Alesia Issa, artista bielorrussa, torna visível o invisível

Em entrevista ao colunista Carlos Javier Jarquín, a artista multidisciplinar revela seu universo arquetípico, unindo misticismo, pintura e música da Bielorrússia à China

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Queridos amigos planetários:

Apresento-lhes a artista multidisciplinar bielorrussa Alesia Issa, nascida em Minsk em 23 de janeiro de 1993 e atualmente residente na China. Sua paixão pela arte é diversa e infinita e, ao longo de sua vida, ela soube dar cor à sua existência, que nada mais é do que uma expressão artística digna de admiração.

Ela teve o privilégio de crescer em um lar onde a arte fazia parte do seu cotidiano. Desde os seus primeiros anos surgiram suas inquietações artísticas, iniciadas com o desenho. A música corre em suas veias e faz parte de sua vida artística: em sua adolescência, foi primeira soprano do Conjunto Folclórico Litwins. Entre la música e a pintura, escolheu estudar pintura na Academia Estatal de Artes da Bielorrússia, onde obteve em 2018 o título de Licenciada em Artes, com especialização em Pintura e Docência da Pintura. Em 2019, concluiu o mestrado em Teoria da Arte, com foco em belas artes, artes decorativas e arquitetura. Obras de sua autoria encontram-se atualmente em coleções privadas e públicas da Bielorrússia, Reino Unido, Singapura, Rússia, Espanha, Suíça e Equador.

Em sua biografia lê-se: “Sua arte abrange a pintura, a gráfica, a cerâmica, a fotografia, o vídeo, a performance e a tatuagem. Inspirada por mitos, folclore e imagens arquetípicas, explora a beleza espiritual das pessoas, a natureza e o mundo cotidiano. Sua obra une o sagrado ao cotidiano e adentra em narrativas do subconsciente para criar um universo visual rico e etéreo. Em 2024 e 2025, atuou como curadora e participou de exposições internacionais que promovem o diálogo entre artistas de diferentes culturas. Seu trabalho aborda a identidade, a herança cultural, a memória e o vínculo sagrado entre o ser humano e a natureza. Participou de exposições coletivas e individuais na Bielorrússia e no Reino Unido, entre elas ‘Living and Dreaming’, apresentada em Londres em 2018. Nesse mesmo ano, recebeu uma residência da Eurasian Creative Guild em Hemel Hempstead, Inglaterra, experiência que abriu novas oportunidades e conexões em sua trajetória artística”.

Alesia é uma artista polifacetada e também trilingue, já que fala bielorrusso, russo e inglês. Nesta conversa, conheceremos mais do seu universo artístico. Aproveito para convidar todos a conhecerem a obra desta grande artista bielorrussa que, com sua pouca idade, já alcançou um sucesso notável.

Com que idade despertou em você o amor pelas artes visuais?

Meu amor pela arte visual começou quando eu tinha três anos. Nasci em uma família criativa, e o desenho, a música e a poesia conviveram ao meu lado durante toda a minha infância. Criar imagens tornou-se uma parte natural da minha maneira de olhar o mundo e de tentar dar forma àquilo que eu imaginava.

Desde criança, também era fascinada por mitologia, folclore, simbolismo religioso e pelo desconhecido. Essas histórias me ofereciam imagens de coisas que eu podia sentir, mas não ver. Creio que esse desejo de tornar visível o invisível continua no centro da minha obra.

Aproximadamente aos quinze anos, quando tive que escolher uma profissão, escolhi a pintura. Mais tarde, recebi formação acadêmica em pintura e concluí o mestrado em Teoria da Arte. No entanto, não creio que a educação, por si só, tenha me transformado em artista. Ela me deu uma base e ferramentas para algo que havia começado muito antes.

O que a inspirou a se desenvolver como artista interdisciplinar, abrangendo a pintura, a gráfica, o design gráfico, a cerâmica, a fotografia, o vídeo, a performance, a ilustração de livros, a tatuagem e também a música?

Para mim, trabalhar entre diferentes disciplinas surgiu de maneira natural. Nunca percebi a pintura, a música, a poesia ou o cinema como mundos completamente separados. São maneiras distintas de me aproximar de uma imagem ou de uma experiência que desejo compreender.

A pintura continua sendo uma base essencial da minha prática, mas não consegue expressar tudo da forma como necessito. Um filme permite que uma imagem se desdobre no tempo. A música pode transportar uma emoção através da voz e do som. Um mural transforma a relação entre uma imagem, a arquitetura e as pessoas que habitam um espaço. Depois de me mudar para a China, comecei a trabalhar com a cerâmica e descobri o que acontece quando uma imagem ganha peso, volume e textura.

Meu trabalho foi se expandindo gradualmente através da ilustração, dos murais, da docência, do vídeo e de outras formas de expressão. A música retornou à minha vida depois de eu tê-la deixado de lado para me concentrar na pintura. Cada uma dessas experiências abriu uma possibilidade que outro meio não poderia oferecer da mesma maneira.

Existem fundamentos compartilhados, como o ritmo, a composição, a tensão e a pausa, mas cada meio nos permite vivenciá-los de forma diferente. Frequentemente sinto que é a própria imagem que escolhe o que deseja se tornar. Minha tarefa consiste em reconhecer se ela precisa ser uma pintura, uma canção, um filme ou um objeto, e então encontrar a linguagem que permita a sua existência.

Quais são os temas principais que estão mais presentes em sua obra artística?

Retorno repetidamente ao subconsciente, à mitologia e a esses momentos em que uma pessoa atravessa uma transformação interior. O amor, a morte, o medo e a escolha aparecem na minha obra através de figuras e relatos que acompanham a humanidade há séculos.

Utilizo a palavra arquétipo com bastante liberdade. Não se limita a uma definição estritamente junguiana. Para mim, um arquétipo é uma imagem que conecta uma experiência individual a algo coletivo, algo que pode parecer estranhamente familiar mesmo quando o encontramos pela primeira vez. O folclore bielorrusso me é especialmente próximo, mas também exploro a filosofia e as imagens da Índia, a mitologia chinesa e japonesa, e o simbolismo religioso de diferentes tradições.

Uma figura à qual costumo regressar é A Loba, a mulher que reúne ossos e lhes devolve a vida. Vejo nela a possibilidade de recuperar algo essencial dentro de nós mesmas. Adão, Eva, Lilith e as Três Parcas também reaparecem na minha obra, porque suas histórias continuam levantando questões sobre nossas próprias vidas.

Atrai-me especialmente o instante exato antes de algo mudar. Em minha pintura Eclipse, Adão olha para a maçã enquanto um sol negro já se ergueu sobre ele. Interessa-me essa hesitação: ele ainda tem uma escolha, ou algo já se transformou dentro dele? Através de imagens como essa, tento me aproximar de experiências difíceis de explicar de maneira direta. Uma obra pode conservar uma memória emocional e permitir que outra pessoa a encontre à sua própria maneira.

O que representa para você o fato de muitas de suas pinturas fazerem parte de coleções públicas e privadas de diferentes países, entre eles Bielorússia, Reino Unido, Singapura, Rússia, Espanha, Suíça e Equador?

Significa muito para mim que uma obra possa sair do meu ateliê e se tornar parte da vida de outra pessoa, às vezes em um lugar que nunca visitei. A pintura é um processo muito íntimo. Passo um tempo com uma imagem, com as perguntas e os sentimentos que lhe deram origem, e depois ela começa uma existência além de mim.

Quando alguém decide viver com uma obra ou incluí-la em uma coleção, sinto gratidão por essa confiança. Pode ser que vejam algo muito diferente do que eu vi ao criá-la, e isso me parece valioso. Não preciso que o espectador repita a minha interpretação. Interessa-me o que acontece entre a imagem e a sua própria experiência.

O fato de minhas obras encontrarem um lar em diferentes países também se relaciona com a ideia por trás da minha palestra, Arquétipos em Trânsito. As imagens viajam entre culturas e pessoas, adquirindo novos significados pelo caminho. Minha obra carrega algo do lugar de onde venho, mas também pode falar com alguém cuja vida é muito diferente da minha. Essa possibilidade tem um significado profundo para mim.

De que maneira o seu trabalho artístico evoluiu nos últimos cinco anos?

Nos últimos cinco años, tornei-me mais aberta a seguir uma ideia além do meio no qual ela apareceu pela primeira vez. A pintura continua sendo central na minha prática, mas compreendo cada vez mais meu trabalho como uma conversa entre diferentes linguagens artísticas.

Minha formação acadêmica me deu uma relação sólida com a composição e a forma. Com o tempo, passei a ficar mais atenta à experiência interior que existe por trás de uma imagem: por que ela retorna, o que a torna inquietante e o que ela me pede. As figuras mitológicas se transformaram em uma maneira de explorar essas perguntas a partir da minha própria experiência.

Trabalhar com o cinema me ajudou a pensar a arte como algo que pode acontecer com quem a contempla. Em meu curta-metragem Shukra, criado para um festival interdisciplinar, explorei a transformação através da relação de uma mulher com uma divindade. O festival foi concebido como um labirinto, e me interessava como o ato de atravessar a arte podia modificar o estado de consciência de uma pessoa.

Minha mudança para a China incorporou a cerâmica à minha prática. Continuei explorando seres mitológicos, incluindo figuras do folclore bielorrusso, mas agora através de objetos físicos. Mais recentemente, meu projeto musical solo e o vídeo Crying deram forma a uma experiência profundamente pessoal do amor. Esses desdobramentos me ajudaram a compreender que minha prática pode se manter coerente mesmo quando os materiais mudam. O que une as obras é a pergunta que dá origem a cada imagem.

Fale-nos sobre a sua paixão pela música. O que significou para você ter sido a primeira soprano do Conjunto Folclórico Litwins?

A música está comigo desde a infância. Meu tio fundou e dirige o Conjunto Folclórico Litwins, que desde o final dos anos 1980 se dedica a reconstruir a música tradicional. Cresci cercada por ensaios, concertos, oficinas e turnês. Em casa, também escutávamos discos de vinil, incluindo os dos The Beatles e dos The Rolling Stones. A música fazia parte da minha vida familiar e, ao mesmo tempo, era uma porta para um mundo muito mais amplo.

Na adolescência, eu tocava guitarra e até tivemos uma banda punk. Escrevemos várias canções, algumas com letras minhas. Mais tarde, quando escolhi a pintura como profissão, deixei a música de lado porque acreditava que, sem uma formação musical profissional, não poderia me dedicar a ela a sério. Com o tempo, compreendi que essa ideia tinha me limitado.

Cantar como primeira soprano no Litwins foi uma maneira significativa de regressar à música através do folclore. Uma canção arcaica pode alcançar algo em nós que é mais antigo do que a nossa compreensão consciente. Através da voz, senti uma conexão com esse mesmo mundo arquetípico que exploro em meu trabalho visual, mas de uma forma muito imediata e corporal.

Uma lembrança especialmente próxima para mim é ter me apresentado com o conjunto na residência artística da China à qual, mais tarde, retornei como artista individual. Naquela primeira visita, representamos a Bielorrússia juntos através da música. Voltar com minha própria prática artística me permitiu ver como essas partes da minha vida permanecem conectadas. Meu projeto recente, Crying, nasce de um espaço musical mais pessoal, mas dá continuidade a essa necessidade de dar forma à emoção através da voz.

Em um mundo cada vez mais polarizado e tecnológico, você considera que chegará um dia em que a inteligência artificial poderá substituir a criatividade do ser humano?

Acredito que a inteligência artificial pode se tornar uma ferramenta poderosa para criar imagens e explorar possibilidades. Mas, quando penso em criatividade, também penso na experiência que faz com que uma pessoa precise criar, em primeiro lugar.

Para mim, uma obra começa com algo vivido: uma emoção da qual não consigo me desapegar, um medo do qual quero me aproximar ou uma imagem que continua retornando sem explicação. Fazer arte é uma forma de permanecer com essa experiência até que ela encontre uma forma. O resultado importa, mas também importa o processo interior que lhe deu existência.

Em minha palestra, descrevo a arte como uma espécie de meditação centrada em um estado emocional intenso. Uma obra pode conservar algo desse estado. Por isso, considero difícil imaginar que a criatividade humana possa ser substituída por completo. Nossa relação com a arte implica saber que outra pessoa tentou expressar algo a partir de sua própria vida e que nós podemos reconhecer nisso uma parte de nós mesmos.

A tecnologia continuará transformando nossa maneira de trabalhar e o que consideramos possível. Estou aberta a explorar novas ferramentas, da mesma forma que estou aberta a novos meios. Mas gostaria que o uso delas permanecesse vinculado a uma indagação artística. Para mim, a pergunta importante é o que tentamos compreender através da obra e por que sentimos a necessidade de trazê-la ao mundo.

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Obrigado, querida Alesia, por seu tempo, seu espaço e sua atenção. Foi um verdadeiro prazer conhecer mais sobre sua polifacetada trajetória artística.

A partir desta plataforma, desejamos-lhe muito sucesso em cada um de seus projetos. Que sua paixão pela arte continue crescendo a cada dia e que suas obras continuem chegando a coleções privadas e públicas. É uma honra dar difusão ao seu maravilhoso trabalho artístico.

Carlos Javier Jarquín

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