, mas sim um fenômeno espacial dinâmico. Um exemplo notável disso pode ser observado em “Indução ao Amarelo – Oficina 4 (2012)”, parte da série “Indução Cromática” do artista. Segundo a curadora, nesta obra, o espectador experimenta um efeito óptico duplo: de perto, é possível discernir intrincadas formas geométricas formadas por linhas paralelas em azul, preto e branco. No entanto, ao se afastar, as linhas diminuem de tamanho, revelando uma tonalidade amarela que cria uma experiência virtual tão vívida quanto as cores da superfície.

Além dos trabalhos em papel, provenientes da Fundação Cruz-Diez, as séries de edições limitadas apresentadas nesta exposição incluem esculturas e objetos manipuláveis que permitem aos espectadores explorarem a cor em três dimensões e em uma escala íntima. Para a sócia-fundadora da Carbono, Renata Castro e Silva, “É muito especial celebrar dez anos com uma exposição de Carlos Cruz-Diez, um dos principais nomes do movimento cinético, junto a Julio Le Parc, Jesús Rafael Soto e Abraham Palatnik. A obra de Cruz-Diez é um marco da arte moderna, a interação entre cores e movimento desperta muita identificação com o público brasileiro”, ressalta a galerista. 

Se a arte transcende os limites convencionais e possibilita a expansão das dinâmicas entre cor e luz por meio dos sentidos, Explorando a cor: uma década de impressões e múltiplos oferece também uma experiência tátil e interativa que mostra como disposições espaciais, ilusões ópticas e os jogos de cores são características da obra de Cruz-Diez.

Sobre o artista

Carlos Cruz-Diez nasceu em 17 de agosto de 1923 em Caracas, na Venezuela. Seu encantamento pela cor começou quando frequentava a pequena fábrica de garrafas de refrigerante de seu pai, onde o jovem explorou os reflexos de luz e cor causados pelo sol nos vidros. Desde criança, demonstrou uma paixão pelo desenho e, apesar de receber repreensões dos professores na escola, seus pais o incentivaram a explorar as artes.

Em 1940, ingressou na Escola de Artes Plásticas e Aplicadas, onde obteve seu diploma como professor de arte, profissão que exerceu até os 70 anos. Na juventude, Cruz-Diez trabalhou como ilustrador e designer gráfico para a revista El Farol, além de colaborar com diversas publicações alternativas. Durante esse período, ele também criou quadrinhos para vários jornais venezuelanos e se envolveu com trabalhos publicitários.

A partir de 1954, começou a se interessar por arte abstrata, desenvolvendo uma série de projetos de murais externos com elementos geométricos. Na década seguinte, em 1965, sua carreira se solidifica no exterior com a participação na exposição antológica “The Responsive Eye”, no Museu de Arte Moderna de Nova Iorque (MoMA) – evento que consagrou o movimento da arte cinética. Sua obra encontra-se em coleções permanentes de museus renomados, como o Museu de Arte Moderna de Nova York (MoMA), a Tate Modern em Londres, e o Centro Georges Pompidou em Paris, entre outros. Em 2005, fundou a Fundação Cruz-Diez com o objetivo de preservar, desenvolver e difundir o seu legado artístico e conceitual.

Sobre a Carbono

Ao longo de uma década, a Carbono lançou mais de 400 edições de mais de 200 artistas nacionais e internacionais. Única galeria brasileira a trabalhar exclusivamente com múltiplos, realizou no início do ano uma exposição comemorativa com múltiplos de 10 artistas convidados, entre eles Vik Muniz, Regina Silveira, Sonia Gomes, Artur Lescher, Julio Le Parc e Paulo Pasta. “Completar uma década é um reconhecimento da importância de uma galeria como a nossa que democratiza e facilita o acesso a um trabalho de arte contemporânea de qualidade”, afirma Ana Serra, sócia-fundadora da galeria.

As edições são obras produzidas em séries limitadas em diversos suportes, como escultura, objeto, gravura, fotografia, vídeo e até instalação. Na Carbono, esses trabalhos são criados a partir de uma cuidadosa curadoria e com o rígido controle e certificação de autenticidade. Assim, a instituição contribuiu para derrubar o preconceito em torno dessas tiragens criando oportunidades para a formação de novos colecionadores e a ampliando o mercado artístico. Ao apresentar múltiplos de artistas consolidados, a galeria também aumenta o acesso à produção criativa do artista e torna acessível para o público, trabalhos que antes seriam inatingíveis.

SERVIÇO

Explorando a cor: uma década de impressões e múltiplos, de Carlos Cruz-Diez

Abertura: 28/10, às 11h

Período expositivo: 28/10 até 23/12

Visitação: segunda a sexta-feira, das 10h às 18h; sábado, das 11h às 15h

Entrada gratuita

Voltar: http://www.jornalrol.com.br

Facebook: https://facebook.com/JCulturalRol/

A exposição, com obras de Júlio Veredas, entra em cartaz no hall do Teatro Erótides Campos, em Piracicaba

A exposição reúne cerca de 30 obras que foram criadas entre 1982 e 2022. No dia da abertura (29/10) também haverá apresentação musical da cantora Marcia Mah e do violonista Zé Marcos interpretando canções de Elomar Figueira Mello

No final dos anos 1970, ao ganhar uma fita cassete de um artista cujas músicas contavam com um dialeto próprio e com uma sonoridade que  estabelece um  novo paradigma para a música erudita brasileira, o artista plástico Júlio Veredas se viu completamente apaixonado pela obra do músico e compositor Elomar Figueira Mello.

Sua aproximação com a obra de Elomar fez com que se iniciasse ali uma série de obras artísticas atravessadas pela musicalidade do músico e que, agora, estão reunidas na exposição Profundus, Sertanus, Incantatus, que entra em cartaz no hall do Teatro Erótides Campos de 29 de outubro a 12 de novembro. O evento tem apoio da Prefeitura de Piracicaba, por meio da Semac (Secretaria Municipal da Ação Cultural).

No dia de abertura do evento (29/10, domingo, 16h), haverá ainda um show da cantora Marcia Mah e do violonista Zé Marcos interpretando canções de Elomar Figueira Mello, como O Pedido, Arrumação, Chula no Terreiro e Puluxias do Tropeiro Gonsalin.

A apresentação terá também canções autorais da Marcia, incluindo Sertanias – inspirada no livro Grande Sertão – Veredas e com arranjo de Cao Alves, artista que já participou de várias produções de Elomar e que foi integrante do grupo Tarancon.

A mostra, com curadoria do mestre em artes visuais  Allan Yzumizawa, traz aproximadamente trinta obras de Júlio – entre desenhos feitos em grafite sobre papel, nanquim sobre papel e aquarela – criadas desde o início dos anos 1980, quando conheceu Elomar pessoalmente -, até 2022. O projeto é realizado com o prêmio Exposição Inédita do PROAC 2022 com apoio do Centro Cultural São Paulo.

Conhecido por uma obra influenciada drasticamente pela música e pela literatura, Júlio conta que os trabalhos apresentados nessa exposição inédita também são influenciados pela poética do escritor João Guimarães Rosa, que  reconstrói a imagem do sertão e o  universaliza quando transcende o eterno  conflito entre o ser humano e o destino que o espera – característica comum com a música de Elomar Figueira Mello.

Sob a perspectiva da busca e exploração do sertão de si mesmo, Júlio  Veredas ilustra essa encruzilhada de onde partem e convergem  inúmeros caminhos e alternativas que habitam seu íntimo. “O título dessa exposição traz algo do encantamento que flagrei na minha convivência com amigos que vivem na Caatinga”, conta Júlio.

“Muitas vezes eles me contavam suas histórias em botecos na beira de estradas e eu contava as histórias do que estava vivendo em São Paulo. Mesmo morando lá por muito tempo, não me sentia um vaqueiro, um catingueiro, e é nessa troca que nossas histórias ganhavam um certo encanto, uma formação de nossas identidades”, completa o artista.

Elomar Figueira Mello, baiano de Vitória da Conquista, é compositor, escritor, violonista e  cantor. Hoje, com 85 anos, é considerado um  artista ímpar na música brasileira e sua obra surge como um marco  significativo dentro do panorama da música popular brasileira, marcada pela forte  presença de variantes dialetais, arcaísmos e neologismos, formando  uma linguagem muito característica fundada na oralidade sertaneja. 

Suas letras abrangem uma ampla gama de temas, na maior parte  das vezes vinculado ao imaginário rural do sertanejo nordestino,  ainda que com elementos medievais, cristãos e ibéricos.

“Quando vi pela primeira vez os desenhos desse malungo Julio Veredas, gostei muito, pois  vi desenhos de algumas estrofes minhas e centenas dele. Vi que retratava a própria vereda  que sua alma bonita percorre.

Ao contemplá-los, consigo ver como que em sonhos  fragmentos de momentos das paisagens que minha alma viu antes de nascer, assim como  também ouço o prenúncio, apenas aurora mágica que anunciam a impossibilíssima  ressurreição de uma daquelas perdidas e distantes tardes da infância”, diz Elomar Figueira Mello.

Júlio Veredas 

Com uma atuação intensa a mais de 40 anos na artes visuais, Júlio  Veredas, se destaca pela singularidade de seu trabalho, que dialoga  com a música e a literatura e constrói uma obra que traz aspectos da  cultura popular sob a perspectiva da busca e exploração do sertão  de si mesmo.

Artista autodidata, desde muito cedo passou a  frequentar cursos livres de artes e atuar na área de eventos culturais.  Natural de Sorocaba Julio Veredas, residiu por muitos anos na capital  convivendo com grupos de música e teatro, quando inicia as  primeiras mostras de seus desenhos, realizando exposições  individuais no Centro Cultural São Paulo e no MASP (1983/1984),  mantendo em paralelo uma produção em sua cidade natal, Sorocaba,  com artistas diversos e na cidade de Vitória da Conquista Bahia, terra  do compositor Elomar Figueira Mello, que passa a ser uma grande  referência em seu processo artístico. 

Essa geografia se mantém  presente em toda sua trajetória e torna-se marcante na produção de  seus trabalhos que resultam hoje numa coleção de aproximadamente  1000 ilustrações entre Aquarelas, Grafites, Nanquim e Colagem, com  participações em projetos como Projeto Terra Rasgada – SECSP,  Projeto Glauber Rocha Museu Regional Vitória da Conquista  (BAHIA), e dezenas de exposições individuais e coletivas. 

Colaborando com outros trabalhos tem desenvolvido ilustrações para  livros, encarte de CDs, restauros, além de participar ativamente da  política cultural de Sorocaba, integrando o Conselho Municipal de  Cultura e atuando como gestor de Espaço Artístico colaborativo  (Teatro OFF), sendo por isso homenageado pelo mais tradicional  bloco carnavalesco de Sorocaba, o Depois a Gente se Vira, em 2020.

Toda a poesia e delicadeza empregada em sua jornada como artista  plástico não exclui sua habilidade em lecionar para pessoas de  diferentes faixas etárias conteúdos técnicos de desenho. Atuando em  projetos em sistemas penitenciários e hospitais psiquiátricos, oficinas  em diversas cidades do interior de São Paulo, aulas particulares e  projetos educativos do sistema S. 

A pandemia criou uma nova etapa em seu processo de trabalho, com  o fim das aulas e exposições passou a se dedicar integralmente à produção em seu ateliê e a se reinventar no ambiente virtual das  redes sociais, conquistando um público novo que observa novos  elementos no significado de suas obras. Atualmente mantém uma  comunicação diária com internautas e uma intensa atividade com a  criação de aquarelas onde amplia o conceito de sertão como algo  transversal do interior dos lugares e do ser. 

Marcia Mah (Cantora)

Com quatro álbuns na carreira, lançou o CD “Apanhado” (2000) interpretando autores paulistas, CD Choro Canção (2006) com o Grupo Casa de Marimbondo, CD/DVD “Láláiá” (2011) com músicas próprias, realizando turnê em Portugal em 2015 através do Programa de Intercâmbio Cultural do MINC e Selo Musical MIMS – Europa, DVD PRISMAH – um olhar sobre o corpo da voz (2016), sendo contemplada pelo Prêmio PROAC Circulação de Espetáculos em turnê pelo PROAC 2018 com apresentações no MIS capital, litoral e interior do estado de São Paulo.

– Produtora do projeto “Profundus, Sertanus, Encantatus” do artista plástico Julio Veredas aprovado pelo PROAC Exposição Inédita 2022

– Produtora do CD Linha de Chegada de Zé Marcos lançado em nov/2021 

– Produtora do Documentário “ARTEIROS” – Lei Aldir Blanc (2021)

– Seminários “O Canto Popular” nas Fábricas de Cultura (Sapobemba, Belém, Cid. Tiradentes, Vl. Curuçá, Itaim e São Bernardo do Campo) agosto/22

– Preparadora Vocal do 1° Festival Estudantil Estadual do SESI SP – FESTVOZ agosto/22

– Selecionada no Edital do Centro Cultural FIESP com uma temporada de apresentações do show “Acústico Márcia Mah” 2019/2020.

– Participa do Encontro Musical com Orquestra Mundana Refugi pela Mda Internacional dez/2021

– Idealizadora do Projeto Bioma Musical apresentado em várias unidades do SESC SP 2022

– Idealizadora e produtora do espetáculo “ECOS de 22” apresentado nas unidades do CEU pela SMESP 2022

– Palestrante convidada nos cursos de Semiótica e Produção Musical das Universidades Federal da Bahia (Salvador e Recôncavo), FATEC Tatuí e UNISO (2015/2017).

– Durante a pandemia participou de projetos on-line como o FESTVALE (Festival de Economia Criativa do Vale do Ribeira) , REC-começo SESC Sorocaba, Especial Boteco do RibeiraSESC Registro

– Diretora da Brasilidades Produções Artísticas, onde desde 2013 desenvolve diversos espetáculos temáticos e de arte educação e especiais em homenagem a Dorival Caymmi, Noel Rosa, Samba Paulista com Osvaldinho da Cuíca, Nara Leão, Clementina entre outros. Produtora do Livro e CD “Nilson Lombardi – Obra completa” (2002)

– Formada em Filosofia (UNISO)e no Curso de Canto Lírico e MPB/JAZZ do CDMCC – Tatuí- SP, integrou o Coral Cênico “Da Boca Pra Fora” como solista em recitais e concertos sinfônicos

Zé Marcos (Violonista) 

Zé Marcos é reconhecido na região metropolitana de Sorocaba, onde atua há 30 anos como violonista, compositor, arranjador e educador. No início da carreira, foi vencedor do Concurso Jovens Instrumentistas do Conservatório Heitor Villa Lobos de São Paulo, dando prosseguimento aos estúdios se formando em Violão Bacharelado na Faculdade Mozartéum de São Paulo.

Realizou especializações em renomados centros, como o CLAM (Centro Livre de Aprendizagem Musical) escola ligada ao Zimbo Trio e Curso de Especialização em Educação e Organização social na Universidade de Havana (Cuba). 

Coordenou diversas oficinas realizadas na Oficina Cultural Grande Otelo de Sorocaba,

com destaque para os projetos “Caminhos do Violão” e oficina com artistas como Tom Zé e Arrigo Barnabé, sendo citado no Livro “Violões do Brasil de Myriam Taubkin – 2004 . Entre os diversos grupos que idealizou e integrou, destaca o grupo de choro “Caco de Vidro” – 2011, com formação em regência realiza concerto como convidado da Banda Sinfônica da Fundec – 2011. 

Como músico acompanhante destaca o show “Samba Interior” com o sambista Osvaldinho da Cuíca em projetos de Arte educação. É integrante do Grupo Ybsorok e em espetáculos como “ECOS de 22 – desdobramentos Musicais sobre a Semana de Arte Moderna”, além de ser parceiro musical no CD Lalaiá (Marcia Mah) e do conjunto da cantora na sua turnê em Portugal.

É músico fixo na banda e gravações do CD “Estações”, do violeiro Zéca Collares. Como educador, criou um método próprio ao longo de sua experiência didática, lançando o Livro “Violão Guia de Ensino e Aprendizagem”. Lançando-se como intérprete não só como músico, mas também cantor, apresentou o Tributo a Baden Powel no Teatro do Sesi Sorocaba 2019 e lança em outubro de 2021 seu primeiro CD autoral – “Linha de Chegada” pela LINC Sorocaba.

SERVIÇO:

Profundus, Sertanus, Incantatus | Júlio Veredas

Local: Hall do Teatro Erótides Campos

Endereço:  Rua Dr. Maurice Allain, 454 – Engenho Central- Vila Rezende / Piracicaba

Período expositivo: 29 de outubro a 12 de novembro. Segunda à sexta-feira, das 13h às 17h e aos finais de semana, de acordo com a agenda de espetáculos

Entrada gratuita 

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